Spuren der Stille

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Susanne Kogler

Wege der neuen Musik am Beginn des 21. Jahrhunderts.

Das Neue ist die Sehnsucht nach dem Neuen." Die Tragweite dieses Satzes, den Theodor W. Adorno Ende der sechziger Jahre in seiner Ästhetischen Theorie niederschrieb, zeigt sich heute noch deutlicher als vor 30 Jahren. Im Rückblick ist die gesamte Kultur des 20. Jahrhunderts vom Gedanken umfassender Innovation geprägt. Zunehmende Spezialisierung und eine Vielzahl von Brüchen war die Folge bis hin zur emotionsgeladenen Postmoderne-Diskussion. Dass die Moderne nicht abdanken will, ist letzte Konsequenz ihrer engen Bindung an das Neue.

Globalisierung, Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen ist auch in der Musikwelt drastisch spürbar: Klänge vergangener Epochen und fremder Kulturen, Elemente verschiedener Stilrichtungen und Kunstgattungen finden sich in bunter Mixtur in der weitläufigen kompositorischen Landschaft. Diese neue Unübersichtlichkeit macht die momentan vieldiskutierte Frage nach einem Bildungskanon auch für die Neue Musik attraktiv. Was sind ihre wesentlichsten Entdeckungen? Was sind die aktuellen künstlerischen Botschaften oder gibt es solche am Ende gar nicht mehr?

Krise der Avantgarde

Die Frage nach dem Neuen trifft alle gleichermaßen: Kulturveranstalter, die mediale Öffentlichkeit, die Kunstschaffenden. György Ligeti, Altmeister der Avantgarde, kommentierte in einem Interview anlässlich seines 80. Geburtstags die aktuelle Situation: "Wir stecken in einer Krise: Die Temperierung ist abgenutzt. Die Zwölftongleichheit hatte Schönberg zur Konsequenz der Dodekaphonie geführt, und danach machte sich das selbst unmöglich. Jetzt stehen wir vor der Ruine dieser modernen Musik. Ich sehe die heutige Krise des Komponierens: Die atonale Komposition und alles, was danach kam, die serielle Musik und andere Konsequenzen des Avantgardismus der sechziger Jahre - das geht nicht weiter! Genauso wenig wie die andere Idee, jetzt zur Modalität oder zur Tonalität zurückzukehren und in früheren Musikstilen zu schreiben. Ich neige dazu zu glauben, wir befinden uns in einem totalen Umbruch in allen Künsten."

Intermediale Entgrenzung

Auch in jenen Bereichen, die durch intermediale Entgrenzung Brücken zwischen Literatur, Theater, Film und Musik eröffnen, macht sich eine Sprachkrise bemerkbar. So äußerte sich unlängst der Philosoph Bernard Stiegler, seit einem Jahr Leiter des von Pierre Boulez 1970 gegründeten Pariser Klangforschungszentrums Ircam: "Heute fragen wir uns, wie man gegen diese Kultur der endlosen Mittel - der moyens sans fin - kämpfen kann, in der doppelten Bedeutung des Wortes. Einerseits die Ziellosigkeit im Sinne Kants, und andererseits die Unendlichkeit der verfügbaren Mittel: mehr, immer mehr Mittel. Das ist sehr gefährlich, und bei transdisziplinären Experimenten multipliziert sich die Gefahr mal hundert - wenn wir uns nicht Gedanken über die Organologie machen, als Brücke zwischen der Ästhetik und der Technologie, die ja einem fürchterlichen industriellen Druck unterliegt. Sonst werden wir nur industriellen Müll produzieren."

Verschiedene Wege wurden und werden beschritten, um die Krise zu bewältigen. Das Neue ereignet sich dabei oft auch unbemerkt. Definiert als Sehnsucht nach dem Neuen, schließt es stets die Sehnsucht nach dem Alten mit ein. Eine Musik, die diese Spannung zwischen Tradition und der lebendigen Vielfalt der Gegenwart paradigmatisch in sich aufgenommen hat, ist das Werk des vor knapp einem Jahr verstorbenen Luciano Berio. Im dritten Satz seiner berühmten Sinfonia zitierte er 1968 vollständig das Scherzo aus Gustav Mahlers Zweiter Symphonie. Berios Nähe zu Mahler steht in engem Zusammenhang mit seinem eigenen Musikdenken: "Es gibt bei Mahler einen besonders anziehenden Traumaspekt, der mich an einen Fluß denken lässt, der ständig wechselnde Landschaften durchquert. Und dieser ständige Klangfluss bezieht sehr komplexe Dinge ein, aber auch sehr einfache, ganz gewöhnliche Dinge. Es gibt dort eine Vielzahl vertrauter musikalischer Erfahrungen, die jedoch verwandelt sind und von einer sehr festgefügten, fast klassischen Idee beherrscht werden, welche die Tonalität organisiert. Ich finde das faszinierend." Auch Berios Werke beziehen Komplexes und Einfaches, Gewöhnliches ein und spiegeln mit ihrer Vielschichtigkeit die Lebenserfahrung unserer Gegenwart: "Ich habe es immer geliebt", schrieb Berio, "auf der Piazza San Marco in Venedig spazierenzugehen: Es gibt dort soviel Musik, ein Orchester spielt einen Walzer, ein anderes genau daneben einen Tango, und dann vermischt sich alles miteinander."

Bezugspunkt Gustav Mahler

Auch Charles Ives, Vater der amerikanischen Moderne, war Mahler verbunden, wie aus seiner zwischen 1915 und 1928 komponierten, jedoch unvollendet gebliebenen Universe Symphony deutlich wird. Ihr liegt die Idee zugrunde, unter Verwendung aller möglichen Materialien, Tonsysteme und rhythmischen Organisationsformen die Totalität alles Seienden in einer Spiralbewegung darzustellen. Die so entstehende mehrdimensionale Klanglandschaft erscheint für die einflussreiche Vorstellung, dass Klänge nicht nur Räume füllen, sondern auch entstehen lassen, beispielhaft. Die Wirkung von Ives' musikalischen Raumvorstellungen reicht bis zur Konzeption von Klanginstallationen, Soundscape- und Invironmentkompositionen, die reale oder imaginäre Räume gestalten.

Zwischen den Kulturen

Brücken zwischen unterschiedlichen Kulturen und Traditionen finden sich im Werk des gebürtigen Stuttgarters Helmut Lachenmann. In seinem Orchesterstück Schreiben, als Auftragswerk für das Tokyo Symphony Orchestra 2003 komponiert, verbindet er die für die japanische Kultur zentrale Vorstellung des Sho-Do, des Wegs des Schreibens, mit der für seine Werke grundlegenden Idee, eine praktische Klangerzeugung als Ausgangspunkt zu wählen: das Reiben eines Materials, wie es beim Schreiben geschieht. Durch den hohen Geräuschanteil, die Affinität zu Naturlaut und Stille, nähern sich die neuen Klänge der alten japanischen Musiktradition der Tokugawa-Zeit.

Auf der Suche nach dem Neuen werden heute alle Möglichkeiten von Zwölf-Ton-Systemen bis zu seriellen Techniken, aleatorischen Formen, Vierteltonsystemen, elektronischen und computergesteuerten Klängen ausgeschöpft. Der Umgang mit dem Klang gestaltet sich frei und schöpferisch. Rigide Systematiken wie zur Pionierzeit vor 1950 sind kaum mehr anzutreffen. Der hierzulande bekannteste Vertreter der Klangkunst französischer Provenienz ist der 1998 jung verstorbene Gérard Grisey. Nicht hörbare Mikroprozesse im Inneren der Klänge zu erforschen und in einen für Menschen hörbaren Maßstab zu übertragen, war der Grundgedanke seiner "Spektralmusik". Sie verkörpert eine "magisch" verlangsamte Zeit, die zur diskursiven Zeit der Sprache in Kontrast steht.

Pendant zur Erforschung des Klanges ist die Erkundung der Stille. Wohl berühmtestes Beispiel für deren Bedeutung im heutigen Komponieren sind die späten Werke Luigi Nonos wie sein 1980 im Auftrag der Stadt Bonn für das 30. Beethovenfest komponiertes Streichquartett Fragmente - Stille, An Diotima. In die Partitur, die sich durch Konzentration auf den Moment auszeichnet, schrieb Nono 53 auf einzelne Wörter reduzierte, zerbrochene Hölderlin-Zitate, die die Ausführenden "innerlich singen", jedoch nicht laut vortragen sollen. Die Stille wird zum Zentrum der Musik, die dadurch ihren zielgerichteten Fortgang unterbricht. In Hinblick auf diese Haltung ist auch von einer Re-Sakralisierung der Neuen Musik gesprochen worden.

Neue Klänge - neue Stille

Die Bedeutung der Stille, Antwort auf die Überfülle des modernen Informationszeitalters, ist auch im Musiktheater auszumachen. Der 35-jährige gebürtige Ostberliner Regisseur Sebastian Baumgarten sucht in der Fülle der Bilder nach "emotionaler Auswirkung". Dies gelingt plötzlich und überraschend, wenn beispielsweise in seiner Dresdner Wozzeck-Inszenierung inmitten der überbordenden Bilderwelt - ein Hornbach-Baumarkt bildet die Kulisse - nach dem Mord nichts mehr bleibt als ein nasser Fleck, eine Leerstelle: Signal aufzumerken, aufzuhorchen, um die Stimme des Anderen wahrzunehmen inmitten unserer reizüberfluteten Gegenwart. Einmal mehr entpuppt sich hier das Neue als die Sehnsucht nach dem Neuen.

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1946

Die Situation der neuen Musik

Um die Jahrhundertwende kam, ähnlich wie bei ihren Schwenerkünsten Malerei, Tanz und Dichtung, Bewegung in das ver hältnismäßig stabile Gebäude der Musik. Nicht, als ob dies zum erstenmal oder plötzlich geschehen wäre: immer schon hat es Neuerungen und ' Revolutionen gegeben, in jeder Epoche wurden neue Räume entdeckt und erschlossen. Diesmal aber wurden die Fundamente erschüttert und verändert. Wir sagen dies nicht, nachdem wir neue Partituren studiert oder in musiktheoretischen Werken nachgelesen haben, was denn eigent lieh geschehen sei, sondern wir gehen von dem Eindruck und dem

Olivier Messiaen

In dem ersten Konzert, bei dem uns französische Musik durch einen französischen Dirigenten vermittelt wurde, erklang auch ein Werk des vor wenigen Monaten bei uns noch völlig unbekannten Olivier M e s-s i a e n. Ein Werk, das schon durch seinen Titel auffiel und sich keiner uns bekannten Richtung oder Schule der französischen Musik einordnen ließ. Nach einer Einleitung, die „tumultuoso“ alle chaotischen und dämonischen Kräfte zu beschwören schien, legte der Dirigent den Stab plötzlich aus der Hand und zelebrierte den folgenden reinen Streichersatz wie eine Vokalkomposition. Und es

Neue russische Kammermusik

Eine „russische Schule“ gibt es — wenn wir vom Altmeister der historischen Oper, Glinka, absehen ;— seit Tschaikcwki und Rubinstein. Beiden schwebte als Ideal eine Verschmelzung der Ausdruckswerte der. russischen Volksmusik mit der westeuropäischen Tonsprache vor. Sie waren auch die.ersten, die der russischen Musik Weltgeltung verschafft haben. Unter . ihren.. NadiJolgern zeigte sich aber bald ein. Gegensatz zwischen nationalen und internationalen Strömungen, der in den beiden sich in der Folgezeit bildenden Schulen, der Moskauer und der Leningrader, im Sinne, eines Obergewichts des

Gustav Mahler und unsere Zeit

Vor 35 Jahren starb in Wien Gustav Mahler. Das bedeutet: wir blicken heute, da unser Gefühl und unser inneres Ohr geschärft sind für das wahrhaft Große und Wertvolle, aus dem Abstand einer Generation auf das Werk und die menschliche Person Mahlers. Sein Werk: zehn gewaltige Symphonien und eine große Zahl beglückend schöner Lieder, die sieben Jahre lang verboten waren und für immer ausgelöscht sein sollten, gilt es, als unverlierbaren Besitz zu erwerben, indem wir sie wieder hören. Mahlers faszinierende Persönlichkeit, der geniale Dirigent und Hofoperndirektor, wirkt lebendig fort in

Der Komponist v E. N. von Reznicek

Erinnerungstage sind Mahnrufe. Nicht immer deckt sich jedoch ihre historische Notwendigkeit mit den Aufgaben, die die Zeit stellt; aus gutem Instinkt wehren wir uns gegen die Autorität der Gedenktage, die nicht selten einen Mahnruf erzwingen wollen, auch da, wo es scheinbar nicht in Einklang zu bringen ist mit der lebendigen Wirkung, die Leben und Werk eines großen Menschen über den Kreis seines Lebens hinaus erreichen konnten.Anders im Falle des Komponisten Emil Nikolaus von Reznicek, der vor einem Jahre am 2. August im Alter von 86 Jahren das Zeitliche segnete. Nur scheinbar ist das Werk

Musik in der Schweiz

Ernest Ansermet, dessen Naime in der internationalen Musikwelt einen guten Klang hat, ist eine der interessantesten Dirigentenpersönlichkeiten der Gegenwart. Eine Fügung des Schicksals brachte diesen Schweizer aus Lausanne vom Anfang seiner Dirigentenlaufbahn an stets mit jungen, manchmal gänzlich unbekannten Musikern in Berührung und so wurde er zum Interpreten ihrer Werke. Er trat in enge Beziehung zu Debussy und Ravel und hat viele ihrer Kompositionen aus der Taufe gehoben. Auch mit Strawinsky und Alban Berg verbanden ihn freundschaftliche Beziehungen, und auch mit Hindemith

Spiel der Linien und der Farben

Schon nach dem ersten Weltkrieg war in der Musik die Tendenz spürbar, sich von der Gefühls- und Empfindungsweise des romantischen und nachromantischen Zeitalters zu lösen. Hand in Hand damit ging die Einschränkung der Aufführungsmittel: vom Riesenorchester eines Strauß und Mahler zur kammermusikalischen Besetzung, von der großen Ausstattungsoper zur „Kammeroper“, vom vielgliedrigen Apparat des Oratoriums zum „Kammeroratorium“. Gleichzeitig erfolgte ein Rückgriff auf vorklassische, zum Teil sogar vorbachische Formen und die Rückkehr zur linearen Schreibweise, die gegen die

Erneuerung der klassischen Formen

In dem Zyklus „Ausländische Meisterdirigenten“ interpretierte der englische Dirigent italienischer Abstammung John Barbirolli mit den Philharmonikern die „En i g rh a“ - Va r i a t i o n e n von Edward Elgar. 1857 geboren und 1934 gestorben, steht Elgar zwischen zwei musikalischen Epochen. Die vor allem während der Klassik und Romantik beliebte Form der Variation bereichert Elgar um ein sehr gepflegtes Stück, das allerdings, mehr durch die Qualität seiner Dar-stellungsmittcl als durch Ursprünglichkeit und Genialität der Eingebung fesselt. Neu an dem unter Hans Richter 1899. in

Geistige Wandlungen bei Beethoven

Das Jahr 1792 verzeichnet die endgültige Ankunft des jugendlichen Fremdlings aus Bonn in “Wien. Mozart, aus dessen Herz die klassische Musik den Schmelz der letzten Vollendung empfangen hatte, war kurz zuvor in sein unbekanntes Wiener Grab gesunken. In den folgenden Jahren bereitete sich in der jungen Feuerseele Beethovens jenes Phänomen vor, das wie in einem elementaren Vorgang das Antlitz der Musik erneuern sollte. Nur iri bewußtem Abstand, um nicht zu sagen Gegensatz zu allem Vorgefundenen, also in revolutionärer Haltung, konnte die Energie zu einer solchen Neuschaffung, wie sie im

1947

Unsere jungen Komponisten

Ein von der Stadt Wien veranstaltetes Konzert „Junge Wiener Komponisten“ machte mit einer ganzen Reihe junger Künstler bekannt, die — wie der Leiter des Musikreferats der Stadt und Theorielehrer an der Staatsakademie, Professor Friedrich Wildgans, bezeugte — sich das handwerkliche Können in bemerkenswertem Ausmaß angeeignet haben und in ehrlichem Streben um ihren Eigenstil ringen. Es handelte sich bei den aufgeführten Komponisten, um Studierende der Kompositionsklassen an der Staatsakademie, welche — mit einer Ausnahme — im dritten Lebensjahrzehnt stehen (Kurt Schmidek:

Soziale Krise und Musik

Ernst K f e n e k, der in Wien geborene Komponist und Schriftsteller, ging 1937 nach Amerika und ist derzeit Leiter des Seminars für Musik an der Hamiline-Universität in St. Paul, Minnesota. \Wenn ich behaupte, daß die Entwicklung der Musik von sozialen Krisen ehr wenig oder gar nicht berührt wird, so will ich damit nicht sagen, die Kunst wohne in einer völlig eigenen Welt, weitab von den Kämpfen und Mühen der Menschheit. Im Gegenteil, die Musik war immer in höchstem Maße der Ausdruck der Id;en und Gefühle, der Hoffnungen und Enttäuschungen des Menschen in seinem Streben, die

Meisterschaft in der Begrenzung

Immer deutlicher gilt uns das Goethe-Wort von der Beschränkung, in der sich erst der Meister zeigt, auch für die Musik. Die Zeit der großen Besetzungen, des rauschenden Klanges ist vorüber, die Farbe weicht der klaren Zeichnung. Begrenzung kennzeichnet auch die Form So ist uns die alte Musik zum Zauberspiegel geworden, in dem sich uns die Zukunft zeigen, soll.Noch spielt in den Werken der älteren-Meister unseres Zeitalters das Erlebnis der Farbe eine große Rolle und es läßt sich auch in einem der letzten Werke Ravels, in den unlängst von Elisabeth Höngen höchst eindringlich

Impressionisten

Ein Bild von Monet gab der Kunstrichtung des Impressionismus den Namen. Nicht die Dinge, sondern der Eindruck von den Dingen, das Netzhautbild, wird wiedergegeben. Daher wird das Persönliche der Auffassung, der Technik wichtig wie nie zuvor. Insofern bedeutet Impressionismus äußersten Subjektivismus. Als Stil setzt der Impressionismus eine gesteigerte und verfeinerte Eindrucksfähigkeit voraus, die man als Reizsamkeit bezeichnet hat. Die vollkommene Wiedergabe dieser Reizeindrücke ist das höchste Ziel der Schule. Jede Wertung, jede Tendenz fehlt. Innen- und Außenwelt fließen ineinander

Verheibung und Erfullung

Was wir gemeinhin „neue Musik“ nennen, ist nicht von heute und nidit von gestern. Sie beginnt für die meisten Hörer etwa mit Reger und Debussy, für die junge Generation mit jenen Werken, die nach dem ersten Weltkrieg entstanden So umfaßt die neue Musik eine Fülle von Namen und Kompositionen, die im Rahmen eines vierzehntägigen Musikfestes auch nicht annähernd vollständig vorgestellt werden können. Auch ein charakteristischer Querschnitt ist — wegen des fehlenden Notenmaterials und im Hinblick auf die Aufführungsschwierigkeiten — kaum möglich. Es waren Proben aus dem

Musik der Neuen Welt

„Der afrikanische Komponist hatte keine alte nationale Musiküberlieferung, an die er sich hätte halten können; aber er besaß eine Überfülle an Stoffen in den weiten Räumen Amerikas“, o kennzeichnet ein zeitgenössischer amerikanischer Komponist die Situation der amerikanischen Musik im 18. und 19. Jahrhundert. Dieser „Musikstoff“ ist die einheimische, viel-tarbige Folklore, welche in Amerika übrigens ebenso spät entdeckt wurde wie in Europa. Der Kenner der amerikanischen Musik läßt als die einzige wirkliche echte Volksmusik nur die der eingeborenen Indianer gelten. Sie

Romantik zwischen zwei Kriegen: Ferdinand Andergassen

Die in den weniger als zwei Jahrzehnten zwischen Bruckners Tod und dem Ausbruch des ersten Weltkrieges heranwachsenden Komponisten wurden Stiefkinder des Schicksals; sie hatten ein in seiner Vielfalt außerordentlich diffiziles musikalisches Weltbild erstudiert und fanden nach dem Kriege die Welt so verändert, daß sie mit dem Erworbenen nicht ausreichten. Vom Tristan-Erlebnis herkommend, hatten sie das Werk Bruckners und Brahms' in sich aufgenommen, waren von den großen Lebenden Gustav Mahler, Richard Strauß und Max Reger bereichert und von den Ausländern Debussy und Puccini stärker, als

1948

Musik und Wissenschaft

Innerhalb der dem Mensdien geschenkten Fähigkeiten schöpferischen Gestalten? ist Musik die unmittelbarste. -Der Stoff, aus dem sie ihr Werk formt, ist die Luft, jenes unsichtbare Etwas, das uns alle umgibt, das wir nicht greifen können das füf uns aber dennoch eines der lebenswichtigsten Elemente ist. Als immateriellste der Künste wird Musik vor allem eben als „Kunst“ (ars) aufgefaßt, wie dies auch in unzähligen Aussprüchen und in der Meinung der meisten Menschen feststeht .Musik ist so „Geist als schaffende Kraft“, an deren Ursprung Intuition, „Einfall“ und, mit ihnen

Die Etappen der zeitgenössischen Musik

Daß neues Kunstschaffen, besonders neue Musik, nicht ohne weiteres aufgenommen und verstanden wird, daß sie dem Nichtverstehen in allen Schattierungen von gutwilliger Ratlosigkeit bis zu leidenschaftlicher Anfeindung ausgesetzt ist, das ist eine altgewohnte Erscheinung, für die sich in der Musikgeschichte zahllose Belege finden. Wenn sich solche Umstände jedoch in neuerer Zeit, zum aber in der Gegenwart, immer nachdrücklicher, offensichtlicher und gehäufter bekunden, so hat das zunächst seinen Grund in der soziologischen Umwandlung des Musiklebens, durch welche die Diskussion auf eine

„ Klassiker der europäischen „Moderne“

In der letzten Folge der „Furche“ hat an dieser Stelle Dr. L. K. M?yer die Etappen der zeitgenössischen Musik aufgezeigt und die Logik ihrer Entwicklung etwa seit 1900 zu erweisen versucht. Auf die Generation der in den sechziger und siebziger Jahren des vorigen Jahrhunderts Geborenen (Busoni, Debussy, Wolf, Mahler, Reger, Pfitz- ner und Strauß), welche die Tonalität bis an ihre äußerste Grenze ausweiteten, folgten die etwa zehn Jahre jüngeren Komponisten, die eigentlichen Neuerer und Revolutionäre, deren Werke schon auf einem neuen Tonsystem basieren. Diese Kompositionen gelten

Krise der Musikerziehung

Seit dem Ende des ersten Weltkrieges begann sich im. deutschen Musikleben eine geistige Krise abzuzeichnen, die sich in immer heftiger werdenden Kämpfen für und wider die seit etwa 1900 in Erscheinung tretende neue Musik und ihre Schöpfer äußerte. In Konzertsälen und Opernhäusern wurden diese Kämpfe vom Publikum nicht weniger leidenschaftlich ausgefochten wie in der Presse, in Fachzeitschriften von Laien und Musikern, Dirigenten und Komponisten. Sachliche und vor allem unsaddiche (Argumente wurden und werden heute noch vorgebracht, 'um die vermeintliche Gefahr abzuwehren, die der

1949

Von Wagner zu Bruckner

Noch um die Jahrhundertwende war ein heftiger Streit zwischen den sogenannten Wagnerianern und den Gegnern Richard Wagners entbrannt. Heute ist es auf diesem Kampffelde stille geworden. In Deutschland wird wenig und selten Wagner aufgeführt, während im Ausland, insbesondere in den Vereinigten Staaten und in England, die Zahl der Aufführungen Wagnerscher Opern im Ansteigen ist. Das liegt nicht daran, daß wir in Deutschland durch die Zerstörung vieler großer Bühnen nicht mehr imstande wären, Wagner-Opern aufzuführen. Der Grund des sichtbaren Zurücktretens der großen Wagner-Oper aus

Das III. Internationale Musikfest

Im Unterschied zu den letzten beiden Jahren standen auf den meisten Programmen des heurigen Musikfestes zeitgenössische und ältere, klassische Werke nebeneinander. Das gab oft harte Kontraste, bot aber auch interessante Vergleichsmöglichkeiten und trug dazu bei, die Basis dieser Veranstaltungen zu verbreitern, ein zahlreicheres Publikum anzulocken. Es ist vor allem der strenge Ausleseprozeß, der gegenwärtig das Gesicht des Musiklebens bestimmt, andererseits der Versuch zahlreicher moderner Komponisten zur Synthese, welche dazu beitragen, das Publikum von der Angst vor der neuen Musik zu

1951

Wieder Symphonie?

Der Autor dieses Aufsatzes gehört tu den führenden Musikkritikern Amerikas Er lehrte von 1920 bis 1925 als Professor für Musik an der Harvard-Universität, ist der Verfasser zahlreicher Kompositionen und trat auch als Organist hervor. Von 1925 bis 1932 lebte er in Europa.Es ist auffallend und für das zeitgenössische Musikschaffen charakteristisch, daß di Komponisten heute wieder Symphonien schreiben Die großen Meister und Wegbereiter der modernen Richtung taten es nicht. Weder Richard Strauß noch Debussy oder Ravel komponierten Symphonien im ursprünglichen Sinn. Auch Strawinskijs Opus

1952

Musiker der Gegenwart

Atlantis-Musikbttdierei. Arnold Schönberg. Von H. H. Stuckenschmidt. 126 Seiten. — Bėla Bartök. Von Serge Moreux. 165 Selten. — Benjamin Britten. Von Eric Walter White. 135 Seiten. Sämtliche: Lizenzausgaben für Österreich durch Humboldt-Verlag, Wien, in Vereinbarung mit dem Atlantis-Verlag, Zürich. — Hommage ä Dinu Llpatti. Labor 4 Fides, Gėnėve. 93 Seiten

Vom Ethos des Komponisten

Zu den Künstlern, die das Bedürfnis empfinden, sich und anderen über das, wa6 sie tun, Rechenschaft abzulegen, gehört Paul Hindemith, der bei mehreren Konzerten im Rahmen des „Internationalen Musikkongresses Wien 1952' als Komponist und Dirigent matwirkt. Im Lauf einer mehr als zwanzigjährigen Lehrtätigkeit an der Staatlichen Hochschule für Musik in Berlin, in Ankara, an der Yale University und — seit November des vergangenen Jahres — an der Universität Zürich war Hindemith immer wieder genötigt, „Grundlagenforschungen“ zu treiben. Sein Verantwortungsgefühl für das

Weltkarte der neuen Musik

Die turbulenten Salzburger Tage der neuen Musik, Versuch einer Wiederbelebung der Atmosphäre der Gründungstage von 1922, sind vorüber, die Kritik des In- und Auslandes hat dazu mehr oder weniger positiv Stellung genommen, und auch ich selbst als Präsident der österreichischen Sektion, der der Auftrag zur Durchführung dieses Jubiläumsfestes zuteil ward, darf das jetzt tun, ohne in den Fehler verfallen zu wollen, zutage getretene Schwächen zu beschönigen und überhaupt den Anblick der Löwin zu bieten, die ihr Junges verteidigt. Denn die österreichische Sektion ist nur zum Teil — nur

1953

Musik und Zeiigeisi

Wenn nicht alle Zeichen trügen, so vollzieht sich im musikalischen Schaffen unserer Tage eine Wandlung, die es von dem des vorausgehenden Menschenalters, also die Musik von 1950 von der von 1920, immer deutlicher abzuheben beginnt. Aufmerksam gemacht wurden wir darauf aber bereits vor eineinhalb Jahrzehnten, und zwar durch Paul H i n d e m i t h, der in seiner „Unterweisung im Tonsatz“ aussprach: „Frommen Meistern war die Kunst des Setzens ein Mittel, Gott zu loben und die Gemeinde der Mithörenden am Lobe teilnehmen zu lassen. Daß das Werk zur Ehre des höchsten Wesens geschaffen wird

1954

Eine neue Weltsprache der Musik?

Rom, im April 1954.Als sich zum erstenmal im großen Konzertsaal der Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dem ältesten Musikinstitut Italiens, dessen erster Vorstand Palestrina gewesen ist, die Teilnehmer des Kongresses „Die Musik im 20. Jahrhundert" versammelten, um die Jury zu wählen bzw. zu approbieren, die aus den zwölf anonym eingereichten Kompositionen die zu prämiierenden auszuwählen hatte, schien eine Sprachverwirrung unvermeidlich, eine gegenseitige Verständigung auf alle Fälle schwierig. Fünfundzwanzig Nationen waren nämlich vertreten, deren Delegierte sich zunächst

Wege der Oper

Operngäriger sind, was man in der Tierkunde Omnivoren nennt. Sie verzehren jede Art und jede Zusammenstellung künstlerischer Kost: Antike, Barock, Romantik, Naturalismus und Moderne; Gesang, Rezitativ, Sprache mit und ohne Begleitung; Kammermusik und Hundert-Mann-Orchester und zirpendes Cembalo; Clownerie und Heroik; Pantomime, Volkstanz und Spitzenballett; Illusionstheater, Stilbühne und Dekorationslosigkeit; Prima- donnen-Hegemonie und Ensemblekunst; die besten Orchester und die schlechtesten Orchester; die größten Dirigenten und ahnungslose Taktschläger; gute Sänger, mittelmäßige

Neue Wege des musikalischen Theaters

Berlin, Anfang OktoberDer stürmische Flug München—Berlin, zweieinhalbtausend Meter über der Erde und einige hundert Meter über ausgedehnten Wolkenfeldern, war eine gute Vorbereitung für das Klima, das der Ankömmling am Ziel seiner Reise vorfindet und an das er sich zunächst gewöhnen muß. Denn schon wieder — oder immer noch — weht hier jene strenge geistige Luft, in der das Mittelmäßige erfriert und Kühnes, Neues gedeiht. Die besonderen sozialen, wirtschaftlichen und politischen Verhältnisse Berlins sind so oft beschrieben und analysiert worden, daß wir unsere Aufmerksamkeit

1955

Am Tor einer neuen Klangwelt

Seit Jahrtausenden vertraut der Mensch dem Gesang, den Flöten, den Geigen und den sinnreich gebauten Tasteninstrumenten die Regungen und Kräfte seiner Seele an, die sein Innerstes bewegen. Die Vibration des Stimmbandes, der Atem des Bläsers, die organischen Körperfunktionen des Instrumentalisten rufen Schwingungen der Luft hervor: Musik, Hörbares ohne Worte oder rationale Gedanken und doch eine verständliche Sprache vom Menschen zum Menschen. Heute ereignet sich eine Veränderung von Grund auf: die Invasion der Technik ins Reich der Töne. Mit Apparaten, die durch mechanische Handgriffe

Eine Glanzzeit derVWener Oper

Es sind fast genau 50 Jahre her, daß ich — als zehnjähriger Volksschüler — in der damaligen k. u. k. Hofoper meine erste Oper hörte, den „Fidelio“. Obwohl mich schon zu der Zeit alles, was mit Musik zusammenhing, lebhaft interessierte, waren mir die Namen der Mitwirkenden nicht so wichtig, daß ich sie im Gedächtnis behalten hätte. E i n Name aber hatte sich mir schon damals fest eingeprägt, der des Dirigenten der Aufführung: Es war Gustav Mahler. Vielleicht hing dies mit dem Umstand zusammen, daß ich, der ich schon manches Orchesterkonzert gehört hatte, noch keinen

Musik und Musiker unserer Zeit

Musiker Uber Musik. Aus Briefen, Tagebüchern und Aufzeichnungen. Ausgewählt und kommentiert von Josef Rufer. Im Stichnote-Verlag, Darmstadt. 320 Seiten. Preis 87 S.Der Umschlag dieser Sammlung stammt von Raoul Dufy. So modern wie das Gewand ist auch der Inhalt. Die zeitgenössischen Komponisten sind nicht, wie meist in solchen Sammelwerken, als lästiges Anhängsel im Schlußteil zusammengepfercht, sondern nehmen den breitesten Raum ein. Für die — oftmals gesammelten und edierten — Zeugnisse der Klassiker und Romantiker von Haydn bis Brahms begnügt sich der Herausgeber mit 66 Seiten.

1956

Die nie gehörten Klänge

MIT DER ELEKTRONISCHEN MUSIK hat sich uns eine neue Welt eröffnet, vot deren Klang und Schall wir alle Grade der geistig-sinnlichen Beunruhigung durchmachen. Staunen und Schreck, Bewunderung und Abwehr, Skepsis und Bejahung wechseln einander in uns ab. Wir fragen uns, ob hier wirklich eine neue Welt beginnt oder ob vielleicht die Welt, ob unsere Welt der Kultur zu Ende geht. Es gibt Menschen, die das ernstlich befürchten, wo die Musik sich der Maschine verschreibt oder, wie man es nehmen mag, Technik sich der Kunst bemächtigt.In Hermann Hesses Fabulierbuch steht die ironische Erzählung vom

Der Komponist Frank Martin

Vor etwa fünf Jahren zitierte Frank Martin in einem Essay über die „Erfahrung des Schöpferischen“* ein Wort Paul Valerys: „Was nur für einen allein Wert hat, ist nichts wert.“ Damals schon war eine ganze Reihe Martinscher Werke, etwa das weltbekannte Oratorium „Der Zaubertrank“, seine Vertonung der „Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke“, die „Petite Symphonie Concertante“ oder die geistlichen Oratorien „In Terra Pax“ und „Golgotha“ für viele Menschen von Wert. Diese Erfolge in den Konzertsälen vieler Länder sind um so erfreulicher, da Martin

Bekenntnis zur europäischen Musik

Sprechen wir es doch einmal ganz offen aus: Wir leben in einer Zeit der Neoismen, und das scheint — ich sage: scheint — das Malheur der europäischen Musik bis herein in unsere Tage. Die einen schreiben Neoklassizismus (Beispiel: Strawinsky — „Persephone“), andere Neoveris-mus (Menotti — „Der Konsul“) oder Neoimpres-sionismus (Martin — Violinkonzert), und auch eine Neoromantik gibt es (Hindemith — Neufassung des „Cardillac“). Das hört sich aber schlimmer an, als es in Wirklichkeit ist. Das Grundübel liegt in der Meinung, man müsse jeder Richtung sofort einen

Aufschwung der Phantasie

Es begann mit Ravel und endete mit Hindeinith. Dazwischen aber — o weh: dem Rezensenten schwirrt der Kopf. Die Ur- und Erstaufführungen der 11. Internationalen Ferienkurse für Neue Musik in Darmstadt sind nicht zu überblicken, die weisen Worte, die dort gesprochen wurden, noch viel weniger. Aber — und das ist das Erfreuliche —: alles, was geschah, förderte das Handwerk, die Solidität. Und das allzu Extreme schien fast ins Spielerische abgewandelt. Am Wege in die serielle oder elektronische Zukunft blühen die Veilchen einer weniger beschwerten Phantasie. Selbst die Todernsten, die

„Zar Igor“

„Zar Igor“ — so hat einmal der Freund und Kollege Arthur Honegger den Komponisten Strawinsky genannt. 1913 hatte dieser mit dem „Sacre du Printemps“ die Satztechnik, den gesamten Stil einer Musikergeneration umgeworfen. Seither herrscht „Zar Igor“, der „weiseste und willensstärkste“ aller zeitgenössischen Komponisten. „Mit immer neuen Waffen lieferte er Schlachten, mit denen er seinen Widersachern Niederlagen bereitete, seinen Verbündeten aber neue Durchblicke eröffnete.“ Diese phänomenale, das heißt unmittelbarsinnlich in Erscheinung tretende Wandlungsfähigkeit

1957

An der Grenze des Fruchtlandes

Gemeinsam mit der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik veranstaltete die Konzerthausgesellschaft einen Abend im vollbesetzten Mozartsaal, an dem eine Symphonie von Anton von W e- b e r n, Karlheinz Stockhausens Kontra-Punkte und „Le Marteau sans Maitre“ von Pierre B o u 1 e z auf geführt wurden: drei der kühnsten und neuartigsten Werke der europäischen Avantgarde. Am Ende des ersten Programmteils standen Debussys „Danses“ für Harfe und Streichorchester: ein Bekenntnis zu jenem Meister, mit dem die Neue Musik begonnen hat. Pierre B o u 1 e z, SOjährig, Sohn französischer

Aus der Hexenküche der Musik

Hexenküche der Musik. Von Kurt Blaukopf. Verlag Arthur Niggli. Teuffen-St. Gallen- Wien. 176 Seiten. Preis 75 S.Gibt es eine musikalische Weltsprache? (Ist unser Tonsystem das einzig mögliche?) Wie laut war Mozarts Welt? Wie beeinflußt der Raum die Musik? (Klingt, zum Beispiel, im Großen Musikvereinssaal Brahms oder Strawinsky besser?) Was ist Schlagwort, was Wirklichkeit bei „High Fidelity“? Welcher Unter- chied besteht zwischen konkreter und elektronischer Musik? — Es geht dem Autor, wie man sieht, nicht um Stile und Richtungen, nicht um Fragen der Form oder der Komposition,

Der Komponist und sein Publikum

IM GEGENWÄRTIGEN MUSIKSCHAFFEN ist die klarste Aeußerung des humanen Charakters der Kunst, des ,,vom Menschen zum Menschen“, zu suchen. Sie wird nicht so leicht gefunden werden, wie man annehmen sollte. Seine hervorstechendsten Merkmale sind die durch Interessenskollektive bestimmten divergierenden Richtungen wie das Vorherrschen der Charakteristik dieser Richtungen durch angewandte Technik. Nicht sosehr die Gruppierung von Persönlichkeiten, sondern die dogmatisch oder logistisch bestimmte angewandte Schaffenstechnik im Interessenskollektiv bestimmt seinen Charakter und seine Position.

Heute: Die „Darmstädter Schule“

Luigi Nono, der junge italienische Komponist, sprach in seinem Vortrag, der die historische Entwicklung der Reihentechnik bis zu ihrer heutigen Handhabung aufzeigte, das stolze Wort aus: es gibt sie schon, die „Darmstädter Schule“. Was — dies meinte er damit — in in diesen zwölf Jahren, in denen nun schon die Ferienkurse für neue Musik, veranstaltet vom Kranichsteiner Musikinstitut in Darmstadt, abgehalten werden, an technischen Problemen diskutiert, an Lösungsversuchen vorgeführt und an Kenntnissen (materieller wie formaler Art) gewonnen worden ist, das sei auch schon im

1958

Neue Opern und Ballette

Gibt es eine moderne Oper, ein zeitgenössisches Ballett? Gelten hier und dort noch die alten „klassischen“ Formen oder ist Neues nur. mit neuen Mitteln zu schaffen, auf neuen Wegen zu finden? Ist Oper heute überhaupt noch möglich? Diese Frage ist, wie Ernst Krenek in einer vor mehr als zwanzig Jahren erschienenen Untersuchung nachgewiesen hat, so alt wie die Gattung selbst. Aber man diskutiert sie immer wieder und kommt, je nach der persönlichen Einstellung, zu den unterschiedlichsten Resultaten. — Typisch berlinerisch ist es, diese Frage nicht theoretisch zu erörtern, sondern

1959

Neue Kirchenmusik in Deutschland

Die großen Entscheidungen der Kirchenmusik unseres Jahrhunderts fallen in dessen drittes Jahrzehnt. Hier entsteht aus der Dynamik der geistigen Strömungen eine neue Kunst. Den Geist, den manche Hymnen Werfels atmen, oder der in den späten Dichtungen Rilkes begegnet, könnte man säkularisierte Religiosität nennen. Aehnlich liegt es bei den bildenden Künsten: deutsche Maler, wie Nolde oder Dix, greifen religiöse Themen auf, ohne daß’ ihre Werke etwa in dem gleichen Sinne als religiöse Kunst bezeichnet werden könnten, wie dies wohl bei Rouault, für die Plastik oft bei Barlach

ALEXANDER SPITZMÜLLER

jjCoNCERT DANS L’ĖSPRIT LATIN” heißt eines der Werke Alexander Spitzmüllers; und „in lateinisch-romanischem Geist” könnte als Motto über einem Großteil des Schaffens von Spitzmüller stehen, einem kompositorischen Opus, einer Werkreihe, die im Jahre 1922 beginnt und heute, da Spitzmüller seinen 65. Geburtstag begeht, rund 50 Nummern umfaßt.Alexander Spitzmüller wurde 1894 als Sohn des ehemaligen österreichischen Finanzministers Spitzmüller-Harmersbach in Wien geboren. Er entstammt einem Hause, in dem nicht nur, wie so häufig in Wien, viel musiziert wurde, sondern seine

Der Komponist Hans Erich Apostel

Im Gesamtbild der österreichischen Musik der Gegenwart spielt der Name Hans Erich Apostel eine wichtige, nicht zu unterschätzende Rolle, als der eines Musikers, der im Rahmen seiner Abkunft von der „Wiener Schule“ Schönbergs, trotz seinem immer wieder betonten Streben nach neuem Ausdruck, nach Unkonventionalität, nach technischem Raffinement den Zusammenhang mit den Gesetzen einer musischen Tradition nicht verloren hat. Apostels zahlenmäßig nicht allzu reichhaltiges, aber dafür geistig um so gehaltvolleres Schaffen repräsentiert heute nicht mehr die Avantgarde — die derzeit

Acht Fragen an die Avantgarde

Heber das Thema „Wo hält die neue Musik“, veranstaltete die Internationale Gesellschaft für Neue Musik gemeinsam mit der Musikalischen Jugend Oesterreichs im Rahmen des Musikseminars des Europäischen Forums, Wien, ein Rundgespräch der Komponisten Boulez (Paris), Nono (Venedig) und Stockhausen (Köln) mit den Wiener Musikkritikern Fiechtner, Winter und Willnauer. Die acht als Diskussionsgrundlage dienenden Fragen wurden von Dr. Franz Willnauer formuliert.

Schöpfer der neuen Musik

PORTRAITS UND STUDIEN. Von H. H. Stuckenschmidt. Suhrkamp-Verlag. 300 Seiten. Preis 16.80 DM

Großes Musiktheater in Berlin

Die Berliner Festwochen, mit ihren über 200 Veranstaltungen dem Wiener Juni-Festival vergleichbar, haben auf dem Gebiet der Oper, des Balletts und des Konzerts keinen Leitgedanken, kein bestimmtes Konzept. Aber man sieht und hört hier, Jahr für Jahr, das Ungewöhnliche, das für unsere Zeit Bedeutsame und Interessante. Hierfür hat der Berliner Intendant, Dr. Gerhart von Westerman, der seit neun Jahren das Programm betreut, ein sicheres Gefühl. Freilich wird er bei der Realisierung seiner Absichten, besonders was das Musiktheater betrifft, von einem Mann unterstützt, der einen ebenso

Händel — Haydn — Mendelssohn

Die drei Großmeister des Jahres 1959 sind denkbar verschiedene Temperamente gewesen. Der 16jährige Studiosus juris Georg Friedrich Händel übte als „lutherisches Subjectum“ den Organistendienst in Halle, der 16jährige Haydn wurde als Mutant von den St.-Stephans-Chorknaben verwiesen und gelangte nach großer Not als Kammerdiener und Faktotum zum italienischen Sänger Porpora, der ihn statt eines Entgeltes für Domestikendienste in Theorie unterrichtete, der 17jährige Primaner Felix Mendelssohn schrieb die Sommernachtstraum-Ouvertüre, in der Reihe seiner Meisterwerke das Vollendetste

1960

Salzburger Festspiele 1960

Das moderne Werk der Salzburger Festspiele 1960 wird das „Mystere de la nati-viti“ vom Frank Martin sein, das am 23. Dezember 1959 in Genf zur konzertanten Uraufführung kam, im neuerbauten Salzburger Festspielhaus aber seine erste szenische Wiedergabe erfahren wird. *Seit etwa 15 Jahren hat der in der Nähe von Amsterdam lebende Schweizer Komponist Frank Martin wie kaum ein anderer Meister seiner Generation das österreichische Publikum in seine Fesseln geschlagen. Dieses Phänomen verdient Beachtung, hegt doch der österreichische Hörer, noch über seine allgemeine Vorsicht in der

UMGANG MIT ALTER MUSIK

Der Autor dieses Artikels, Nikolaus Har-noncourt, ist der Gründer und Leiter des CONCENTUS MUSICUS, eines Ensembles, das größtenteils aus Mitgliedern der Wiener Symphoniker besteht und das sich seit acht Jahren ausschließlich der Interpretation alter Musik (vom Beginn der Mehrstimmigkeit bis etwa 1S00) widmet.

Wird die moderne Oper verdrängt?

Ein gutes Dutzend Uraufführungen und nicht viel weniger Reprisen von Opernwerken aus den „goldenen Jahren“ der modernen Musik in einem Zeitraum von zwölf Monaten: das ist eine stattliche Bilanz. Die Opernkunst — ihrem Wesen nach ein Paradoxon — floriert wieder, die Verbindung mit der hohen Literatur hat sich bezahlt gemacht.Will man freilich dem Resultat der VIII. Dramaturgentagung glauben, die vom 14. bis 19. Juni in Wien stattgefunden hat, so trügt (wie viele andere auch) diese Statistik. Ein ganzer Konferenztag war dem Thema „Krise der Oper“ eingeräumt, und wer geglaubt

Freundschaft in Briefen

„Er musiziert wie ein Italiener und empfindet wie ein Deutscher“, schrieb einmal ein Musikkritiker über den Komponisten Wolf-Ferrari, und dieser Satz kennzeichnet nicht nur den Herzschlag der Musik dieses geistvollen Erneuerers des ßuffostils; er deutet auch den Kern seines Wesens. Schon sein deutscher Vater, der Münchner Maler August Wolf, hatte sich durch hervorragende Kopien italienischer Meister, die noch heute in der Münchner Schack-Galerie hängen, einen geachteten Namen gemacht. Seine Mütter war Venezianerin und hieß Ferrari, der deutsch-italienische Sohn nannte sich

1961

HEROISCHE TRILOGIE

IAm 19. Februar 1938, im letzten Konzert der Wiener Philharmoniker in einem freien Wien und einem freien Österreich, stand neben der IV. Symphonie von Anton Bruckner, die zum erstenmal in der Originalfassung erklang, noch ein zweites Werk auf dem Programm: eine symphonische Suite mit dem Titel „Prósperos Beschwörung“. Der Komponist des durch Shakespeares „Sturm" inspirierten Werkes hieß Egon Weliesz, der Dirigent jenes denkwürdigen Konzerts war Bruno Walter, der unmittelbar darnach nach Amsterdam fuhr, um das Concertgebouw-Orchester zu leiten. Auf Bruno Walters Wunsch wurde das

Der große Einzelgänger

“Ein Gutteil von Österreichs Größe entsteht in der Diaspora. Die beiden bedeutendsten lebenden Komponisten Österreichs bestätigen diese bittere Wahrheit auf ihre Weise: Ernst Krenek ist längst unter kalifornischer Sonne heimisch geworden, soweit er, der zeitlebens — im Geistigen wie mit seiner leiblichen Existenz — „unterwegs” • war, überhaupt eine Heimat finden konnte: und Johann Nepomuk David lebt seit nunmehr 13 Jahren im Schatten des Stuttgarter Fernsehturms, da es sein Heimatland bis heute versäumt hat, den allmählich der Fremde Müden heimzuholen. So scheint auch

INT OLLER ANZA 1961

Zum ersten Mal fand heuer die berühmte Musikbiennale von “Venedig, die bereits zum 24. Mal abgehalten werden konnte und unter den großen Musikfesten nicht nur einen besonderen Ruf, sondern auch schon ihre Tradition hat, im Frühjahr statt. In früheren Jahren legte man die Veranstaltungen auf den Herbst. Das ist wie ein Symbol, denn bisher waren die Programme mehr dem Bewährten gewidmet —, obwohl hier in Venedig immer wieder auch wichtige Erst- und Uraufführungen bedeutender zeitgenössischer Werke stattgefunden haben. So zum Beispiel hat Strawinsky seine Alterswerke — die Oper:

Gute und andere Filmmusik

Dereits der Stummfilm kannte eine Art musikalischer Unter- " malung. Diese hatte zwar noch nicht Selbstzweck, denn es galt, das störende Geräusch des Projektionsapparates zu übertönen. Ein Klavierspieler leierte sein ganzes Repertoire mehr oder weniger geeigneter Stücke herunter. Schon früh wurde der Klang durch die Mitwirkung eines Schlagzeugers „bereichert“, der mit seinen Instrumenten allerhand Effekte des Bildes „vertonte“, angefangen beim Donnerrollen über die Ohrfeige bis zur Autohupe. Der Pianist seinerseits wechselte bei tragischen Szenen vom Kliffiiftiafifsr Jia

VON DER HEITERKEIT NEUER MUSIK

TZ ennen Sie eine lustige Musik? Ich nicht." Das Wort Schuberts ist bezeichnend nicht nur für ihn, sondern auch für viele, für fast alle großen Musiker des 19. Jahrhunderts. Rufen wir uns in Erinnerung jene stattliche Reihe tragischpathetischer Symphonien, jene hundert „Großen Opern“, jene tausend Sonaten, Lieder und andere Kammermusikwerke … Sie stehen fast alle in der gleichen klassisch-romantischen Landschaft, aus der die Standbilder von Beethoven, Brahms, Bruckner, Verdi, Wagner, Tschaikowsky, Strauss und Pfitzner aufragen.Die Musik unserer Zeit, die der ersten Hälfte des 20.

1962

ÖSTERREICHISCHE KOMPONISTEN

Es kann nicht geleugnet werden, daß Österreichs Musikleben — der natürlichen Wellenbewegung zufolge, die jeder Kunstentwicklung innewohnt — heute nicht auf der gleichen schöpferischen Leistungshöhe hält, von der die ersten zwei Jahrzehnte dieses Jahrhunderts gekennzeichnet waren. Dieses Phänomen ist aber keineswegs auf Österreich beschränkt: Vielmehr fließt in einer Zeit völliger Neuformierung der ästhetischen Ordnungen die künstlerische Produktion an sich und allerorten nur sparsam. Freilich entkräftet diese Tatsache den Vorwurf nicht, den Ernst Krenek vor einiger Zeit

STRAWINSKY GIBT AUSKUNFT

Welchem Ihrer frühen Zeitgenossen verdanken Sie am meisten? Debussy? Glauben Sie, daß Debussys Stil durch den Kontakt mit Ihrer Musik beeinflußt worden ist?In meinen frühesten Jahren beeinträchtigten mich Einflüsse, die eine Entwicklung meiner eigenen kompositorischen Technik hemmten. Ich verweise auf den Akademismus des St. Petersburger Konservatoriums, von dem ich mich jedoch glücklicherweise bald frei machen konnte. Aber die Musiker meiner Generation und ich selbst verdanken Debussy am meisten. Ich glaube nicht, daß sich Debussys Kunst durch unsere Beziehung geändert hat. Im

1963

ÜBER CHARLES PEGUY

“VT it Pėguys Nachruhm ist es seltsam gegangen. Als Einund- 1Y1 vierzigjähriger ist er in der Marneschlacht gefallen — am 5. September 1914 bei der Attacke über ein Kornfeld nahe Villeroy, 22 Kilometer vor Paris, und erst durch diesen Soldatentod, den man schon damals als symbolisch empfand, ist er der weiteren französischen Öffentlichkeit bekannt geworden.Das war aber nur ein erstes Aufleuchten. Noch in den zwanziger Jahren wurde er gerade von den literarischen Wortführern totgeschwiegen oder geringschätzig abgetan; es war charakteristisch, daß ihn Andre Gide, ohne merklichem

MUSIK IN FARBE UND FORM

„Musikalische Graphik“ — Eine neue Disziplin an der Wiener Staatsakademie

Musikalische Visionen

Im Mozart-Saal des Konzerthauses kon zertierte die aus zwölf Instrumentalsolistei bestehende „Musica Viva Prägen s i s“, ein, wie man nach den ersten Spiel minuten konstatieren konnte, in der Wie dergabe schwierigster moderner Werk; wohltrainiertes Ensemble. Der Autor de ersten Stückes — „Affekte", für dre Streicher, drei Holzbläser und Klavier — Zbynek Vos trak, Jahrgang 1920, be dient sich des heute zwischen Tokio un San Franzisko allgemein gebräuchliche! Esperanto, das durch die auf Weben fußende serielle Technik und das entspre chende Klangbild charakterisiert ist (Weite

VOLLENDET IM FRAGMENT

In seinem letzten Lebensjahr, nach zwei mißglückten Staroperationen fast völlig erblindet, schuf Johann Sebastian Bach sein kontrapunktisches Opus magnum „Die Kunst der Fuge“. Vierzehn fugierte und vier kanonische Stücke werden auf einem einfachen, fast unpersönlichen Thema aufgebaut und in immer freierem Fluß entwickelt: wahre Wunderwerke kompositorischer Kunst und zugleich ergreifende persönliche Aussage. Noch in Bachs Todesjahr (1750) wird „Die Kunst der Fuge“ von seinen Söhnen Philipp Emanuel und Wilhelm Friedemann herausgegeben. Nur die Anordnung der ersten elf Stücke

1964

Das Altern der neuen Musik

Die Musica nova von heute ist die Musica antiqua (oder incognita) von übermorgen, und die Moderne von gestern bekommt Runzeln. Sie zeigt sie in unserer Zeit — infolge der rasanten Entwicklung neuer musikalischer Techniken und Kompositionsverfahren während der letzten zehn Jahre — früher als zwischen 1900 und 1950. Zu solchen — und noch trüberen — Gedanken regte das letzte Konzert des Ensembles „die reihe“ im Mozartsaal an. Karlheinz Stockhausen, Jahrgang 1928, schrieb sein „Kreuzspiel“ 1951. Es war eine der ersten „punktuellen“ Kompositionen und beeindruckte damals

ÜBER MEIN SCHAFFEN

Für Friedrich von Hausegger (1837 bis 1899), der eine Studie mit dem Titel „Aus dem Jenseits des Künstlers“ vorbereitete, machte Richard Strauss um 1892 die folgenden, bisher unveröffentlichten Aufzeichnungen. Das Manuskript ist in der großen, von der österreichischen Nationalbibliothek veranstalteten Richard-Strauss-Ausstel-lung zu sehen. Die altertümliche Orthographie ist die des Originals.*Völlige Einsamkeit ist für mein Produzieren am günstigsten. Was man „Einfälle“ nennt, musikalische Gedanken, die, man weiß nicht woher, plötzlich mir auftauchen, so habe ich sie

ABENTEURER DES KLANGS

Obwohl es gewiß falsch wäre, sich dem Glauben hinzugeben, man höre alljährlich in Darmstadt den Pulsschlag der zeitgenössischen Musik, obwohl dort seit nun bereits achtzehn Jahren Dada und seine letzten Ausläufer beziehungsweise Auswüchse Orgien feiern, war es doch in Darmstadt, bei den 1946 von Wolfgang Steinecke ins Leben gerufenen Ferienkursen, daß die junge Generation zum ersten Male zu Worte kam, daß Musiker und Fachleute wie Messiaen und Leibowitz, Adorno und Krenek die Jugend entscheidend orientierten, dort auch, daß die Begegnung mit Cage und der übrigen amerikanischen

OPER ODER MUSIKTHEATER?

Die Idee der Oper und die Vorstellung, die die meisten Menschen von dieser Kunstgattung haben, die Paradoxie der Form selbst und die vielfältigen Möglichkeiten der Realisierung, das alles bildet einen Komplex von Fragen, der wohl kaum in einem streng ästhetischen, akademischen Rahmen zu behandeln ist. Man muß sich schon Gedanken machen über die Entstehung dieser Kunstform und ihre Entwicklung, über die Eigenart der Elemente, aus denen sie zusammengesetzt ist, über die Wandlungen, die diese Form durchgemacht hat; man muß einen Spürsinn haben für die sehr merkwürdige Relation von

1965

JUGEND IN HARMONIE

Die Frage nach dem Sinn und Wert der Musik ist in der Geschichte der Menschheit immer wieder gestellt worden. Mit der Musik und dem Musizieren war stets eine Sinnbeziehung verbunden, die das Wesen der Musik und den Sinn des Musizierens in eine höhere Wertordnung einfügte. Es ist heute nicht anders, und wir finden den Weg in unsere Gegenwart am besten, wenn gewisse Zusammenhänge in der Entwicklung der heutigen Musik mit der des „Musikmachens“ aufgezeigt werden.Die Sucht nach dem „Allerneuesten“ und die Suche nach immer neuen Ausdrucksmitteln, wie sie von musikalischen Organisationen

LEBENDIGE OPERNWELT

Die Kunstform der Oper oder weiter gefaßt das musikalische Theater überhaupt überrascht seihst die, die ihm nahestehen, immer wieder durch neue Schöpfungen und Variationen. Denn das, was man gemeinhin und oft so geringschätzig „Oper“ nennt, die Lockspeise des Abonnements zwischen Puccini und Strauss, erschöpft doch nicht die Gattung. Oper ist nicht nur eine fragwürdige paradoxe Kunstform des ästhetisierenden 19. Jahrhunderts. Sie ist lebendiges musikalisches Theater von ungeheurer Wandlungsfähigkeit und Vielseitigkeit und oft von brennender Zeitnähe, oft von überzeitlicher,

GRENZLANDSCHAFT DER DEUTSCHEN SPRACHE

Der Saarländische Rundfunk führte während der Jahre 1960 bis 1962 eine Sendereihe mit dem Titel „Lyrik in dieser Zeit“ durch. Ihr Autor Dieter Hasselblafct, der seine Fragen mit Spürsinn und Schärfe zu stellen verstand, warf beiläufig zu bedenken ein, die großen und reinsten Dichtungen deutscher Zunge stammten in diesem Jahrhundert bisher fast alle von den „Außenstellen deutscher Sprache“ her. Er dachte — und wir wollen seine Wertung, so sehr sie auch wieder erwogen werden müßte, um der These willen gelten lassen — an die Prager Kafka und Rilke, die Österreicher Trakl

MAURIAC UND MOZART

Beethoven und Wagner haben vor einem Jahrhundert die Sensibilität der musischen Franzosen derart angesprochen, daß Baudelaire und Mallanme, E. Bourges, Claudel und Romain Rolland in deren Musik ein Ideal des Humanismus und beinahe eine Art Mystik gesucht und gefunden haben. Das geistige Frankreich der letzten dreißig Jahre des 19. Jahrhunderts kann unmöglich verstanden werden, wenn man diesen Kristallisationspunkt nicht berücksichtigt. Beethovens Prometheisraus und Huimanitätsgefühl, Wagners Pessimismus und dumpfe Religiosität sind von der Geistes-geschichte der „belle epoque“

1966

WAS IST ZWÖLFTONMUSIK?

Für den „Laien”, aber auch für viele Musikfreunde — Konzertbesucher und Radiohörer — ist „Zwölftonmusik” identisch mit „atonal”, vor allem aber mit der Musik Schönbergs, der „Wiener Schule” und ihrer Nachkommen. Wir möchten daher zu Beginn dieser mehr theoretischen Betrachtung feststellen, daß Schönberg zwar mit vollem Recht als der Vater der Zwölftonmusik, auch Dodekaphonik genannt, bezeichnet werden kann, daß er selbst aber keineswegs nur Zwölftonmusik geschrieben hat. (Wir erinnern an die frühen Werke wie das Streichsextett „Verklärte Nacht” von 1899

WIE EIN PHÖNIX

In ehrfurchtsvoller Trauer um den am 18. November des vergangenen Jahres verstorbenen Stifter und Gründer der Forschungs- und Ausbildungsstätte „Accademia Chi- giana“ und der Musikwochen von Siena, Conte Guido Chigi Saracini, ist mit Konsequenz und Energie der künstlerische Leiter der „Chigiana“ und der „Settimane Musicali Senesi“, Prof. Dr. Mario Fabbri, an die schwere Aufgabe herangetreten, das kostbare Erbe des großen Mäzens zu bewahren und dieses in ständigem Kontakt mit dem Leben der Gegenwart zu halten. Immer wieder soll Neues aufgefunden und dem Leben wiedergeschenkt

1967

AM ANFANG WAR DER ROHRSTOCK

Für die Konzertprogramme von heute ist es fast schon eine Selbstverständlichkeit, den Namen des Dirigenten mit der gleichen Betonung zu versehen, wie den des Komponisten; rnfttjunter kommt sogar der Name dessen, der die Aufführung leitet, mehr zur Geltung als der Schöpfer des Werkes. Dieser äußeren Praxis entspricht eine jetzt schon sehr weit verbreitete innere Einstellung: man geht in ein Konzert, um diesen oder jenen Dirigenten zu sehen und seine Auffassung einer Komposition kennenzulernen; Gehalt und Sinn des Werkes als Hörerlebnis werden durch diese Einstellung zwangsläufig in eine

Konzerte mit neuer Musik

Der Zyklus „Musdca nova“ des österreichischen Rundfunks bringt in vier Konzerten neue Musik der älteren und jüngeren Generation zur Konfrontation mit dem Hörer; ein Unternehmen, doppelt verdienstvoll in unseren an zeitgenössischer Musik nicht sehr reichen Programmen. Die in diesen Konzerten zur Diskussion gestellten Werke sind naturgemäß in ihrer stilistischen und klanglichen Art ebenso wie in ihrer künstlerischen Wertigkeit verschieden. Im zweiten Konzert war zu hören „Pic-colo mondo“, Musik zu einem imaginären Ballett von Jürg Baur. Der tänzerische und gestische Charakter

TRADITION UND REVOLUTION

Die heile Welt, das hat Vernunft allseits begriffen, ist ein ausgeträumter Traum. Doch nicht alles Gegenwärtige erscheint ruiniert. Nur zieht sich, wer nach Orientierung sucht, leicht die Geringschätzung jener zu, die sich für die einzigen Vertreter des Neuerungsgeistes in der modernen Welt halten. Wer sich aber im Vergleichen mit dem Gestern und Vorgestern übt, neigt weniger zu Überschätzungen. Es gibt literarische Bestrebungen und Entwicklungen in aller Welt, die auf Veränderungen des menschlichen Lebens und auf bestimmte Erscheinungen innerhalb der christlich-abendländischen Kultur

GUSTAV MAHLER - HEUTE

Während der Wiener Festwochen 1967 wird durch die Konzerthausgesellschaft in der Zeit vom 21. Mai bis 18. Juni zum erstenmal das gesamte kompositorische Werk Gustav Mahlers vorgestellt, angefangen von dem wenig bekannten Jugendwerk „Das klagende Lied“ bis zum Adagio aus der Fragment gebliebenen X. Symphonie. Damit ist den einheimischen Musikfreunden sowie den vielen aus den Bundesländern und dem Ausland zureisenden Gästen Gelegenheit gegeben, das monumentale Opus Mahlers als Ganzes kennenzulernen und als unverlierbaren inneren Besitz für sich zu erwerben. Es geschieht dies, wie uns

DISSONANT UND ENTPERSONLICHT

Betrachtungen über moderne LyrikLyrik wird vielfach als die reinste Erscheinunng des Poetischen bezeichnet. Sie ist „ ... nur eine andere Möglichkeit des Musizierens, das heißt der Ich-Auflösung und des dinglosen Schwebens durch die Sphäre des Irrationalen“, meint Oskar Bendo. Darüber hinaus bedeutet sie ständiges Aufheben eines bereits vertraut gewordenen Zustandes und das Suchen nach einem neuen Wertgefühl. Kriterien, die übrigens für jeden schöpferischen Prozeß kennzeichnend sind. „Poesie gibt es nur dank einer fortgesetzten Neuschaffung der Sprache, was einem Zerbrechen

DIE LETZTE OPER

I.ZUNÄCHST DIE APOLOGIE. Der Schreiber dieser Zeilen war lange Jahre Miisikkiritiker und hatte, wie sich das für einen Musikkritiker gehört, für alle Probleme seines Metiers eine Patentlösung bereit. Inzwischen ist er „unters Theater“ gegangen und lernt allmählich, daß alles ganz anders ist und daß es nicht nur keine Patentlösungen gibt, sondern überhaupt keine Lösungen, und letztlich sogar — keine Probleme. Denn über der täglichen Arbeit für die Praxis eines Opernbetriebs gerät dem also Arbeitenden die Theorie der Oper unversehens aus den Augen, und er merkt plötzlich

1968

DIE PARISER IN WIEN

Französische Kunst dominiert derzeit in Wien auf allen Linien: Picasso in der Weißkirchnerstraße, Leger im Schweizergarten. Und die französische Musik des 20. Jahrhunderts bestimmte eine Woche Wiens Konzertleben. Die „Woche zeitgenössischer französischer Musik”, veranstaltet von der hoch aktiven österreichischen Gesellschaft für Musik und ihrem Leiter, Dr. Harald Goertz, zusammen mit der Akademie für Musik und darstellende Kunst Wien, dem Institut Franęais, der Wiener Konzerthausgesellschaft, dem Museum des 20. Jahrhunderts, der Musikalischen Jugend, dem österreichischen

Diesmal ohne Provokationen

Wenigstens jedes zweite Jahr erfüllt sich auch heute noch Venedigs nie ausgeträumter, jahrhundertealter Traum einer führenden Stellung in Italien; wenn auch nur für insgesamt acht Tage und ausschließlich auf künstlerischem, das heißt musikalischem, theatralischem und dem Gebiet der bildenden Kunst. Dann aber strahlen ganz plötzlich das Teatro La Fenice, die Sale Apollinee, die Scuola di San Rocco, die luxuriösen Riesensalons des Ca' Giustinian und all der marmor- und goldstrotzenden Palazzi des Canale Grande im Glanz eines internationalen Publikums, dem die Aura der einstigen Weltstadt und Kunstmetropole mit all ihrer Pompentfaltung schmeichelt. Venedig feierte heuer im berühmten Teatro La Fenice sein 31. Internationales Festival Neuer Musik. Mehr denn je ist diese Woche der Avantgarde, die stets gemeinsam mit der Kunstbiennale stattfindet, zu einer exklusiven Veranstaltung für Experten und eine ebenso tapfer auf neue Musik eingeschworene wie illustre Schar von Fans geworden. Sie geben sich allabendlich beim Neuesten vom Neuen, den Uraufführungen der Experimente vor allem, ein Rendezvous.

Musik im Fernsehen

Fernseher, die sich von der neunten Kunst vornehmlich musikalische Genüsse erwarten, stellen sicher eine Minorität dar. Dank der Verbreitung dieses Massenmediums ist indessen auch diese Minorität, die sich im ständigen Kampf gegen die Majoritäten der Sportwelt, der Löwinger-Freunde und der Quizliebhaber befindet, ein Faktor, dessen zahlenmäßige Bedeutung die der regelmäßigen Konzertbesucher bei weitem übertrifft. Trotzdem hat diese Bedeutung noch zu keiner Lösung der Probleme geführt, die sich aus dem Kontakt von Musik und Fernsehschirm ergeben. Relativ selten sind noch die

1969

Die Künste umfunktionieren

Jugendlicher Unmut über die zunehmende „Institutionalisierung der Jugendkulturwoche“, Unzufriedenheit mit Jury, System der Preisvergabe und indirekter Einflußnahme öffentlicher Stellen — der Geldgeber — ließen die feierliche Eröffnung der Jubiläumsveranstaltungen der 20. österreichischen Jugendkulturwoche in Innsbruck platzen: Der erste Preisträger des Kompositionswettbewerbs, Giselher S m e k a 1, protestierte mit zwei Malerkollegen, provozierte die politischen Vertreter, die sich danach prompt weigerten, die Literaturpreise persönlich zu übergeben. Nun, gerade heute, wo aller Orten von der Jugend gegen die Vermarktung der Kunst protestiert wird, hätte, man eigentlich in Innsbruck mit diesem Eklat rechnen müssen: Provogeste und Aktionen gegen die bürgerliche Ästhetisierung der Künste, deren sich zumeist gerade die interessanten jungen Künstler bedienen, sind zum Bestandteil künstlerischen Lebens geworden. Eine Geste des Selbstschutzes, mit der sie sich wehren, vom Kommerzialisierungsprozeß der Künste in der Konsumgesellschaft aufgesogen zu werden. Die latent auftretende Angst, auch diese für die österreichische Jugend so wichtige Veranstaltung könnte ähnlich wie Darmstadt oder Donaueschingen zu einer „Börse für moderne Kunst“ umfunktioniert werden, bedrückt nicht nur prominente Vertreter der Jury.

1970

Das BBC-Ordiestra in Wien

An drei Abenden spielte im Großen Konzerthaussaal das 1930 gegründete BBC-Örchestra London. Neben dem Rundfunkdienst bestreitet es einen populären Zyklus in der Royal Festival Hall mit jeweils einem zeitgenössischen Werk. Sir Adrian Boult war sein erster ständiger Dirigent, bekannte Komponisten und Dirigenten, wie Richard Strauss und Igor Strawinsky, Felix von Weingartner, Bruno Walter und Serge de Kusse-witzky, haben es geleitet. Sein letzter ständiger Dirigent, seit 1967, ist Colin Davis, der im nächsten Jahr von Pierre Boulez abgelöst wird.

1971

Dreißig Jahre neue Musik

Das Konzert am vergangenen Freitag im Großen Musikvereinssaal, das die Musikalische Jugend mit dem Jeunesse-Chor und der ORF mit seinem Chor und Orchester unter der Leitung von Milan Horvat gemeinsam veranstalteten, illustrierte auf eindringliche Weise, ohne jedoch didaktisch zu wirken, die Entwicklung der neuen Musik innerhalb der letzten dreißig Jahre.

Computermusik an der Themse

Merkwürdig, wie für die Empfänglichkeit für Kreationen zeitgenössischer Musik der Genius loci eine Rolle spielt! Das letztjährige Festival der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik (IGNM) fand in Basel statt. Dort, in der gemütlichen Stadt am Rheinknie, war man sozusagen „unter sich“; Kontakte, Fachgespräche mit Musikern, Komponisten, Kritikerkollegen waren möglich. Neue Musik beherrschte für eine Woche lang den Ort. Ganz anders beim diesjährigen Festival der IGNM, das heuer in London stattfand.In der heute elf Millionen zählenden Riesenstadt kam man sich, kam sich die

Neue Musik im Festspielhaus

Das erste Orchesterkonzert der heurigen Salzburger Festspiele hatte ein Programm, wie n^n es sich für die an neuer Musik interessierten Besucher dieses im ganzen recht konservativen Festivals nicht besser wünschen könnte.Im Mittelpunkt standen die Fünf Orchesterlieder von Alban Berg nach Ansichtskartentexten Peter Altenbergs für großes Orchester und Sopran (Halina Lulcomska). Obwohl bereits 19X2 entstanden und bei cjer Premiere im Jahr darauf entsprechend ausgepflffen, weisen sie in ihrem opemhaft-expressionistischen StU nicht nur auf „Wozzeck", sondern auch schon auf Bergs letzte Oper

1974

Wer wagt, gewinnt

Nicht immer 1st ein so glanzvoller tmd würdiger Anlaß wie die 1200-Jahr-Feier des Salzburger Domes für eine Uraufführung gegeben: Der ORF war der Mäzen, der an Krzysztof Penderecki vor einem Jahr einen Auftrag erteilte, den dieser zeitgerecht, von November 1973 bis Juli 1974 teils in Krakau, ieUs in den USA realisierte. Anfangs dachten die Salzburger Initiatoren an einen auf die Stadt oder den Dom bezüglichen Text, aber dann entschied man sich für das „Magnificat“ aus dem Lukasevangelium. Das erinnert uns an den ersten Kontakt Pendereckis mit Salzburg i“or vier Jahren: als im Dom seine „Lukaspassion“ aufgeführt wurde, mit der die Reihe der ORF-Konzerte mit neuer Musik im Rahmen der Festspiele begann.

Der Meister des Zaubertranks

Am vergangenen Wochenende ist Frank Martin, 84jährig, im holländischen Nadden gestorben, wo er sich seit 1946 niedergelassen hatte (Großmutter und Gattin des Komponisteif stammen aus den Niederlanden). Mit ihm ist einer der letzten großen Väter einer gemäßigten „Moderne“, die sich der Gunst weitester Publikumskreise erfreute, von uns gegangen. Und er war einer jener wenigen zeitgenössischen Komponisten, die man in Österreich, speziell in Wien, auch zu ihren Lebzeiten durch zahlreiche Aufführungen zu ehren nicht versäumte. — Die Liebe wär eine gegenseitige: „Le vin herbe“, eines seiner Hauptwerke, das ihm zu Weltruhm verhalf, wurde nicht nur bald nach dem Krieg konzertant in Wien, sondern auch szenisch im Rahmen der Salzburger Festspiele 1948 aulgeführt; für die neuaufgebaute Wiener Staatsoper schrieb er in den Jahren 1952 bis 1955 die Oper „Der Sturm“ nach Shakespeare und für die Salzburger Festspiele des Jahres 1960 das im Neuen Festspielhaus uraufgeführte „Mysterium von der Geburt des Herrn“. — Bereits 1943 hatte Martin sechs Monologe aus Hofmannsthals „Jedermann“ für Bariton und Klavier vertont, Irmgard Seefried und Wolfgang Schneiderhan widmete er das „Maria-Triptychon“ und Paul Badura-Skoda, anläßlich der Hundertjahrfeier des Musikvereins, ein Klavierkonzert. — Das erst 1973 in Lausanne uraufgeführte „Requiem“ war Martins letztes Werk. Aber auch als Vortragender trat er bei uns auf, wobei der Verfasser dieses Kurzporträts zweimal in Wien und .einmal in Graz die Ehre hatte, Martin als Übersetzer zu dienen. F.

1975

Eine Konzertfestwoche

Zunächst eine pädagogische Vorbemerkung: Dieses letzte Konzert der Wiener Symphoniker im Zyklus I der Konzerthausgesellschaft, das in einer Voraufführung auch der „musikalischen Jugend“ zugänglich gemacht wurde, war einfach zu lang und überforderte die Aufnahmefähigkeit auch des bestgewillten, ausgeruhtesten Zuhörers. Seit Jahren schon bemüht sich die in Wien residierende Internationale Gustav-Mahler-Gesellschaft (und bezieht in diese ihre Bemühungen auch Anton Bruckner mit ein), daß von den großen, den umfangreichsten Werken der beiden Meister nur jeweilseines aufs Programm

1976

Berio interpretiert Berio

In Besprechungen der Werke von Martin, Dallapiccola, Maderna, Petrassi, Boulez und einiger anderer aus dem romanischen Kulturkreis konnte man immer wieder lesen, sie versuchten, die Zwölftontechnik zu „mediterranisieren“. Nun, damit hat sich der 1925 an der ligurischen Küste geborene, aus einer Organistenfamilie stammende Luciano Berio nicht lange beschäftigt. Von früher Jugend an war für ihn Musik etwas Selbstverständliches: lebendiger und variierbarer Klang. Und Musik ist etwas Gewachsenes, das von Vergangenem gespeist wird und zu neuen Formen strebt.- So bedeutet es einen

1978

Die janusköpfige Tradition

Mehr als 400 Teilnehmer hatte die 32. Hauptarbeitstagung des Instituts für Neue Musik und Musikerziehung in Darmstadt: Musikpädagogen, Komponisten, einige Interpreten, Musikwissenschaftler, Schüler und Studenten. So breitgefächert wie diese Zielgruppen ist auch das Arbeitsangebot: ein Kongreß (dem Generalthema der Tagung gewidmet: „Die Neue Musik und die Tradition“), Werk-Analysen, Kolloquien (über Neue Musik im Klavierunterricht und die elektronische Orgel), Instrumentalkurse und -Workshops (Ren6 Clemencic, Wien, machte mit „neuen Spiel- und Improvisationstechniken auf der

1979

„Daß der Geist Leben werde“

Wir haben zu Hofmannsthal noch immer nicht genügend Abstand. Deshalb beurteilen wir ihn und sein Werk selten genug unbefangen. Anderseits gehört seine Welt schon sehr der Geschichte an, als daß wir uns bequem in sie einleben könnten. Wenig scheint uns fremder als die Atmosphäre seiner frühen Dramen, seiner Gedichte; unwirklich und folgenlos seine Sprache, die so ganz Musik geworden ist, daß selbst durch die vertrautesten Bilder und Begriffe unversehens ein Bienenton geht: ein Summen und Raunen, das einem anderen, einen noch unbewußteren Abschnitt der Erdgeschichte anzugehören scheint.

Aufbruch zur neuen Weitsicht

Wandel ist der Zeiten Wesen, alle staatlich-politischen, gesellschaftlichen oder kulturellen Gegebenheiten, wie wir sie jeweils vorfinden, und die Suche nach dem, was jeweils zum Wandel gereift ist, muß zum ersten Auftrag jedes Verantwortlichen gehören, muß getragen sein von dem Mut zur Wendung in das Unbekannte, vom Bekenntnis zur schöpferischen Phantasie. Das aber hat mit dem Verändern um jeden Preis, dem Überbordwer- fen, dem Kind-mit-dem-Bad-Ausgießen, nichts zu tun. Das notwendige Wandeln ist nicht gleich mit Zerstören, es erfordert vielmehr ein sehr kritisches Sichten der

1998

Kein Hahn kräht danach

Zeitgenössische E-Musik in der Krise: Das Publikum reagiert mit gelangweiltem Desinteresse auf einen Betrieb, von dem keine Impulse mehr ausgehen.

2001

Luft von anderem Planeten

Gedanken zur so genannten Neuen Musik, anlässlich des 50. Todestages des Komponisten Arnold Schönberg.

2006

Passion und Obsession

"Auf öffentliche Resonanz folgt das Tribunal marxistischer Kulturkritik. In diesem Spiel schöpferischer Gezeiten werden rastlose Produktionsschübe mit Jahren der Latenz, des Schweigens und der inneren Emigration erkauft."Zum 100. Geburtstag von Dimitri Schostakowitsch. Ein Porträt des Komponisten von Oswald Panagl.Die Nachrufe zum Ableben von Dimitri Schostakowitsch am 9. August 1975 taten sich mit der angemessenen Würdigung nicht eben leicht. Da war zunächst die öffentliche Person, der Repräsentant einer sowjetrussischen Staatskultur, die den Musiker je nach Bedarf und politischem

2016

Zwischen Schöpfung und Erschöpfung

Obwohl jung verstorben, hinterließ der als sperrig geltende Komponist Max Reger ein vielfältiges Werk, das auf eine lange Schaffenszeit schließen ließe. Eine Tagung anlässlich seines 100. Todestages lädt zum Entdecken dieses Œuvres ein.

von

Susanne Kogler

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Susanne Kogler