Er wollte sich nicht finden

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Zur Max-Ernst-Retrospektive im Münchner Haus der Kunst.

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Zur Max-Ernst-Retrospektive im Münchner Haus der Kunst.

Ulrike Laubert-Konietzny

Loplop, der Vogelobere" (1928) löst durchaus widersprüchliche Gefühle aus. Markant hebt sich über einem dünnen Hals der eiförmige Kopf mit dem scharfen Hakenschnabel vom tiefschwarzen Grund ab, possierlich wirken die wenigen Flaumfedern am Hinterkopf: Küken und spähender Wächter zugleich, mit chiffrenhaft angedeutetem Gefieder in spannungsvollem Schwebezustand zwischen fast monumentaler Ruhe und flatterndem Erregtsein.

Die gebieterische Pose wirkt ironisch in der Einsamkeit des undefinierbaren Dunkel. In diesem rätselhaften Bild des Loplop, einem seiner vielen Alter Ego in seinem Îuvre, hat Max Ernst mit sparsamsten Mitteln Ernsthaftigkeit und Witz zur Ikone einer Bildvision verdichtet. Der Künstler entzieht sich geschickt dem Zugriff des Betrachters, schafft Distanz und Suggestion zugleich wie in jenem berühmten Autoporträt (-1938), in dem das Gesicht des "Sehers" Max Ernst durch das Gespinst eines flüchtigen Lineaments wie entrückt erscheint.

"Ein Maler mag wissen, was er nicht will. Doch wehe! wenn er wissen will, was er will! Ein Maler ist verloren, wenn er sich findet." Getreu dieser seiner Maxime hat Max Ernst als Inventeur eines eigenen Kosmos "sich in Fragen und Rätsel hineingemalt" (W. Spies), immer neue Wege beschritten und - hierin Picasso vergleichbar - bereits Formuliertes variierend aufgegriffen. Erst in den vergangenen zwei Jahrzehnten ist sein umfangreiches Îuvre in immer anderen Facetten bekannt geworden, und die Forschung hat mit den inzwischen vorliegenden Werkverzeichnissen und Einzeluntersuchungen neue Erkenntnisse gewonnen.

Nach der großen Retrospektive 1979 konzentriert sich Werner Spies (Paris) auf nur rund 180 Werke zumeist aus Privatbesitz aus der Zeit zwischen 1916 und 1972 in einer schlanken, dichten Ausstellung in Berlin und München. Am Ende des 20. Jahrhunderts lenkt er die Aufmerksamkeit nochmals ausdrücklich auf jenen Künstler, der die Entwicklung der Kunst mitgeprägt, zum Teil vorweggenommen hat. Als einer der ersten nicht akademisch ausgebildeten Maler der Moderne hat Max Ernst "Jenseits der Malerei" - so seine Schrift (1938) - Techniken erfunden und weiterentwickelt, die das Zufällige mit kompositorischem Kalkül und malerischer beziehungsweise zeichnerischer Vollendung verbindet.

Naturwissenschaftliche Motivvorlagen aus Anschauungsmaterial des 19. Jahrhunderts bilden die raffinierte Instrumentierung seiner Collagen, deren Bildquellen zwar nachgewiesen werden konnten, deren Deutung jedoch offen bleibt. Die Frottagen der "Histoire Naturelle" seit 1925 leben von vorgefundenen Strukturen von Holz, Blättern u. a. Mit unter die bemalte Leinwand gelegten Fundstücken erzeugt der Künstler beim Abspachteln der Farbschichten die spezifische Spurenvielfalt seiner Grattagen. In Farbe getränkte Schnüre auf die Leinwand geworfen, evozieren mit zufällig entstandenen Formen innere Bilder. Im Abklatschverfahren (Decalcomanie) erreicht Max Ernst eine durch Sogwirkung veränderte Oberflächenstruktur des Farbauftrages. Das Schwingen einer löchrigen Farbdose an einer Schnur (Oszillation) ermöglicht ein Malen über die gesamte Körperbewegung, eine Technik, die er für seine Planetenbilder einsetzt und die Vorbild wird für das "action painting" Jackson Pollocks.

Max Ernst hat diese halbautomatischen Techniken für seine surrealistischen Bildwelten geradezu ausgebeutet, scheinbar Unvereinbares miteinander verschmolzen. Der langjährige Student der Philosophie, Psychologie und der Kunstgeschichte hat aber auch mit verfremdeten Zitaten sich auf Altmeister der Kunstgeschichte (Dürer, Raffael, Leonardo) bezogen. Seine Bild-Themen kreisen um Erscheinungen der Natur, Vögel, Vogel-Menschen, wilde Horden mächtiger Ungeheuer und Chimären, utopische Landschaften und unheimliche Wälder, Lebensvisionen unter Wasser und über dem Erdhorizont, planetarische Konstellationen.

Die traditionelle Lesbarkeit ist aufgehoben, Perspektiven sind verschoben. Tiefliegende Standpunkte zwingen den Blick des Betrachters ins Bild, mitten hinein in eine utopisch erscheinende Welt. Die gleichzeitige Nähe und Ferne stiftet Verwirrung - es ist, als blicke man abwechselnd durch beide Seiten eines Fernglases: Detailgenauigkeit auf Bodenniveau, weit entfernte Horizonte in unbestimmbarer Distanz. Vergleichbar Goethes "Lynceus der Türmer" (Zum Sehen geboren, / Zum Schauen bestellt) umspannt Max Ernst visionär die allumfassende Weite zwischen "Moosgestelle" und Gestirnen. Der Hölle der Zerstörung, die Lynceus "weitsichtig" beobachtet, entspricht bei Max Ernst die Verweigerung überkommener Ordnungen und künstlerischer Konventionen, die einem Flächenbrand zum Opfer fallen müssen, um Neues entstehen zu lassen. Schon 1912 spricht er von der Notwendigkeit der "Erlebnisse" und beschließt in seinen Biographischen Notizen "Wahrheitsgewebe und Lügengewebe" die Maxime: "Daß es ihm geglückt ist, sich nicht zu finden, betrachtet Max Ernst als sein einziges Verdienst."

Bis 12. September1999 Täglich 10 bis 22 Uhr.

Haus der Kunst, München, Prinzregentenstr. 1 (0049-89-21127)

Ein Thema. Viele Standpunkte. Im FURCHE-Navigator weiterlesen.

1946

Ist der Film Kunst?

Eine Erwiderung an den Verfasser der verneinenden Antwort in der „Furche“, Nr. 22Sehr geehrter Herr!Daß Ihr Aufsatz auf Widerspruch stoßenwürde, hat die „Furche“ erwartet. — Er muß auf Widerspruch stoßen angesichts und im Namen vieler künstlerisch strebender Menschen, die in zwei Generationen— bis 1928 und von da bis heute — mit heißem Bemühen und gläubigem Fanatismus am Werk waren, zunächst stumme und später sprechende wirkliche Filmkunst zu verwirklichen.Das Wollen dieser beiden Generationen— von Asta Nielsen bis Chaplin,. vom Regisseur des „Studenten von Prag“

Wiederkehr der deutschen Kunst

Schon vor Monaten wurde in den westlichen Zonen Deutschlands mit der Räumung der Kunstdepots begonnen; es darf festgestellt werden, daß Deutschlands reicher musealer Kunstbesitz dank rechtzeitiger Bergung fast zur Gänze erhalten blieb und die jahrelange Verbannung gut überstanden hat. Die Rückführung und Freigabe durch die Besatzungsbehörden öffnet allmählich wieder Museumspforten, die der Krieg geschlossen. Wenn nun, in fast allen größeren Städten — nur Berlin bildet immer noch infolge seiner gewaltigen Bauschäden eine Ausnahme — die heimgekehrten Kunstwerke aus ihrem

1947

Was ist Kunst?

Die Frage „Was ist Kunst?“ oder die ihr fast gleichkommende „Was ist ein Kunstwerk“ ist ebenso oft gestellt wie beantwortet worden und drängt sich dennoch bei jeder Gelegenheit wieder auf. Man braucht nur in eine Ausstellung zu gehen und eine Reihe von Bildern oder Plastiken daraufhin zu prüfen, warum uns das eine Werk gefällt, das andere weniger zusagt, um gewahr zu werden, wie schwer es ist, einen richtigen Maßstab für ein wohlbegründetes Urteil zu finden. Gilt das Bild als Kunstwerk, das der Natur am nächsten kommt, sie am besten zu kopieren versteht, oder jenes, an dem uns

1948

Aus dem Wiener Kulturleben

Das Studio der Hochschulen brachte vor Antritt seiner Gastspielreise nach Holland und in die Schweiz Goethes Urfaust neu heraus. Junge Menschen spielen den „Faust“ — sie haben sich mit Recht die Jugendfassung des großen, alle Alters- und Lebensstufen umfassenden Werkes gewählt). „Faust“ ohne Metaphysik, ohne kosmische Gloriole — als Lebenstragödie. So entstand ein „Faust", der dem Sturm und Drang und der eigenen Studentenzeit Goethes nahesteht: am besten ge lungen die Eingangsszenen in der Studierstube, das Treiben in Auerbachs Keller und dann die Gretchen-Tragödie. Hildegard

Von der Formlosigkeit zur Form

Die Malerei hat im Laufe des letzten .halben Jahrhunderts einen äußeren Verarmungsprozeß durchgemacht. Mehr und mehr hat sie abgebaut, was noch den Impressionisten, als den letzten Ausläufern der „klassischen” Malerei, für die Bewertung eines Kunstwerkes entscheidend erschien. Wie jeder durchgreifende Umwandlungsprozeß ging auch dieser nicht ohne Kämpfe, Zerstörungen und krankhafte Entwöhnungserscheinungen vor sich. Die Leidensstationen dieses Weges tragen die Namen der zahlreichen „Ismen”: Expressionismus, Kubismus, Funktionalismus, Konstruktivismus und wie sie alle heißen

Älteste Kunst der Menschheit

Noch das vorige Jahrhundert sah in der griechischen oder in der ägyptischen Geschichte die Uranfänge der Kunst überhaupt und stellte gleichzeitig die Rangprinzipien des Klassizismus auf. Und obwohl diese Anschauung längst durch die neuen Erkenntnisse überholt und völlig neu geformt ist, steht das allgemeine Bildungswissen um diese früheste Kunstgeschichte noch unvergleichlich weit zurück. Neue Forschungen, insbesondere durch Henri Breuil und unseren jüngst verstorbenen Hugo Obermaier, haben die eiszeitlichen Kunstanfänge auf europäischem Boden vor etwa 80.000 Jahren mit

Bildkraft der Sprache

Moderne Malerei und zeitgenössisches Schrifttum zeigen in namhaften Vertretern eine merkwürdige Gegensätzlichkeit. Während die bildende Kunst die Ansicht eines Dinges durch die Innenwelt des Malers filtert und den greifbaren Gegenstand so weitgehend umbildet, drückt »ich der Schriftsteller oft geradezu verblüffend „dinglich ' aus, um die innere Situation zu beschreiben. Die Bilder sind darum so eindrucksvoll, weil sie vom Schreiber wirklich gesehen und vom Leser eindeutig erkannt werden. Zwar könnten beide Kunstformen immer noch das gleiche aussagen, wenn sie die gleiche Innenansicht

Eine Weltschau bildender Kunst

Venedig, Anfang OktoberIm ersten Saal des großen Zentralpalasts, der die Schau der italienischen Kunst birgt, steht, schon vom Eingang des Ausstellungsgeländes aus sichtbar, eine eindrucksvolle Bronzegruppe des im Vorjahr verstorbenen Bildhauers Arturo Martini: „Der verlorene Sohn." Vater und Sohn im Augenblick der Umarmung, das Staunen und die Freude des Wiedersehens, des Sich-im-andern selbst-Erkennens auf den einander so ähnlichen Gesichtern.Ist das nicht die eindringliche Lehre dieser überwältigenden Kunstschau, die zu einer großen Übersicht über die gesamte Entwicklung der

Zeichenkunst und Surrealismus

Der Wiener Art-Club hat vor einigen Tagen in der Zedlitzgasse eine Ausstellung von Graphiken und Skulpturen eröffnet. Jedes Unternehmen dieser Art verdient Beachtung, hat doch die österreichische Kunst seit den Tagen Klimts, und Schieles, welche Künstler ja geradezu eine neue Periode der Zeichenkunst eingeleitet haben, der Graphik viele bedeutende Kräfte zugeführt.Immer noch unbestritten und von keinem erreicht, steht Alfred Kubin seit Jahrzehnten an der Spitze der zeitgenössischen österreichischen Graphik; sein unübersehbares Lebenswerk, ein Katalog des Dämonischen gewissermaßen,

1950

Moderne Kunst — gibt es das?

Unter dem Titel „Form und Gestaltung“ findet derzeit in der Akademie der bildenden Künste eine internationale Ausstellung statt — sie zeigt Arbeiten vieler bedeutender und umkämpfter Künstler unserer Tage —, die vielleicht geeignet sein wird, das Wiener Publikum zu jenem Gespräch über moderne Kunst zu veranlassen, das schon längst überfällig geworden ist; denn moderne Kunst kann abgelehnt oder als gültig hingenommen, als chaotische Illustration einer halbzerstörten Welt oder als Planskizze einer neuen Ordnung betrachtet werden — über all diese Punkte kann, soll vielleicht

Genie oder Scharlatan?

Viele Leute huldigen ihm als einem der bedeutendsten Maler der Gegenwart, andere dagegen sehen ihn als einen dekadenten Popanz, Scharlatan oder gar Betrüger: Pablo Picasso. Kenner debattieren mit großem Ernst, Koterien streiten sich über ihn. Ein Gemälde, vor dessen „dynamischer Kraft“ Picassos Anhänger vor Ehrfurcht vergehen, ist für seine Gegner nichts als ein „scheußliches Geschmiere“. Inmitten seiner Freunde und Feinde und den Wortführern beider Lager hat sich Picasso zum meistdiskutierten Maler gemacht und obendrein zum Millionär. Ob nun Genie oder Scharlatan, er ist

Rückblick auf die „Moderne

Mehr als zwanzig Nationen — jene hinter dem Eisernen Vorhang sind nicht dabei — haben heuer die XXV. venezianische Biennale mit den ausgesuchten Werken ihrer Künstler beschickt. Die Zahl der ausgestellten Bilder und Plastiken ist kaum abzuschätzen; hingegen ist bekannt, daß in den ersten vier Wochen seit der Eröffnung etwa 50.000 Menschen, unter ihnen viele Österreicher, die Sperrgitter passierten. Mit einem Wort: diese Biennale — ergänzt durch eine Reihe von Parallelausstellungen an anderen Orten — ist eine Monsterexposition.Natürlich gehört auch heuer das Ausstellungsgelände

1952

Bunte Mauern

Nachzügler der Stilentwicklung werden heute gerade so weit sein, sich zur schlichten Einfachheit und glatten Fassade zu bekennen. Was noch vor wenigen Jahrzehnten Kampfruf war und fanatische Forderung der vorwärtstreibenden und -strebenden Neuerer, ist Allgemeingut geworden. Jene aber, die heute voranschre'iten, vermögen nun wieder zu differenzieren. Früher galt es, die Verlogenheit eines Dekors, die Sinnlosigkeit eines unorganisch gewordenen Ornaments, die unlogische und destruktive Überladung ungeordneter Reißbrettarchitektur zu überwinden. Erst mußte Ordnung gemacht werden, der

Alfred Kubin

Mehr ak in früheren Epochen steht die Zeichnung heute jedem, auch dem Maier oder Bildhauer, offen. Es genügt, Picasso, Klee und Kokoschka zu nennen, um den formalen Reichtum zu ermessen, der sich heute dem graphischen Ausdruck ei öffnet. Bei näherer Betrachtung zeigt sich überdies, daß die linear-abstrakten Werte seit dem Ausgang des 19. Jahrhunderts an der Entgegenständlichung unseres künstlerischen Weltbildes immer stärkeren Anteil nehmen, ja daß dem linearen Ausdruck (sei es bei Cėzanne, Gauguin, Van Gogh oder Toulouse- Lautrec) stärkste entwicklungsgeschichtliche Impulse zu

1953

Schweizerische Malerei der Gegenwart

Obwohl die Schweiz nicht als eigentliches Malerland gilt, obwohl sie keine Kunstzentren wie Paris, München, Venedig oder New York besitzt, und obgleich für die heranwachsende Generation keine schweizerischen Kunstakademien existieren, herrscht in unseren Tagen blühendes Leben auch in der schweizerischen Malerei. In drei sprachlichen Regionen des Landes — in den deutschen, französischen und , italienischen Landesteilen — haben sich differenzierte künstlerische Gruppierungen gebildet, die in lebhaftem gegenseitigem Austausch stehen, und auch die vierte sprachliche Region — das

1954

Weltschau der Kunst in Venedig Spiegel des Geistes

Seit 1895 der im Café Florian auf dem Markusplatz von Männern des geistigen venezianischen Lebens erdachte Plan einer alle zwei Jahre in Venedig abzuhaltenden Ausstellung der zeitgenössischen Kunst der Welt zum erstenmal verwirklicht wurde, besitzt die kulturell interessierte Menschheit eine Möglichkeit, in die Urgründe und Hintergründe der geistigen Situation ihrer Zeit zu blicken. „Die Kunst ist für die Geschichte der menschlichen Gemeinschaft das, was der Traum des Menschen für den Psychiater bedeutet“, schrieb René Huygbe vor etwa 15 Jahren. „Die Kunst erscheint vielen nur

Salzburger Kunstsommer

Ausstellungen von Malerei, Zeichnung, Graphik und Plastik in solcher Vielfalt des Charakters und des Ranges werden für den Betrachter von besonderem Wert, weil sie bildnerischen Ausdruck in seinen Wandlungen vom Barock bis heute zeigen. Oben auf der Hohensalzburg, in der „Sommerakademie", hat Oskar Kokoschka das Um und Auf um lebendiges Gedeihen wahren künstlerischen Schaffens als in einer „Schule des Sehens" statuiert. In dieser Hinsicht konnten besinnliche Betrachter in diesen neun Ausstellungen viel gewinnen.Zum dreihundertsten Geburtstag des österreichischen Barockmalers J oh ann.

1955

Konflikte zwischen Geist und Form

„Geist und Form“ heißt eine vortrefflich arrangierte Ausstellung junger Künstler, die von der Katholischen Hochschulgemeinde in ihrem Studentenhaus, Wien I, Ebendorferstraße 8, veranstaltet wird. Sie soll einen Kontakt zwischen den Studierenden, die erfahrungsgemäß für Kunst nicht allzu großes Interesse haben, und den Werken ihrer schöpferischen Altersgenossen herstellen und zugleich in die Problematik moderner Kunst einführen, indem sie ihre Bestrebungen aufzeigt. Zur Beteiligung an der Ausstellung würden Studenten und Absolventen der Kunstschulen bis zum Alter von dreißig

Auf vielen Wegen

Viele Wege führen nach Rom ... Aber die Künstler sind sich nicht einig, welcher Ort ihnen heute „Rom“ zu sein hat. Nicht nur die Wege sind verschieden, auch die Ziele. Es ist das Verdienst des Direktors der Bibliothek der Akademie der bildenden Künste in Wien, dies in einer kleinen Ausstellung im Kupferstichkabinett der Bibliothek wieder einmal deutlich zu machen. Aus den Sammlungen der Akademiebibliothek hat er, unterstützt durch einige Dauerleihgaben des Bundesministeriums für Unterricht, die Ausstellung ,,A u f vielen Wegen. Versuche künstlerischer Gestaltung“ zusammengestellt,

ZEITEN UND BILDER

JEDE ZEIT HAT IHR BILD und ihre Bilder; und alle Bilder haben ihre Zeit. Einige Bilder aber haben Zeit und haben immer Zeit, weil in ihnen noch soviel unverbrauchte Zukunft ist, von der sie leben. Das sind dann Bilder, die von den Zeitgenossen ihrer Entstehung nicht verstanden und von den Nachfahren als große Kunst verehrt werden. Sie sind das, was bleibt, weil sie so tief in die Zeit drangen, daß sie die Wurzel aller Zeit erreichten.IN DER ÖSTERREICHISCHEN GALERIE des 19. und 20. Jahrhunderts im Oberen Belvedere sind wieder beide Stockwerke allgemein zugänglich. Aus dem zweiten Stock sind

Ein Kampf, die Welt zu bewältigen

Linz, im AugustDie Kunst der Niederländer — das sind für uns die Werke der van Eycks, von Bosch, den Brueghels, Rubens, van Dyck, Frans Hals, Rembrandt, Ruisdael, Vermeer. Der letzte große Niederländer, von dessen Bedeutung wir uns eine genaue Vorstellung machen können, ist Vincent van Gogh, von dem der Expressionismus seinen Ausgang nahm. Und doch haben die Niederländer im selben Jahrhundert noch einen zweiten Künstler hervorgebracht, der an Einfluß und Bedeutung van Gogh womöglich noch übertrifft: Piet Mondrian (1872 bis 1944).“Eine Ausstellung holländischer Kunst der

Begegnung mit der Schönheit

Geschichte der abendländischen Malerei von den Anfängen bis zur Gegenwart. Von Fritz Baumgart. Verlag W. Kohlhammer, Stuttgart. 400 Seiten Text, 128 Schwarzweißabbildungen, 30 Farbtafeln. Preis 176.80 S.Der Verfasser des ausgezeichnet bebilderten Werkes schildert die Entwicklung der abendländischen Malerei wesentlich in einzelnen Kapiteln, die sich aus Betrachtung und eindringlicher Analyse von 160 ihrer bezeichnendsten Hauptwerke ergaben. Diese Disposition machte es schwierig, in einem fortlaufend lesbaren Text den stetigen Fluß des kunstgeschichtlichen Ablaufs darzustellen und das

Weltoffen und unvollendet

Historisches Museum der Stadt Wien, Wien I, Neues Rathaus: Adalbert Stifter. Ausstellung aus Anlaß seines 150. Geburtstages.An der Renaissance des genial-einseitigen Dichters Stifter, der aus dem Menschen ein Stück Natur machte, hat auch der Maler Stifter seinen Anteil. Wie in seinen Erzählungen und Prosastudien finden wir auch in seinen Bildern die Bemühung, das, was ihm vergänglich erschien, statisch zu machen, in Natur zu verwandeln, und was Natur ist, dem menschlichen Alltage nahezubringen. Aus allen Gemälden spricht ein intensives Weltgefühl; seine Weltanschauung findet in den

Der Kunstkritiker:

Renoir sagte einmal: „Die Malerei ist ein Handwerk wie die Tischlerei.“ Das haben, in ähnlicher Form, sehr viele Künstler gesagt, und gerade die bedeutendsten. Daraus spricht nicht nur Bescheidenheit, sondern vor allem Anständigkeit. Die Malerei ist eine Kunst, die unsere Sinne anspricht, sie ist sinnlicher als die anderen Künste. Sie geht vom Material aus. Wenn Kunstkritiker sprechen, fabulieren sie meist. Wenn Maler sprechen, reden sie vom Material; von der Staffelei, von der Leinwand, vom Pinsel, von den Farben, von den Formen, wie Picasso das gemacht habe und Leonardo jenes.

1956

Kleine Kunstgeschichte unseres Jahrhunderts

Kunstgeschichte ist Geistesgeschichte.Eine Geschichte der Malerei ist Geistesgeschichte, bezogen auf ein Handwerk: auf ein edles und großes Handwerk. Denn Kunst ist die sinnliche Gestalt des Geistes, seine Erscheinungsform im Bilde. Seine £e-staltgebung aber ist ein Handwerk. Es gibt kein Handwerk, das ohne Geist auskommen könnte.Das 19. Jahrhundert war das Jahrhundert der Eisenbahn und des Biedermeier, des bürgerlichen Wohlstandes und der Demokratisierung, des satten Liberalismus und des Industrieproletariäts, der Stillleben und des Pessimismus.Die Kunst des 19. Jahrhunderts war, soweit

Die nie gehörten Klänge

MIT DER ELEKTRONISCHEN MUSIK hat sich uns eine neue Welt eröffnet, vot deren Klang und Schall wir alle Grade der geistig-sinnlichen Beunruhigung durchmachen. Staunen und Schreck, Bewunderung und Abwehr, Skepsis und Bejahung wechseln einander in uns ab. Wir fragen uns, ob hier wirklich eine neue Welt beginnt oder ob vielleicht die Welt, ob unsere Welt der Kultur zu Ende geht. Es gibt Menschen, die das ernstlich befürchten, wo die Musik sich der Maschine verschreibt oder, wie man es nehmen mag, Technik sich der Kunst bemächtigt.In Hermann Hesses Fabulierbuch steht die ironische Erzählung vom

Die Avantgardisten sind müde

München, im Juli Wenn wir in Gedankenschnelle an den Stationen der Kunstgeschichte .vorüberfliegen, erkennen wir, daß jede Form einen Gesinnungsausdruck der Zeit verkörpert, daß jeder Formwandel einen Gesinnungswandel der Gesellschaft dieser Zeit spiegelt. Heute wie damal. Das erhebt die jährlich im Haus der Kunst in München veranstaltete große deutsche Kunstausstellung (trotz Quantität, in der die künstlerische Qualität des einzelnen verschüttet wird) zu einem bedeutsamen Ereignis. Es ist ein Spiegelkabinett der Zeit. Der breiten Schau von Kunstwerken,, die unsere Epoche

Bücher der Kunst

Linzer Teppiche. Zur Geschichte einer österreichischen Teppichfabrik der Biedermeierzeit. Von Dora Heinz. Herausgegeben vom Kulturamt der Stadt Linz im Verlage Anton Schroil & Co., Wien^ München. 68 Seiten, 27 einfarbige Bilder, 4 Färb-tafeln.Die „k. k. Aerarial-Wollenzeug-, Tuch- und Teppichfabrik in Linz“ erzeugte von 1796 bis 1850 gewebte Maschinenteppiche von beachtlicher Qualität, die den Stilwandcl vom heimischen Klassizismus zum Biedermeier und zum zweiten Rokoko in Musterung und Farbenwahl getreu widerspiegeln Zwar wurde die aus einem Privatunternehmen entstandene Fabrik

1957

Der Schauplatz liegt im Geistigen

Alles Theater ist Spiel. Indern es vorgibt, Wirklichkeit zu sein, entlarvt es die Wirklichkeit als Schein. Wo nun eigentlich siedeln die Dichter, die Stückeschreiber ihre Bühnenwerke an? Die Zeit in ihren Werken ist Fiktion, der Raum ist Fiktion. Verlange man Illusion, erklärt Schiller, würde das „immer nur ein armseliger Gauklerbetrug sein“, alles sei auf den Brettern nur ein „Symbol des Wirklichen". Und er spricht davon, „dem Naturalismus in der Kunst offen und ehrlich den Krieg zu erklären .Kann man da noch fragen, wie Bühnenbilder auszusehen haben? Ist das nicht eindeutig?

DAS LAND DES „ZU FRÜH“ UND „SEHR SPÄT“

EINES IHRER SELTSAMSTEN ABENTEUERhatte die moderne Kunst in Wien.Viele von uns werden in ihrem Leben wohl jenen eigenartigen Schauer gespürt haben, der uns unerwartet und unvorbereitet überfällt, wenn wir eine neue, noch nicht gesehene Landschaft betreten, ein Tal mit einem Flußlauf darin, oder eine Kleinstadt und plötzlich wissen: dieses Tal und diesen Fluß oder diese kleine Stadt kennen wir; kennen wir so, als wären wir schon hier gewesen. Zugleich mit dem Bewußtsein, sie schon einmal gesehen, sie also gleichsam im eigenen Unterbewußtsein schon immer mit herumgetragen zu haben,

Empfang bei der Kaiserin T’seu=Hi

In Peking traf ich Ende Oktober 1904 ein. Als k. u. k. Militärattache der russischen Armee in der Mandschurei zugeteilt, sollte ich so rasch als möglich das Hauptquartier des Generals Kuropatkin in Mukden erreichen.Alle Zufahrtswege nach der Nordmandschurei waren durch die japanischen Armeen unterbrochen. Ich hatte somit die Wüste Gobi zu durchqueren, um die transsibirische Eisenbahn zu erreichen und auf den Kriegsschauplatz zu gelangen.Es handelte sich darum, eine Karawane zu finden, um mit ihr die paar tausend Kilometer quer durch die dürre Steppe zurückzulegen, welche China von dem

Die Wandlung des Nicolas de Stael

Immer wieder muß man nach Deutschland, nach München vor allem, und in die Schweiz und seine Zentren Basel, Bern, Zürich fahren, wenn man sich über neue Tendenzen in der Malerei informieren oder auch nur große und schöne Kunstausstellungen sehen will. Was in Paris geschieht, in der großen Welt der Malerei, kommt auch nach Deutschland und in die Schweiz. Zu uns nach Oesterreich findet es keinen Weg. Wir haben oft über die Ursachen dieses traurigen Zustandes geschrieben und sind müde geworden, sie’zu wiederholen und zu klagen. Erzählen wir lieber von draußen.Indes also der

Malende Dichter — dichtende Maler

Unsere Zeit ist feuilletonistisch gesinnt. Die Verpackung interessiert sie mehr als der Inhalt. Das Neue beschäftigt sie stärker als das Wahre, das immer neu ist.Interessiert sich unsere Zeit für Kunst? Sie interessiert sich für den Künstler. Der Schaffensprozeß ist ihr wichtiger als sein Ergebnis, das Kunstwerk. Das Persönliche des Künstlers vermag sie zu erregen, sein Werk nur selten. Als Hemingway mit dem Flugzeug über dem Nil abstürzte, wurde darüber in der Presse in einer Aufmachung und an hervorstechender Stelle berichtet, wie nie über eines seiner Bücher. Ein fast toter

GEISTIGES THEATER

Das Drama mit religiösen Aspekten war im Zeitalter des Fortschrittsglaubens sehr suspekt geworden. Auch eine große Kritikerpersönlichkeit wie Alfred Kerr hat dem Phänomen des religiösen Inhalts gegenüber völlig versagt. Die Ueberheblichkeit und der Uebereifer, mit dem man glaubte, die großen dichterischen Persönlichkeiten der Theatervergangenheit durch die Naturalisten ablösen zu können, hat sich bereits nach einer Generation ad absurdum geführt. Die ersten dreißig Jahre dieses Jahrhunderts waren eine große Theaterepoche, aber dem Theater des Geistes standen sie vergleichsweise

1958

BLAU-ROT-GELB

Um der Leistung eines Künstlers gerecht zu werden, bedarf es mehr, als sein Werk nach künstlerischen und ästhetischen Gesichtspunkten zu werten. Betrachtet und beurteilt man es im Zusammenhang mit der Persönlichkeit, der Umwelt, der Kulturepoche seines Schöpfers, so gibt es — über den Künstler hinaus — Aufschluß über die soziale und geistige Struktur der Zeit und über die Stellung, die der Mensch in dieser Zeit einnimmt. Das bedeutet, daß jedes Kunstwerk mehrere Bezugspunkte hat, vielschichtig ist. Diese Betrachtungsweise, die, im Gegensatz zur nur formalästhetischen oder nur

1959

Moderne Kunst und Graphik

Das Experimentierfeld der Malerei ist die Basis der modernen Graphik.Die Malerei hat dank ihrer freien und nicht- limierten schöpferischen Möglichkeiten das Erstgeburtsrecht der bildnerischen Ideen. Vermöge dieser Eigenschaft stellt sie ein hervorragendes Feld zur Darstellung einer Weltanschauung, einer Situation, einer Veränderung des Weltbildes und eine geistige Manifestation überhaupt dar. Mögen dem Pionier die Ausdruckswerte, die philosophischen Zusammenhänge und die Bedeutung seiner Arbeit nicht bewußt sein, so ist er dennoch das Instrument, ein Seismograph einer Epoche und einer

Erinnerung an Kurt Absolon

Das ist der Vorzug edlerer Naturen, daß ihr Hinscheiden in höhere Regionen segnend wirkt, wie ihr Verweilen auf der Erde; daß sie uns von dorther gleich Sternen entgegenleuchten, als Richtpunkte, wohin wir unseren Lauf bei einer nur zu oft durch Stürme unterbrochenen Fahrt zu richten haben; daß diejenigen, zu denen wir uns als zu Wohlwollenden und Hilfreichen im Leben hinwendeten, nun die sehnsuchtsvollen Blicke nach sich ziehen als Vollendete, Selige. Goethe

Kokoschka und die Malerei

Seit der großen Kokoschka-Ausstellung im Vorjahr im Wiener Künstlerhaus reißt die Diskussion um diesen, endlich heimgekehrten und nun auch offiziell anerkannten und gefeierten Künstler nicht mehr ab. Die Oeffentlichkeit ist bereit, sein Werk zu akzeptieren — da kritisiert die Kunstwelt Kokoschkas neue „monumentale“ Werke: seine Kraft sei dahin, er solle abtreten. Was ist davon zu halten? Snobismus? Eifersucht? Oder berechtigte Kritik? Kristian Sotriffer versuchte, sich vor den Bildern des 1886 in Pöchlarn, Niederösterreich, geborenen Meisters ein eigenes Urteil zu bilden.„Eine

ESPRIT, CHARME UND HERZ

IMMER NOCH, das heißt trotz einer umfassenden Coproduktionstätigkeit, zumal mit dem auch künstlerisch konkurrierenden Italien, ist Frankreich das Filmland. Hier entstand — vor über sechzig Jahren — die Kinematographie, hier vor allem wurden ihre Hervorbringungen immer wieder zur Kunst erhoben. Im Werk der Clair, Renoir, Duvivier, Carnė und wie sie alle heißen mögen, angefangen von „Unter den Dächern von Paris“ über „Nachtasyl“, „Kinder des Olymp“ zu „Orphee“, dem „Tagebuch eines Landpfarrers“, den „Verbotenen Spielen“ usw. — da vollzog sich wie sonst

Einst wohnten die Maler im Himmel

JEDES BILD enthält in nuce das Weltbild seiner Zeit. Indem der Künstler auch nur eine Blume malt, eine wirkliche oder eine allegorische, eingebettet in eine Landschaft oder aufgepflanzt in einer Vase oder freischwebend in der Luft, drückt er aus, was er sieht, wie er es sieht, was er dabei empfindet und wie er das Gesehene, das vor Augen oder in der Vorstellung Gesehene, einordnet in den Zusammenhang des Seienden. So ist Kunst immer zugleich die Selbstdarstellung ihres Schöpfers.In den Bildern ist der Geist vergangener Zeiten lebendig geblieben; betrachten wir die Bilder, so sind wir ihm

DIE ABSTRAKTEN WERDEN MÜDE

Die einstige „Ecole de Paris“ wurde von Erscheinungen wie Cezanne, van Gogh, Gauguin und Braque, Picasso, Leger und „Der Blaue Reiter“, auch noch von Kandinski und Klee bestimmt. Ihr Erbe wird von der neuen Schule, teils in Auflehnung gegen die großen Alten, weitergeführt. Ohne sich an Programme oder an die Stadt Paris zu binden, wirken Künstler aus vielen Nationen an und in der „Nouvelle Ecole". Viele leben in der Provinz, in Arles, in der Bretagne, in der Provence, und sie sind so verschieden, daß ihre Zugehörigkeit zur neuen Ecole fast nur darin besteht, daß sie durch

1960

PAUL KLEE UND DIE FISCHE

Ein Thema, mit dem skh Paul Klee sein ganzes Leben hindurch beschäftigte, das er abwandelte und in der jeweiligen Stilepoche, deren er ja eine ganze Reihe durchlief, weiter forschend und suchend stets von Neuem entdeckte und erfaßte, waren Fische. Er malte und zeichnete sie in unzähligen Variationen, immer wieder neu bereichert durch seine immense Erfindungsgabe und zum Teil als Höhepunkte seiner Malerei.Fische sind bei den Malern, zumal bei den modernen, schon immer beliebte Objekte gewesen. Ihr Formenreichtum, ihre klare Linie (Braque sagte einmal dem Sinn nach, der Fisch sei die

VON 1900 BIS 1960

In der vom Ares Council of Great Britain gemeinsam mit dem Bundesministerium für Unterricht in London veranstalteten und Anfang Mas durch Bundesminister Dr. Heinrich Drimmel eröffneten Ausstellung „Österreichische Malerei und Plastik von 1900 bis 1960“ wurden von ihrem Organisator Dr. Werner Hofmann zwei Ziele verfolgt. Das erste war, die Entwicklung der bildenden Künste in Österreich an Hand von Malerei und Bildhauerei in ihrer Eigenart und gleichzeitig in einer kontinuierlichen Tradition aufzuzeigen, und zweitens zu beweisen, daß ihre schöpferische Vitalität, besonders auch in

Constant Permeke

Man erinnert sich nicht, in den letzten lahren in den Wiener Privatgalerien eine ähnlich bedeutende und schöne Ausstellung neuerer Malerei gesehen zu haben wie die Ausstellung der Werke von Constant Permeke, die die G a 1 e r i e W ü r t h 1 e zu den Festwochen zeigt. Gewiß sind es relativ wenige Ölbilder und nur etwa zwanzig Zeichnungen des bedeutendsten der flämischen „Expressionisten“, die hier zu sehen sind, aber aus ihnen wird sofort die Statur, j die europäische Größe dieses Malers klar. Permeke i wurde 1886 in Antwerpen geboren und starb 1952 In Jabbeke. Ein Künstler,

1961

Das moderne Bühnenbild

Dem bewegten Zeitgeist entsprechend löste zu Ende des 19.und Anfang des 20. Jahrhunderts eine literarische Revolution die andere ab. Was aber von allen Neuerungen am deutlichsten hervorsticht und noch bis heute seine Geltung hat, ist die Überwindung des Naturalismus, der, da er die Illusion des wirklichen Lebens geben wollte, als unkünstlerisch empfunden wurde. Kunst soll um der künstlerischen Aussage willen geschaffen werden, nicht zur Darstellung der Natur. Im Gegenteil, die Kunst schafft sich ihre eigene Natur. Eine gewisse Philosophie hat den Zweifel an der Wirklichkeit unserer Welt

DER BLAUE REITER

In England stirbt König Eduard VII. 1910 - ein Zeitalter geht zu Ende. (Sein Nachfolger, Georg V„ wird bis 1936 leben, und in den Trauermarsch seines Begräbnisses werden sich die Kanonensalven des Abessinischen Krieges mengen.) Aus Tibet ist der 13. Dalai-Lama vor den Chinesen geflohen, und Japan hat Korea annektiert. Der Franzose Farman legt in einer Flugmaschine 463 Kilometer in achteinhalb Stunden zurück, und Italien beschließt die Schaffung einer Luftschiffflotte. Rilke schreibt seinen „Malte Laurids Brigge“, Molnar seinen „Liliom“, den Literaturnobelpreis hat Paul Heyse

1962

HÖREN, SEHEN, DENKEN

Wollte man eine aufschlußreiche Parallele zwischen den Musikern und den Malern von heute ziehen, so könnte man zuerst auf die Bedeutung und den scheinbar paradoxen Gegensatz hinweisen, der ihre Benennungen kennzeichnet. Die einen wollen „abstrakte“ Maler und die anderen „konkrete“ Komponisten sein. Hier also „Abstraktion“ und Abkehr von der konkreten Wirklichkeit; dort im Gegenteil „konkretes“ Verfahren und Rückkehr zur rein gegenständlichen Objektivität, zum Urstoff des hörbaren Klanges. Zwischen den Farben- und den Tondichtern scheint demnach ein unüberbrückbarer

VOM ROKOKO ZUM EMPIRE

Der Kupferstich als vervielfältigende Kunstübung, aus der sich die anderen Tiefdruckverfahren ableiteten, hatte seinen Ursprung in der Technik der Ziseleure und Goldschmiede. Schon vor dem 15. Jahrhundert pflegten die italienischen Goldschmiede ihre Gravierungen zur Kontrolle abzudrucken, bevor sie die Ritzzeichnungen in Silber mit Schwefelsilber ausfüllten.Während sich im Norden, vor allem in Deutschland, daraus eine selbständige Stilentwicklung ergab, blieben in Italien die„Mädchenkopf“ von Louis Martin Bonnet nach Francois BoucherStecher von den Malern abhängig, ahmten die

EIN ERINNERUNGSBLATT

TJine Ludwig-Mestler-Gedenkausstellung wurde in der Joan-Peterson-Gallerie in der Newberry Street, dem Bostoner Kohlmarkt, eröffnet. Nicht ohne ein Gefühl tiefen Schmerzes kann ein Freund des Künstlers diese Räume betreten, dessen erster Gedanke dem in Elend und Armut zugrunde gegangenen Menschen gilt. Dennoch ist diese Ausstellung gerade ein Sieg, den der Künstler am stärksten angestrebt hat.Ludwig Mestler, der am 25. August 1891 in Wien geboren wurde, hat es sich nicht leicht gemacht. Er war von seiner Sendung als Künstler und Mensch überzeugt, sein Leben und Werk nur nach dem

1963

GLASGEMÄLDE FÜR JERUSALEM

Die Meister unserer heutigen Kunst, die ohne zu erlahmen siebzig Jahre alt wurden, streben einer nach dem andern Xu den großen Und größten Formaten. Sie sind fast ausnahmslos an die Ausschmückung ganzer Wände gegangen. Fernand Legers Kunst hatte früh schon den Zug zum Monumentalen, ihr bot dieSymbole des Stammes Dan breite Wand wie selbstverständlich Erfüllung und Höhepunkt. Picasso, der alles kann und dem nichts ganz mißlingt, hat sich an der Wand versucht, ohne viel Beifall einzuheimsen, wie ein Blick auf sein Wandgemälde im neuen UNESCO-Palast schlagend beweist. Daß aber ein

IN DER CASA CAROSSA

In Passau verläßt man den Zug. Auch im Winter und im frühen Frühling, da noch Schnee auf den Hängen liegt, die einst 6chöne Weinberge getragen haben, kann die 2000jährige Stadt an den drei Flüssen — mit den flachen Dächern, den anmutigen Uferpromenaden und den vielen italienisch-barocken Bauwerken — ihren südlichen Charakter nicht verleugnen. Die 37 Kirchen und Kapellen verleihen der eher klein Wirkenden'ein geistliches Gepräge. Man hat Passau, das, nach Humboldts Meinung, zu den sieben schönsten Städten der Welt zählt, das bayrische Venedig, die Schwesterstadt Salzburgs, die

DIE BLAUE BLUME BLÜHT WEITER

Romantikei unter den Malern des 20. Jahrhunderts„Die Malerei ist die Enkelin der Natur und verwandt mit Gott,“ (Leonardo da Vinci.)T\ ie Kunst der Romantik weist mit der unserer Zeit zahlreiche Parallelen und Verbindungen auf, wie sie dem mit den geschichtlichen Entwicklungsphasen künstlerischen Schaffen nicht vertrauten Beobachter häufig entgehen. Im Grund ist die Theorie modernen Malens schon in der Romantik festgelegt und vor allem im deutschen Raum folgerichtig weiterentwickelt worden. Prüft man heute die romantischen Ideen und Thesen über das Wesen künstlerischer Tätigkeit nach,

ÜBER CHARLES PEGUY

“VT it Pėguys Nachruhm ist es seltsam gegangen. Als Einund- 1Y1 vierzigjähriger ist er in der Marneschlacht gefallen — am 5. September 1914 bei der Attacke über ein Kornfeld nahe Villeroy, 22 Kilometer vor Paris, und erst durch diesen Soldatentod, den man schon damals als symbolisch empfand, ist er der weiteren französischen Öffentlichkeit bekannt geworden.Das war aber nur ein erstes Aufleuchten. Noch in den zwanziger Jahren wurde er gerade von den literarischen Wortführern totgeschwiegen oder geringschätzig abgetan; es war charakteristisch, daß ihn Andre Gide, ohne merklichem

VERZAUBERTE WIRKLICHKEIT

Man weiß, daß sein Vater Pietro hieß. Doch wann und wo er geboren wurde, ist ungewiß. Zwei Länder, zwei Städte nennen ihn den Ihren: Italien und Jugoslawien, Venedig und Köper. Und nahm man bisher an, daß er entweder 1455 oder 1456 zur Welt kam, so neigt man nun nach den Argumenten Pignattis eher dazu, sein Geburtsdatum um das Jahr 1465 festzulegen, zehn Jahre später. Ein erstaunliches Datum, das bedeutet, daß die großartige „Ankunft in Köln“ aus dem St.-Ursula-Zyklus von ihm mit 25 Jahren vollendet wurde.A Is Carpaccio zur Welt kommt, haben die Türken bereits Athen und die

1964

DER STILLEBENZAUBERER

Von Georges Braque kann man nicht ein Gemälde nennen, das in spektakulärer Weise seine Kunst und sein Lebensgefühl zusammenfaßte. Ein „Guernica“ gibt es von ihm nicht. Trotzdem steht er vor unserem Auge deutlich umrissen, unverwechselbar. So jedoch, daß nicht ein Bild für alle spräche, sondern alle für eines. Braque, der am 31. August 1963 mit 81 Jahren gestorben ist, wurde zum Altmeister unserer Malerei, durch den eine Tradition bei allem Neuerertum hindurchgeht, rückt er doch schon in seiner Jugend, so revolutionär sie sich gab, nie von den Vorangegangenen ab. Das halte man

KINDER ZEICHNEN

Eine der größten Sehnsüchte unserer Zeit ist der Wunsch, zu sich selbst zu finden. Immer wieder ertappen wir uns auf der Suche nach der überschaubaren, heilen Welt, nach der in sich geschlossenen, ursprünglichen Persönlichkeit. Man fordert „Charakter“ oder „Originalität“ vom einzelnen, man steigt „zu den Müttern“ oder ins „einfache Leben“, man beruft sich auf das „Kollektiv-Unbewußte“, und doch steht hinter all diesen verschiedenen Chiffren eine aufgestapelte Sehnsucht nach einer Welt, in der man beruhigter hausen kann als in der kaum mehr überschaubaren Fülle

DER MALER HERBERT BOECKL

Am 3. Juni 1894 wird Herbert Boeckl als Sohn eines Ingenieurs in Klagenfurt geboren. Nach dem Besuch des Realgymnasiums bewirbt er sich um die Aufnahme an die Wiener Akademie der bildenden Künste, man lehnt ihn aber ab. Fasziniert von den Bauten Otto Wagners und dem revolutionären, klaren und klassischen Geiste Adolf Loos', dessen Kreis er eine Zeitlang als Privatschüler angehört, beschließt er nun, an der Technischen Hochschule das Architekturstudium zu beginnea Arbeiten aus dieser Zeit zeigen ihn als einen äußerst begabten, phantasievollen und vor allem „modern“ empfindenden

1965

BOECKLS GRAPHISCHES WERK

Zeichnungen und Aquarelle Herbert Boeckls nehmen in seinem Oeuvre einen so bedeutenden Platz ein, daß sie gesondert betrachtet werden können. Denn auch in ihnen geschieht eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit der Natur, und auch in ihnen ringt der Künstler mit den Problemen von Form und Raum. Sie begleiten und kommentieren nicht nur seine Bilder, sie sind wesentliche Bestandteile seiner gesamten künstlerischen Existenz. Schon die Land-schaftszeichnungm des Jahres 1919 offenbaren die Qualitäten Boecklscher Zeichenkunst, seines Werkes überhaupt. Die Motive werden in der skelettierten

IM GEIST DER BAUHÜTTE

Der Zugang zu den Werken Otto Beckmanns erscheint zunächst einfach, denn ihre Formen- und Farbensprache eröffnet sich unmittelbar und intensiv. Doch bei näherer Betrachtung zeigt sich, daß es trennscharfer Unterscheidungen bedarf, sollihre Ortung in den Kunst- und Geistesströmungen unserer Zeit glücken. Wer ihm in seinem Atelier gegenüber dem Unteren Belvedere in Wien begegnet, findet eine Atmosphäre, wie sie — hier auch von etwas wie einem alchimistischen Hauch durchzogen — in der Bauhüttenwelt des Mittelalters geherrscht haben mag. Das besagt schon einiges über den zum Du, zur

ANATOMIE EINER AKADEMIE

Auf der Festung Hohensalzburg wimmelt es von Touristen, die zwischen Folterkammern und Prunksälen auch alles das entdecken möchten, was nicht im Führer steht. In jeden schmalen und schmälsten Gang kriechen sie, jedem Wegweiser folgen sie, steigen unermüdlich treppauf und -ab, und je tiefer die Gewölbe, desto mehr wähnen sie sich im Mittelalter; um dann einigermaßen fassungslos eine Gruppe junger, langhaariger, bärtiger, färb- und gipsbekleckster Menschen zu finden, die fröhlich zur Gitarre singen. Moderne Ritter und Burgfräulein? Das Schild an der Mauer gibt andere Auskunft:

FALLEN DIE MEISTER VOM HIMMEL?

Es sieht so aus als lebten wir im Zeitalter der vom j Himmel gefallenen Meister. Es soll in früheren Zeiten ein Sprichwort gegeben haben, demzufolge kein Meister gelernt vom Himmel fällt, doch scheint dies für das 20. Jahrhundert keine Gültigkeit mehr zu haben — vor allem, was die Malerei betrifft. In der modernen Kunst ist es nämlich in zunehmender Weise üblich geworden, Bilder als „Erfindungen“ zu präsentieren, und der Künstler ist in immer minderer Weise damit befaßt, seine „Erfindung“ auf der Leinwand in einer dauerhaften Weise zu fixieren. So ist es meist in den

1966

DIE ENGE UND DIE WEITE

Die Ausstellung „österreichische Malerei 1908 bis 1938” ist eine wichtige Schau. Sie ist so wichtig, daß man wünscht sie hätte schon längst — bald nach 1945 — stattgefunden und nicht in Graz, sondern in Wien. Das heißt nicht dėn Ruhm der Grazer Stadtverwaltung schmälern wollen, deren Amt für „Kultur, Sport und Fremdenverkehr” sie veranstaltet, im Gegenteil. Ihre Königsidee, vom Graizer Maler Prof. Fred Hartig stammend und von Dr. Emst Koller, dem neuen Kunstkonsulenten und Direktor der im Entstehen begriffenen Galerie der Stadt, realisiert — unsere Konfrontation mit

WEG VOM BAROCKEN PATHOS

Übermächtig und groß steht im. der französischem Kunst des Dixhuitième am Anfang die Erscheinung Antoine Watteaus. Der arme Dachdeckerssobn aus Valenciennes in Flandern — „Vato, peintre flamand" —, der ruhelos und schwindsüchtig 1721 im Alter von siebenumddreißig Jahren starb, hatte auf seine Art den gegen Ende des 17. Jahrhunderts entflammten Kampf der „Rubenisten“ gegen die „Poussinisten“ gelöst. Flämisches Erbe und den Einfluß seines Landsmannes verband er mit dem Studium der Venezianer, besonders Veroneses, und schuf gegen 1717 mit der Serie der „Fêtes

MONSTREN, DÄMONEN, COMICS

Die heurige Biennale führt etwa 2800 Werke vor, wozu noch die Arbeiten von vier Nationen zu zählen sind, die ihre Einsendungen verspäteten. Die Italiener dominieren wie stets. Ein Drittel des insgesamt Vorgeführten stammt von ihnen, es ist in 58 von den 68 Räumen des zentralen Pavillons untergebracht. Zwei Drittel des Gebotenen entfällt auf die übrigen 37 Nationen, von denen 24 in eigenen großen Pavillons ausstellen.Ein entscheidender Eindruck geht von zwei Retrospektiven der Italiener aus. Umberto Boccioni, einer der Begründer des Futurismus und Mitunterzeichner des berühmten Mani-

DIE ARCHITEKTUR DES MALERS

Als Ernst Fuchs, der Maler, vor nunmehr zehn Jahren zum katholischen Glauben fand, war zunächst das, was er nun malte, Bekenntnis. In der von ihm erworbenen malerischen Ausdruckssprache, aber auch in wenigem, was er damals als eine Art Kunsttheorie begrifflich zu formulieren begann, setzte jedoch sofort ein mächtiger Prozeß der Amalgamierung ein. Die Substanz dessen, was ihm erbmäßig, und was ihm persönlich, als genuine Begabung, mitgegeben war, drängte darnach, mit dem — als Gnadengeschenk erlebten — Gut des christlichen Glaubens zu neuen organischen Einheiten zu verschmelzen. Ein

1967

WISSENSCHAFT - TELEGEN

Nicht alle Zweige der Wissenschaft können ihre Probleme auf dem Bildschirm für den Beschauer interessant demonstrieren. Die Sprödigkeit mancher Themen oder gar die Unmöglichkeit, wesentliche Vorgänge photographisch zu erfassen, stehen allen noch so bemühten Regieeinfällen oder Bildgestaltungen entgegen. In den letzten Wochen wurden wir nun Zeugen bildlicher Visionen über den Menschen, die einen infolge ihrer photographischen Verfremdung durch Zeitraffer oder Zeitlupe zuerst in oft amüsiertes Erstaunen setzten, zuweilen aber sogar schockierten. Und es gab und gibt viele, die sich durch

DISSONANT UND ENTPERSONLICHT

Betrachtungen über moderne LyrikLyrik wird vielfach als die reinste Erscheinunng des Poetischen bezeichnet. Sie ist „ ... nur eine andere Möglichkeit des Musizierens, das heißt der Ich-Auflösung und des dinglosen Schwebens durch die Sphäre des Irrationalen“, meint Oskar Bendo. Darüber hinaus bedeutet sie ständiges Aufheben eines bereits vertraut gewordenen Zustandes und das Suchen nach einem neuen Wertgefühl. Kriterien, die übrigens für jeden schöpferischen Prozeß kennzeichnend sind. „Poesie gibt es nur dank einer fortgesetzten Neuschaffung der Sprache, was einem Zerbrechen

DIE VIERTE DIMENSION

Im Wiener Museum des 20. Jahrhunderts ist derzeit die Ausstellung „Kinetika“ zu sehen. 107 Exponate einer neuen Kunstrichtung, die Bewegung und Lichteffekte zu den herkömmlichen Materialien hinzunimmt, dokumentieren den Einzug der „Vierten Dimension“ in die Kunst. Der folgende Artikel bietet eine Einführung in die ungewohnte Welt der kinetischen Kunst; eine spezielle Besprechung der Ausstellung erfolgt von Claus Pack.Was unsere gegenwärtige Wirklichkeit so bestürzend macht, ist der rasche Wechsel von Ereignissen. Bewegung, so scheint es, ist ihr dominierender Faktor. Die technische

STERBEN ABER HEISST LEBEN

Not hat manches Menschengesicht gezeichnet, lebendige wie künstlerisch gestaltete. Verzerrt oder versteinert, stumm oder wild, resigniert, ergeben oder fragend nach dem Leid und seinem Sinn schauen sie uns an. Kein Künstler kann an diesen Gesichtern vorbeigehen, wie er nicht das Leid ignorieren kann, das wesentlich zum Leben gehört. Will er das Leben gestalten, muß er auch den Tod sehen, den Tod und das Leid.„Leben heißt Leiden, Leiden heißt Sterben, Sterben aber heißt Leben in Ewigkeit“ — Unter diesem Motto bringt das Graphische Kabinett des Stiftes Göttweig seit einigen Monaten

1968

BOTSCHAFT AN DIE WELT

Der Wiener Expressionistendichter Robert Müller richtete vor 40 Jahren an seine Gesinnungsgenossen in Österreich den Zuruf:„Gestalte unmittelbar! Gleichgültig, ob sich die inneren Zusammenhänge mit jenen der Objekte — des schon, wenn auch nicht endgültig Gestalteten — decken. Denn das Sichtbare und Wirkliche ist auch nur eine ehemalige aktivistische Komposition.“Man überlege einmal die Tragweite dieses Ausspruchs. Es besagt nichts weniger, als daß alles Tatsächliche, alles, was uns heute Selbstverständlichkeit ist, irgendeinmal von Aktivisten, von Avantgardisten erobert werden

WANDLUNGEN—VERWANDLUNGEN

Im Museum für Angewandte Kunst ist noch bis zum 30. Juni die große Picasso-Retrospektive zu sehen, die auf der Referatseite der „Furche“ Nr. 18 vom 4. Mai bereits ausführlich besprochen wurde.

VERNISSAGE MIT POLIZEIAUFGEBOT

Die Vernissage der 34. Internationalen Kunstbiennale in Venedig verlief trotz der Bedrohung durch revoltierende Kunststudenten und Maler dank eines erheblichen Aufgebotes an Polizei und Militär ungestört. Allerdings mußten eine vielversprechende Sonderschau „Suchende Wege vom Informalen zu den neuen Strukturen" und eine Sonderschau des Futurismus abgesagt werden, da sich eine genügende Sicherung dieser besonders wertvollen Stücke kaum durchführen läßt. Zahlreiche von den 68 Räumen des zentralen Pavillons, in dem vor allem die Italiener ausstellen, waren in diesen Tagen noch leer. Der Raum Kowalski Im französischen Pavillon blieb verschlossen, in die Räume Schäffer und Devasne, ebenda, konnte man .einigermaßen über Popiersperren hinweg hineinsehen, die Schweden eröffneten nicht „unter den gegenwärtigen Bedingungen . Der russische Pavillon war, wie auch in früheren Jahren, noch versperrt.

„DAS OHR INS OHR LEGEN ..

Im Jahre 1967 erschien im Heimatverlag Krems als 55. Band einer Reihenproduktion ein schmales Bändchen merkwürdiger Kurzgeschichten unter dem Titel „Der Himmel war lila“. Die sieben kleinen Erzählungen geben den Preisrichtern recht, die 1964 ihrem Verfasser, dem in Villach lebenden steirischen Dichterarzt Heinz Pototschnig den Kurzgeschichtenpreis der Peter-Rosegger-Stiftung verliehen haben. Ein Jahr später bereits erhielt der Dichter den Theodor-Körner-Preis für Literatur und zwei Jahre darauf den Ludwig-Ficker- Gedächtnispreis.Die Leser und Kenner der von Hans Leb begründeten und

1969

Kunst der Mitte

h aus der Fülle der graphischen Produktionen vielleicht deutlicher ablesen als aus seinen Gemälden.

1970

Provokation ohne Schrecken

e typisch biedermeierliche Ruhe mit ein paar Dutzend guten Kunden in der Adreßkartei schon wieder komfortabel genug erscheint, Sicherheit für Absatz garantiert.)

Weg von der Fläche

Für die derzeitige Venediger Kunst-Biennale war eine umfangreiche Sonderschau „Experimentelle Ausstellung“ geplant, die mit großer Spannung erwartet wurde. Aber bei der Vernissage konnten die Kritiker aus zahl- ^ reichen Ländern nicht nur Europas lediglich leere Räume besichtigen, wo ihnen einer der Proponenten erzählte, was man da sehen werde; voraussichtlich ab August. Unfertig waren die Ausstellungen der USA, der Franzosen, der R. A. V., leer blieb der Raum der Schweden. An den Türen des tschechischen Pavillons stand mit Kreide in Italienisch: „Aus .technischen' Gründen geschlossen. Information im sowjetischen Pavillon.“ Damit schränkte sich das Vorgeführte auf etwa 1200 Werke ein, ein Bruchteil dessen, was in früheren Biennalen gezeigt wurde. Ein Novum ergab sich hiebet: Während früher den Italienern im Zentralpavillon 58 Räume vorbehalten blieben, sie also gegenüber allen anderen Nationen — heuer sind es 28 in 24 Pavillon - in gewaltiger Überzahl vertreten waren, sind es wegen der geplanten „Experimentellen“ nun nur noch sieben.

1972

Gibt es noch Kunst?

Die Frage, ob es Kunst noch gebe, ist, glaube ich, wohl berechtigt, da sie von so manchen Formschaffenden — ich wähle vorsichtig diese Bezeichnung — selbst negiert wird. Der italienische Bildhauer Lucio Fontana erklärte, die Kunst werde in Zukunft nicht mehr bestehen, der Schweizer Bewegungsplasti-ker Jean Tinguely behauptete, Kunst sei ein überholter Begriff. Auch Herbert Marcuse meinte, vielleicht werde die Kunst als solche gegenstandslos werden, das heißt ihre Bedeutung verlieren. All das geht letztlich auf Hegel zurück, der schon am Anfang des vorigen Jahrhunderts postulierte, die Kunst sei „nach der Seite ihrer höchsten Bestimmung für uns ein Vergangenes“. Und noch eine Stellungnahme: Der New Yorker Kunsttheoretiker Joseph Kosuth verkündete, van Goghs Bilder seien nicht mehr wert als seine Palette.

Angebot an Wirklichkeit

Uber dem klassizistischen Fridericianum, einem der beiden Ausstellungsgebäude der „documenta 5“, liest man auf einem riesenhaften Transparent: „Kunst ist überflüssig.“ Kein Fragezeichen, es wird festgestellt. Anderseits steht in einer Gebrauchsanweisung für diese Ausstellung, daß sie Informationen über Aspekte des modernen Kunstgeschehens biete.

Die Welt als Stimulans

München, von blutigem Spiel entweiht, bietet dennoch teils vorbildlich selektive, teils übersättigte Ausstellungspanoramen und als zentrales Ereignis die Ausstellung „Weltkulturen und moderne Kunst“. Bildwerke der Weltkunst, erlesen, in dieser Qualitätsspitze kaum noch zu vereinen, sind zu weltweitem Dialog versammelt, die Zündkraft der Malrauxschen Ideenwelt läßt sich erneut überprüfen. 25 Jahre nachdem sein Terminus „musee imaginaire“ erstmals die Kunstdebatte international beunruhigte, sollte man im Wien eines Josef Strzy-gowski Offenheit für den Dialog der „Stimmen der Stille“ voraussetzen. Bis 30. September kann im Haus der Kunst in Spontankontakt vor den Kunstwerken die Kraft ihrer Präsenz erprobt werden. In kühner, wahrhaft olympischer Konzeption soll eine Konfrontation außereuropäischer Kunstwerke mit der europäischen Moderne neue Denkanstöße provozieren. Spektren eines unausschöpflichen dialogischen Prozesses kann der Schauende durchwandern, von motivischem und formalem Stimulans bis zu kreativer Anverwandlung des Formengutes als autonome Antwort des Künstlers. Dialoge über Zusammenhänge der Kunst.

1975

Weisheit der Heiterkeit

Ernst Schönwiese, Lyriker, Essayist, Erzähler, Übersetzer, Herausgeber einer Literaturzeitschrift, Verleger und Rundfunkfachmann, entstammt einer Generation, der Spezialisierung ebenso fremd ist wie die Anfälligkeit für Schlagwörter der Mode, für literarische Knüller. Deswegen geht es nur schwer an, das Werk des am Dreikönigstag des Jahres 1905 in Wien Geborenen einfach als engagierte Literatur zu bezeichnen. Und doch durchzieht alle seine Arbeiten unverkennbar das Bemühen um Gestaltung des Menschen nach humanistischen Grundsätzen und Idealen. Vielfältig sind seine Tätigkeiten. An den Wiener Volkshochschulen unterrichtete er nach Absolvierung seiner Universitätsstudien als Dozent; gleichzeitig hat er Eingang in den Kreis um Franz Blei gefunden, gibt auf dessen Anraten ab 1935 die Zeitschrift „das silberboot” heraus, dessen eminent politischer Auftrag es ist, deutschen Abonnenten die damals bereits verbotene Literatur wieder zugänglich zu machen; in einer Anthologie sammelt er Gedichte der im Jahr ihres Erscheinens noch kaum bekannten Dichter Hermann Broch, Benno Geiger, Robert Musil, Heinz Politzer und Ernst Waldinger.

Die Linie ist seine Sprache

„Ich bin ein Schriftsteller, der nicht schreiben kann. Icl spreche sechs Sprachen, keine davon gut. Die Linie — sagen wi die Graphologie — ist meine wirkliche Sprache“, bekannte ein mal der nun 61jährige Saul Steinberg, Weltmeister der Karikatu und Ahnherr der ganzen jüngeren Generation von Karikaturi sten, einer der meistgefragten Cartoon-Designer und Illustra toren der berühmtesten Zeitschriften: von „Bertoldo“ (heut „Candido“) in Mailand, „Harper's Bazaar“ in New York, de großen US-Magazine „Life“, „Interiors“, „The New Yorker“ „Flair“, der „Architectural Review“ oder „Graphis“ in Zürich .. Und motivierte: „Ich zeichne, weil ich mir selber etwas, das icl gesehen habe, erklären will. Zeichnen ist eine Form des Nach denkens auf dem Papier... es gibt eine unmittelbare Korre spondehz zwischen Denken und Handeln.“

1977

Wo liegt die Grenze zwischen Kunst und Unfug?

Der westlichen Welt spektakulärste Kunstschau begann mit einem handfesten Krach: Noch vor Eröffnung der documenta 6 in Kassel legten die Verantwortlichen für die Abteilung Malerei und Photographie ihr Amt nieder: als Protest gegen eine „von Kunsthändlern erzwungene Umhängeaktion” und weil die räumlichen Voraussetzungen zur Ausstellung der Arbeiten von 18 Photokünstlern in der Neuen Galerie nicht termingerecht geschaffen wurden.

1979

„Daß der Geist Leben werde“

Wir haben zu Hofmannsthal noch immer nicht genügend Abstand. Deshalb beurteilen wir ihn und sein Werk selten genug unbefangen. Anderseits gehört seine Welt schon sehr der Geschichte an, als daß wir uns bequem in sie einleben könnten. Wenig scheint uns fremder als die Atmosphäre seiner frühen Dramen, seiner Gedichte; unwirklich und folgenlos seine Sprache, die so ganz Musik geworden ist, daß selbst durch die vertrautesten Bilder und Begriffe unversehens ein Bienenton geht: ein Summen und Raunen, das einem anderen, einen noch unbewußteren Abschnitt der Erdgeschichte anzugehören scheint.

„Der entfremdete Mensch“

Durch die Betrachtung mancher Entwicklungen der zeitgenössischen Kunst gelangt der Autor, Professor an der Evangelisch-Theologischen Fakultät der Universität Wien, zu

1980

Zeichen des Glaubens -Geist der Avantgarde

Anläßlich des 86. Deutschen Katholikentags in Berlin wird in den Räumen der Orangerie des Schlosses Charlottenburg eine große A usstellung gezeigt, die die religiösen Tendenzen in der Kunst der letzten hundert Jahre sichtbar machen will. Die unter dem Titel „Zeichen des Glaubens - Geist der A vant-garde” stehende Ausstellung ist noch bis 13. Juli geöffnet.Mit der Gestaltung der Ausstellung wurde Prof. Wieland Schmied beauftragt, dem es gelungen ist, zahlreiche Meisterwerke aus den besten Museen Europas und Amerikas und aus Privatbesitz zu gewinnen. Er hat auch ein Begleitbuch

1986

Kunst & Charisma

„Fünf Anrufungen“, ein schlanker bescheidener Stein des Bildhauers Karl Prantl lockt die Besucher in den Österreich-Pavillon der Biennale 1986 in Venedig. Der Betrachter wird in den eleganten weißen Bau, 1934 von Josef Hoffmann entworfen, geleitet, dessen Innenräume mit den hohen Bo-genöffnungen lichte Weite und Feierlichkeit ausstrahlen.Dieses Raumkonzept wird von den ausgestellten SkulpturenKarl Prantls und den Bildern Max Peintners aufgegriffen und in idealer Weise überhöht. So entsteht eine Art Andachtsraum, der Klösterliches assoziieren läßt oder im wahrsten Sinne als

1988

Abbild des Unsichtbaren

Für unsere Generation begann die Bildhauerkunst der Gegenwart mit Auguste Rodin. Was vor ihm gewesen ist, war Gegenstand der Kunstgeschichte, was nach ihm kam, mußte sich mit ihm messen. So stießen wir später auf Aristide Maillol. Seine Liegenden in'Bronze, vor dem Louvre, auch andere seiner Skulpturen, die wir nach und nach kennenlernten, hatten die Rodinsche Idee der in sich ruhenden, materialgebundenen, aber gerade im Dialog mit dem Material über dieses hinauswachsenden Plastik weitergeführt. Die Lust an der Abbildung naturnaher Körper war geringer geworden, dafür trat das

1991

Kosmische Kalligraphie

Vor fünfzehn J ahren ist Max Ernst gestorben, am 1. April 1976. Nicht seines Todestages, sondern seines Geburtstages am 2. April 18 91 wird in der Neuen Galerie der Stadt Linz gedacht. Dennoch ist es wichtig, sich zu erinnern, wie nahe er der Gegenwart ist, daß er nicht nur Zeitgenosse der künstlerischen Revolutionen zu Beginn des Jahrhunderts war, sondern wie ein erratischer Block in der Kunstlandschaft unserer Zeit steht.

1994

Salzburg: Lust auf Buder

Erst kürzlich ergab eine Umfrage, daß Salzburg-Besucher - unerwarteterweise - auch großes Interesse an Ausstellungen haben.

1996

Sie zertiiimmern voll Lust

Die Surrealisten, Niki de Saint Phalle, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg - ihre Auseinandersetzung mit der Welt ist ernstgemeint.

Auf der Suche nach Regelmäßigkeiten

Jahrtausendwende steht vor der Tür. Und mehr denn je ist die zeitgenössische Kunst zwischen zwei Polen hin- und hergerissen. Sie befindet sich in einem ständigen Spannungsfeld zwischen subjektiv-expressivem Chaos und harmonisie-. render Ordnung. Künstlerisches Schaffen bedeutet seit der Moderne Zerstören von gesellschaftlich relevanten Regeln und zugleich unaufhörliches Suchen nach neuen Ordnungen und Harmonien. So lautet zumindest die These der spannenden Sommerausstellung in der Kunst. Halle.Krems mit dem Titel „Chaos, Wahnsinn - Permutationen zeitgenössischer Kunst".Als

2003

Aufgeladen mit Sonne

Er wollte "heilige Männer und Frauen" malen, die das "Gesicht unserer Jahrhunderte tragen, Bürger von heute, die trotzdem Beziehungen mit den ersten Christen" haben. Mit dieser Verschränkung erobert er für religiös motivierte Betrachter ein bis heute gültiges Terrain.Für die äußerst einflussreiche Malerei der Romantik im 19. Jahrhundert war eine der zentralen Fragestellungen jene nach der Beziehung zwischen der Welt und dem Geist. Ständig war man auf der Suche nach jenen Bildern, die jenseits der bewussten Steuerung unsere Existenz mitbestimmen. Die eine Richtung unter den

Du sollst dir ein Bild machen

Die Rolle der Bilder in der Wissenschaft oder: Warum physikalische Theorien nicht aus logischen Schlüssen entstehen.Immer schon haben Bilder und Illustrationen eine Rolle in der Wissenschaft gespielt. Wer will, könnte sogar einen Grundzug der technischen Entwicklung in unserer Kultur dadurch charakterisieren, dass er auf die zunehmenden Bemühungen verweist, das zu kleine oder zu weit entfernte Unsichtbare sichtbar zu machen. Etwas primär Verborgenes sichtbar machen heißt, das dem Augensinn Vorenthaltene doch zugänglich und anschaubar - und damit anschaulich - werden zu lassen. Diese

Metropole der Kunst

Malerei, Plastik, Grafik, Fotografie.Die Entwicklungsphase der bildenden Kunst nach dem Ende des II. Weltkriegs war nicht nur eine der spannendsten, sondern auch eine der fruchtbarsten und wesentlichsten innerhalb der Geschichte der Moderne. Paris als führende Metropole der Künste hatte gegenüber früheren Jahrzehnten nur wenig von seiner geistigen Sprengkraft, dem intellektuellen Flair und seiner bohemienhaften Atmosphäre eingebüßt und aus den Widrigkeiten des Widerstands gegen die deutschen Besatzer an geistiger Schärfe, Risikobereitschaft und Internationalität sogar noch

2004

Zeit im Bild

Obwohl die bildende Kunst vordergründig immer nur einen Augenblick wiedergeben kann, haben zahlreiche Künstler die Zeit und deren Ablauf zu ihrem zentralen Thema gemacht.Als Gotthold Ephraim Lessing im Jahr 1766 seinen Aufsatz "Laokoon oder über die Grenzen der Malerei und Poesie" veröffentlichte, schrieb er der bildenden Kunst jegliche Nähe zur Zeitlichkeit ab. Der Autor räumt der Dichtkunst Vorrangstellung ein, da diese in einem zeitlichen Nacheinander Handlungen und Zeitabläufe wiedergeben könne; die Malerei stelle hingegen nur einen Augenblick dar. Lessings bis heute berühmte

2008

Informel innovativ

Hans Staudacher, eine "Institution" der österreichischen Maler-Szene, wird 85. In Klagenfurt ist eine große Retrospektive zu sehen.Die Retrospektive, die bis 20. Jänner 2008 im Museum moderner Kunst Klagenfurt (MMKK) zu sehen ist, erfüllt nicht nur den Anspruch eines charakteristischen, repräsentativen Überblicks über ein sehr großes, weit verzweigtes Lebenswerk, sondern fungiert auch als angemessene Hommage zum 85. Geburtstag des beliebten Künstlers am 14. Jänner.Ergänzt wird die Ausstellung durch ein informatives Katalogbuch, herausgegeben von Andrea Madesta, der Direktorin der

Kunst aus Kugel und Kegel

Das MUMOK fokussiert mit seiner Ausstellung über Mathematik in der Kunst die analytische Seite des kreativen Prozesses.Hierzulande zeigt sich die Kunst, die auch international als genuin österreichische Erfindung anerkannt wird, gerne in barock üppiger und expressiv wilder Manier. Als Inbegriff der künstlerischen Tätigkeit gilt der mit Pinsel, Zeichenstift oder mit Hammer und Meißel ausgeführte kreative Urschrei. Das Konzept der Romantik vom Künstlergenie paarte sich mit dem gesellschaftlichen Auftrag, die brave Spießbürgerschaft zu unterlaufen. Jenem Teil, der sich einer analytisch

Bilder-Roman

Grafik-Zyklus von Max Ernst: Die Albertina zeigt ein Schlüsselwerk des Surrealismus.Der biblische Schöpfungsbericht läuft in der Zeitspanne von einer Woche ab. Generationen von Künstlern sahen sich in der Rolle als irdische Nachfolger dieses ersten großen Schöpfungsvorganges. Nicht zuletzt mit dieser Vorstellung wollte der Surrealismus aufräumen, wie einer seiner wichtigsten Vertreter, Max Ernst, formuliert. "Es gehört zu den ersten revolutionären Akten des Surrealismus, diesen Mythus mit schlichen Mitteln und in schärfster Form attackiert und wohl auf immer vernichtet zu haben,

2009

Bilder aus dem Abgrund

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begegnet uns vermehrt das Unheimliche in der Kunst. Reales und Surreales treffen auf einander, Idyllen erweisen sich als bloß scheinbare.Dunkelheit und Stille. Ein Schiff gleitet im tiefgrünen Meer sanft einer einsamen Insel entgegen. Inmitten der schroffen Felswände finden sich riesige, schwarze Zypressen. Bei genauerem Hinsehen erkennt man in den Felswänden von Menschenhand geschaffene Grabkammern. Auf diese steuert ein weißer Sarg zu, der sich in dem kleinen Kahn neben einer vermummten weißen Gestalt und einem Ruderer befindet. „Das Bild muss so still

2013

Auf den Funken Poesie kommt es an

Die Wiener Albertina widmet Max Ernst, dem frühen Protagonisten des Dadaismus und Pionier des Surrealismus, eine umfassende Retrospektive. Zu bestaunen ist dabei nicht zuletzt sein Erfindungsreichtum hinsichtlich der Entwicklung neuer Techniken.Nicht nur die Frage nach der Wahrheit bleibt oft unbeantwortet, auch wenn es um die Schönheit geht, verlieren sich die Worte leicht in überschwänglicher Bemühtheit. Ganz anders verhält es sich bei der nur mit einem Schmunzeln als klassisch zu bezeichnenden Formulierung aus Lautréamonts "Gesängen des Maldoror“: "Schön wie das zufällige

von

Ulrike Laubert-Konietzny

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Ulrike Laubert-Konietzny