Alles, was klingt, anhören

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Susanne Kogler

Ingo Metzmachers lesenswerte und informative Einführung in die Musik des 20. Jahrhunderts.

Ingo Metzmacher, weltweit gefragter Dirigent und Spezialist für neue Musik, stellte eine Hamburger Konzertreihe unter das Motto "Who is afraid of 20th Century Music?". Sein jüngst erschienenes Buch über die Musik des 20. Jahrhunderts bildet nun quasi das verbale Pendant dazu. Es will "Türen aufstoßen" und "Schlüssel verteilen". All jenen, die der Meinung sind, über Musik lasse sich mit Worten nur wenig ausrichten, hat Metzmacher das Gegenteil bewiesen. Das Schöne an dem Buch: dass man es, einmal begonnen, nicht aus der Hand legen möchte, auch wenn die Gliederung auszugsweise Lektüre ermöglicht; und dass man es aus der Hand legen möchte, um nachzuerleben, wovon gerade die Rede ist. Gut, dass viele der besprochenen Werke von Metzmacher auch auf cd-eingespielt wurden, wie etwa die acht Symphonien Karl Amadeus Hartmanns.

Zu seinem Gegenstand eröffnet der Autor einen sehr persönlichen Zugang. Hautnah erlebt man große Momente der jüngsten Musikgeschichte, wie etwa die Berliner Erstaufführung von Nonos "Prometeo". Sehr persönlich auch der Standpunkt. Immer wieder plädiert Metzmacher für zu wenig Beachtetes, Missverstandenes, Unterschätztes wie das Oeuvre von Varèse, Hartmann oder Stockhausen. "Modern zu sein heißt, natürlich zu sein, den Geist seiner eigenen Zeit zu interpretieren." Diese Haltung entsprach dem Entwicklungsdrang des jungen Pianisten, der die Beschäftigung mit neuer Musik als persönliche Befreiung, als Weg zu größerer Wahrhaftigkeit erlebte: "Ich war der künstlichen Welt der Interpretation entronnen".

Kapitel zu einzelnen Komponisten wechseln mit allgemeinen Überlegungen zu Stille, Farbe oder Zeit. Ohne chronologisch vorzugehen, führt der Autor von Mahler, Debussy, Schönberg, Strawinksy über Messiaen, Busoni, Ives bis zu Henze und Nono. Besonders fasziniert der Reichtum an gelungenen Musikbeschreibungen.

Im Vergleich zu Bernsteins Harvard-Vorlesungen, die problemorientierter, analytischer ans Werk gehen, wirkt Metzmachers Buch lockerer, leichter lesbar. Scheinbar mühelos gelingt es, sich auf Wesentliches zu konzentrieren: Vielstimmigkeit bei Mahler, Chromatik bei Ligeti, Metrum bei Debussy. Selbst komplexe Sachverhalte werden einfach dargestellt. Ansteckend die Begeisterung, die Entdeckungsfreude. Man erfährt von der "kostbarsten Musik" Debussys, oder "der lautesten Stelle, die ich kenne", bei Ives und dass derjenige, "der das Glück hat, einer Aufführung von Nonos Prometeo beizuwohnen, es niemals vergessen wird". Oder wie spannend es ist, im Sinne von Cage "alles, was klingt anzuhören", auch Alltagsgegenständen experimentierend Klänge zu entlocken.

Schlüssig auch die Auswahl an Quellentexten, wie etwa Busonis "Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst". Einziges Manko: das Fehlen genauer Angaben, sodass die Zitate nicht ohne längere Recherche im Kontext nachzulesen sind.

Gelungen dagegen das Glossar, das wichtige Fachtermini kurz erklärt. Informativ und anregend, zählt das Buch zweifellos zum besten derzeit am Musikbuchmarkt Gebotenen.

Keine Angst vor neuen Tönen

Eine Reise in die Welt der Musik

Von Ingo Metzmacher

Rowohlt Verlag, Berlin 2005

190 Seiten, geb., e 17,40

Ein Thema. Viele Standpunkte. Im FURCHE-Navigator weiterlesen.

1946

Die Situation der neuen Musik

Um die Jahrhundertwende kam, ähnlich wie bei ihren Schwenerkünsten Malerei, Tanz und Dichtung, Bewegung in das ver hältnismäßig stabile Gebäude der Musik. Nicht, als ob dies zum erstenmal oder plötzlich geschehen wäre: immer schon hat es Neuerungen und ' Revolutionen gegeben, in jeder Epoche wurden neue Räume entdeckt und erschlossen. Diesmal aber wurden die Fundamente erschüttert und verändert. Wir sagen dies nicht, nachdem wir neue Partituren studiert oder in musiktheoretischen Werken nachgelesen haben, was denn eigent lieh geschehen sei, sondern wir gehen von dem Eindruck und dem

Neue russische Kammermusik

Eine „russische Schule“ gibt es — wenn wir vom Altmeister der historischen Oper, Glinka, absehen ;— seit Tschaikcwki und Rubinstein. Beiden schwebte als Ideal eine Verschmelzung der Ausdruckswerte der. russischen Volksmusik mit der westeuropäischen Tonsprache vor. Sie waren auch die.ersten, die der russischen Musik Weltgeltung verschafft haben. Unter . ihren.. NadiJolgern zeigte sich aber bald ein. Gegensatz zwischen nationalen und internationalen Strömungen, der in den beiden sich in der Folgezeit bildenden Schulen, der Moskauer und der Leningrader, im Sinne, eines Obergewichts des

Das musikalische Antlitz der Salzburger Festspiele 1946

Wir haben in der kritischen Betrachtung über die Schauspiel- und Opernaufführungen der diesjährigen Salzburger Festspiele bereits darauf hingewiesen, daß es wohl meisterhafte Darbietungen gab, daß das Niveau trotz der außerordentlichen Schwierigkeiten, die sich im Kleinsten wie im Großen immer wieder entgegenstellten, erstaunlich hoch war und daß, trotzdem verschiedene zeitbedingte Schwächen aufschienen, der Gesamteindruck befriedigen konnte. Das gleiche läßt sich allgemein auch von den musikalischen Veranstaltungen sagen. Vieles trug festlichen Charakter, vieles ließ saubere,

Moderne Kammermusik

Mit einem Kammer.musikabend der Internationalen Gesellschaft für neue Musik eröffnete das ungarische Vegh-Quartett die Reihe zeitgenössischer Aufführungen dieser Spielzeit. Sowohl nach dem Gehalt und Wert der dargebotenen Werke als auch was die Aufführung betrifft, war es ein glücklicher und verheißungsvoller Beginn. Das Streichquartett des dem Schönberg-Kreis nahestehenden Hanns Jelinek hat Substanz und zeugt von gediegenem kompositorischem Können. Es ist kein leichtes Werk, und wer die geistige Leidenschaft, die aus seiner herben Harmonik spricht, nicht nachzuempfinden vermag und

Spiel der Linien und der Farben

Schon nach dem ersten Weltkrieg war in der Musik die Tendenz spürbar, sich von der Gefühls- und Empfindungsweise des romantischen und nachromantischen Zeitalters zu lösen. Hand in Hand damit ging die Einschränkung der Aufführungsmittel: vom Riesenorchester eines Strauß und Mahler zur kammermusikalischen Besetzung, von der großen Ausstattungsoper zur „Kammeroper“, vom vielgliedrigen Apparat des Oratoriums zum „Kammeroratorium“. Gleichzeitig erfolgte ein Rückgriff auf vorklassische, zum Teil sogar vorbachische Formen und die Rückkehr zur linearen Schreibweise, die gegen die

Erneuerung der klassischen Formen

In dem Zyklus „Ausländische Meisterdirigenten“ interpretierte der englische Dirigent italienischer Abstammung John Barbirolli mit den Philharmonikern die „En i g rh a“ - Va r i a t i o n e n von Edward Elgar. 1857 geboren und 1934 gestorben, steht Elgar zwischen zwei musikalischen Epochen. Die vor allem während der Klassik und Romantik beliebte Form der Variation bereichert Elgar um ein sehr gepflegtes Stück, das allerdings, mehr durch die Qualität seiner Dar-stellungsmittcl als durch Ursprünglichkeit und Genialität der Eingebung fesselt. Neu an dem unter Hans Richter 1899. in

1947

Verheibung und Erfullung

Was wir gemeinhin „neue Musik“ nennen, ist nicht von heute und nidit von gestern. Sie beginnt für die meisten Hörer etwa mit Reger und Debussy, für die junge Generation mit jenen Werken, die nach dem ersten Weltkrieg entstanden So umfaßt die neue Musik eine Fülle von Namen und Kompositionen, die im Rahmen eines vierzehntägigen Musikfestes auch nicht annähernd vollständig vorgestellt werden können. Auch ein charakteristischer Querschnitt ist — wegen des fehlenden Notenmaterials und im Hinblick auf die Aufführungsschwierigkeiten — kaum möglich. Es waren Proben aus dem

Romantik zwischen zwei Kriegen: Ferdinand Andergassen

Die in den weniger als zwei Jahrzehnten zwischen Bruckners Tod und dem Ausbruch des ersten Weltkrieges heranwachsenden Komponisten wurden Stiefkinder des Schicksals; sie hatten ein in seiner Vielfalt außerordentlich diffiziles musikalisches Weltbild erstudiert und fanden nach dem Kriege die Welt so verändert, daß sie mit dem Erworbenen nicht ausreichten. Vom Tristan-Erlebnis herkommend, hatten sie das Werk Bruckners und Brahms' in sich aufgenommen, waren von den großen Lebenden Gustav Mahler, Richard Strauß und Max Reger bereichert und von den Ausländern Debussy und Puccini stärker, als

Heimat und Welt

Der Genius des Landes zwischen Süden und Norden, Osten und Westen offenbart sich auf das Sublimste in der Musik Mozarts; die Melodie der Landschaft durch-klingt von der ersten bis zur letzten Note das Werk Schuberts; in Bruckners Symphonien erblicken wir die Monumentalisierung des österreichischen Barocks. In diesen drei Meistern prägt sich vor allen andern die ganze-Vielfalt und Eigenart der österreidii-schen Musik am entschiedensten aus. So empfinden wir selbst es, und so sieht uns die Welt. Das Werk dieser Meister zu pflegen wird immer eine der Hauptanliegen unserer Musiker und

Musik der Nationen

Um uns ein Bild von der Kultur und dem Kunstschaffen jenseits unserer Grenzen machen zu können, waren wir bisher fast ausschließlich auf Theaterstücke, Filme und Musikwerke angewiesen. In der Musik, der immateriellsten und zugleich wesenhaftesten Kunst, spiegelt sich — jenseits der Tagesereignisse und Oberflächenströmungen — vielleicht am deutlichsten die Eigenart und der gegenwärtige Zustand der Kultur unserer engeren und weiteren Umgebung. Freilich vermochten uns die zahlreichen Konzerte mit Werken zeitgenössischer europäischer oder amerikanischer Tondichter, von wenigen

1948

Das II. Internationale Musikfest in Wien

Wieder steht das Konzerthaus im freundlichen Schmuck der Fahnen von zehn verschiedenen Nationen, die am II. Internationalen Musikfest teilnehmen. In zwanzig Orchester-, Chor- und Kammerkonzerten werden im Verlauf zweier kurzer Wochen die Werke von etwa vierzig zeitgenössischen Komponisten aufgeführt, von denen genau die Hälfte Österreicher sind. Dies ist’ der hervorstechendste und erfreulichste Unterschied zum vorjährigen Musikfest. Während es damals vor allem darauf ankam, nach fast zehnjähriger Pause die Stimmen der Welt wieder bei uns erklingen zu lassen, werden heuer neben

1949

Das III. Internationale Musikfest

Im Unterschied zu den letzten beiden Jahren standen auf den meisten Programmen des heurigen Musikfestes zeitgenössische und ältere, klassische Werke nebeneinander. Das gab oft harte Kontraste, bot aber auch interessante Vergleichsmöglichkeiten und trug dazu bei, die Basis dieser Veranstaltungen zu verbreitern, ein zahlreicheres Publikum anzulocken. Es ist vor allem der strenge Ausleseprozeß, der gegenwärtig das Gesicht des Musiklebens bestimmt, andererseits der Versuch zahlreicher moderner Komponisten zur Synthese, welche dazu beitragen, das Publikum von der Angst vor der neuen Musik zu

1950

Ersatz für Neues

Unter diesen Titel hätte man auch den Bericht der vergangenen Woche über die Premieren der Staatsoper stellen können, die in der vergangenen Saison „Martha“ statt „Mathis“ und in der gegenwärtigen die „Kathrin“ statt der „Klugen“ auf den Spielplan gesetzt hat. In den Konzertsälen, wo man dem Neuen nicht mehr in so weitem Bogen ausweisen kann, werden kunstvolle Haken geschlagen, indem man ab und zu zeitgenössische Werke spielt, die freilich eher au der Nachhut als von Vertretern der Avantgarde zu tammen scheinen. Diese Förderung des Mittelmaßes und desEpigonentums dient

Musik und Musiker der Gegenwart

Das erste Werk dieser Reihe ist eine Neuauflage der kurz vor dem Krieg erschienenen Studie über Beethoven und Wagner im Pariser Musikleben. Der Verfasser öffnet einige damals erzwungene Striche und bekennt sich heute wie ehedem zum europäischen Gedanken, dessen Verwirklichung in erster Linie durch die kulturellen Beziehungen und Wechselwirkungen zwischen Deutschland und Frankreich gefördert werden kann. In dem dargestellten Zeitraum war der empfangende Teil Frankreich, wo durch die Musik Beethovens und Wagners eine machtvolle romantische Welle ausgelöst wurde. Sie sprengte die Dämme der

1951

Verspätete Erstaufführungen

Als Erstaufführung im Rahmen der Philharmonischen Konzerte hörten wir — nach der „Jupiter-Symphonie“ und vor dem „Heldenleben“ von Richard Strauß — unter der Leitung von Clemens Krauß die „Six epigraphes antiques“ von Claude Debussy. Ernest Ansermet hat die 1914 entstandenen Klavierstücke jener Klangvorstellung entsprechend instrumentiert, die 6eine Debussy-Interpretation, etwa die von „La mer“, bestimmt: hauchzart und mit bestimmtester Kontur, wie japanische Meisterblätter. In der Thematik, im Stil und in der Stimmung haben diese 6echs kurzen „antiken“ Stücke

„Psalmensymphonie“ und Gedächtniskonzert

Die Programme der beiden letzten Konzerte der Gesellschaft der Musikfreunde sind ohne Vorbehalt zu loben. Paul Klecki, seit zwei Jahren vom Wiener Musikpublikum hochgeschätzt, gab ein Beispiel weiser Beschränkung, indem er nur zwei Werke: Schuberts „Unvollendete“ und Mahlers „Lied von der Erde“ aufs Programm des dritten Konzerts im Zyklus „Die große Symphonie“ 6etzte. In Schuberts Meisterwerk wurden die klassischen, monumentalen und dramatischen Züge hervorgehoben, zuweilen auf Kosten des Atmosphärischen; aber wir haben selten einen so schönen Anfang dieses Werkes gehört.

1952

Musiker der Gegenwart

Atlantis-Musikbttdierei. Arnold Schönberg. Von H. H. Stuckenschmidt. 126 Seiten. — Bėla Bartök. Von Serge Moreux. 165 Selten. — Benjamin Britten. Von Eric Walter White. 135 Seiten. Sämtliche: Lizenzausgaben für Österreich durch Humboldt-Verlag, Wien, in Vereinbarung mit dem Atlantis-Verlag, Zürich. — Hommage ä Dinu Llpatti. Labor 4 Fides, Gėnėve. 93 Seiten

Weltkarte der neuen Musik

Die turbulenten Salzburger Tage der neuen Musik, Versuch einer Wiederbelebung der Atmosphäre der Gründungstage von 1922, sind vorüber, die Kritik des In- und Auslandes hat dazu mehr oder weniger positiv Stellung genommen, und auch ich selbst als Präsident der österreichischen Sektion, der der Auftrag zur Durchführung dieses Jubiläumsfestes zuteil ward, darf das jetzt tun, ohne in den Fehler verfallen zu wollen, zutage getretene Schwächen zu beschönigen und überhaupt den Anblick der Löwin zu bieten, die ihr Junges verteidigt. Denn die österreichische Sektion ist nur zum Teil — nur

Eine Chronik der musikalischen Avantgarde

Neue Musik. Von H. H. Stuckenschmidt. (Zweiter Band der Reihe „Zwischen den Kriegen".) Suhrkamp-Verlag, Frankfurt a. M. 479 Seiten

1953

Triumph der „Trionfi“

„Es gibt große Dinge in dieser neuen Partitur“, schrieb unmittelbar nach der Uraufführung des „Martyre de Saint-Sebastien“ im Theätre du Chätelet im Mai 1911 ein Pariser Musikkritiker. „Es gibt vor allem einen ganz neuen, einzigartig starken Debussy, der fest entschlossen ist, nicht mehr seine Nachahmer nachzuahmen. Werden sie es ihm verzeihen?“ Nicht alle haben ihm dies Werk verziehen. Man bezeichnete es als ein fremdes Kleid, das der Komponist für eine besondere Gelegenheit angelegt habe, als eine Parenthese im Gesamtwerk. In derTat: Diese Musik ist größer, mächtiger und

1954

Konzerte mit neuer Musik

Das deutschen Komponisten gewidmete Austauschkonzert der Oesterreichlichen Gesellschaft für zeitgenössische Mu- s i k brachte, von zwei Duetten aus dem „Plöner Musiktag" von Hindemith abgesehen, wenig Repräsentatives und auch wenig Profiliertes der deutschen Musik von heute. Heinz Friedrich H a r t i g s Sonate für Klarinette und Klavier blieb trotz aller harten Motorik (vielleicht sogar ihretwegen) ohne persönliches Gesicht und erschien uns ohne innere Nötigung. Besser, wenn auch keineswegs weicher oder entgegenkommender hörte sich Max Baumanns Sonate für Klavier an, die zwar auch

Eine neue Weltsprache der Musik?

Rom, im April 1954.Als sich zum erstenmal im großen Konzertsaal der Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dem ältesten Musikinstitut Italiens, dessen erster Vorstand Palestrina gewesen ist, die Teilnehmer des Kongresses „Die Musik im 20. Jahrhundert" versammelten, um die Jury zu wählen bzw. zu approbieren, die aus den zwölf anonym eingereichten Kompositionen die zu prämiierenden auszuwählen hatte, schien eine Sprachverwirrung unvermeidlich, eine gegenseitige Verständigung auf alle Fälle schwierig. Fünfundzwanzig Nationen waren nämlich vertreten, deren Delegierte sich zunächst

Musikfest: Neue Chor- und Orchesterwerke

Im Chorgesang begegnet die neue Musik Schwierigkeiten technischer und klanglicher Natur, die, im Instrumentalen spielend überwindbar, hier bis an die Grundlagen rühren. Wir meinen zuvörderst das Intonationsproblem. Es geht beispielsweise an (und nicht selten über) die Grenzen des Kontrollierbaren, dissonante Hochspannungen wie Septen- und Nonenfortschreitungen oder Sekundenpar- allelen fortgesetzt einwandfrei sauber zu vokali- sieren. Der Sington kann nicht wie der des Instruments durch Griffe oder Klappen gesichert, gleichsam gesperrt werden, und die im Streben nach Lösung gespannte

Wege der Oper

Operngäriger sind, was man in der Tierkunde Omnivoren nennt. Sie verzehren jede Art und jede Zusammenstellung künstlerischer Kost: Antike, Barock, Romantik, Naturalismus und Moderne; Gesang, Rezitativ, Sprache mit und ohne Begleitung; Kammermusik und Hundert-Mann-Orchester und zirpendes Cembalo; Clownerie und Heroik; Pantomime, Volkstanz und Spitzenballett; Illusionstheater, Stilbühne und Dekorationslosigkeit; Prima- donnen-Hegemonie und Ensemblekunst; die besten Orchester und die schlechtesten Orchester; die größten Dirigenten und ahnungslose Taktschläger; gute Sänger, mittelmäßige

Neue Wege des musikalischen Theaters

Berlin, Anfang OktoberDer stürmische Flug München—Berlin, zweieinhalbtausend Meter über der Erde und einige hundert Meter über ausgedehnten Wolkenfeldern, war eine gute Vorbereitung für das Klima, das der Ankömmling am Ziel seiner Reise vorfindet und an das er sich zunächst gewöhnen muß. Denn schon wieder — oder immer noch — weht hier jene strenge geistige Luft, in der das Mittelmäßige erfriert und Kühnes, Neues gedeiht. Die besonderen sozialen, wirtschaftlichen und politischen Verhältnisse Berlins sind so oft beschrieben und analysiert worden, daß wir unsere Aufmerksamkeit

Neue Werke von Trapp, Haba und Berger

Die Wiener Philharmoniker stellten an den Anfang ihres ersten, von Hans Knap- pertsbusch geleiteten Konzerts das „Konzert für Or ches ter Nr. 3" op. 50, von Max T r a p p, Jahrgang 1887 und Professor am Städtischen Konservatorium in Berlin. Das dreiteilige Werk bedient sich traditioneller Formen (1. Satz: freie Sonatenform, 2. Lentosatz mit lyrischem Thema und Trauermarsch, 3. Rondofinale). Das gediegene, die Linie Reger—Strauss kaum überschreitende, bläsergewaltige Stück erlebte vor kurzem in München seine Uraufführung unter dem gleichen Dirigenten und wurde auch vom

Neue Musik - leicht gemacht

Der von aufgeschlossenen Menschen oft geäußerte gute Wille, ja der Vorsatz, auch moderne Musik verstehen oder sich zumindest an sie gewöhnen zu wollen, scheitert häufig daran, daß man die betreffenden Werke nur einmal oder nach langer Pause hören kann. Aber der erste Eindruck genügt nicht und ist oft unbefriedigend, erst beim zweiten, dritten und öfteren Hören beginnen sich gerade die wertvollsten Werke zu erschließen. Davon weiß auch der Rezensent ein Lied zu singen Da kommt uns heutzutage die Schallplatte zu Hilfe, die man beliebig oft abspielen kann und die in ihrer neuesten,

„Die Nachtigall“ im Musikverein

Es handelt sich hier um die chinesische Nachtigall aus dem Andersen-Märchen, die Strawinsky zur „Heldin“ seines ersten Opernwerkes, eines lyrischen Märchens, machte. Im ersten, 1909 geschriebenen Akt, singt sie noch ä la Debussy und fast so schön wie Melisande, dann aber werden ihre Koloraturen schwieriger, kapriziöser und einigermaßen unberechenbar — so wie die Rhythmen und melodischen Floskeln von „Petruschka“ und „Sacre du printemps", die Strawinsky inzwischen (1911 bis 1913) schrieb, bevor er den zweiten und dritten Akt seiner Märchenoper vollendete. Pentatonik,

1955

Von Musik und Musikern

Musik. Geschichte ihrer Deutung. Von Dr. Hermann Pfrogner. Verlag Karl Alber, Freiburg. XIV und 420 Seiten. Preis 26 DM.Das in der Reihe „Orbis Academicus, Problemgeschichte der Wissenschaft in Dokumenten und Darstellungen“ erschienene Werk beinhaltet eine Auslese der wesentlichen Aussagen über die Musik von den Anfängen (China) bis in die jüngste Vergangenheit (Arnold Schering), verbunden durch knappe, inhaltsreiche Einleitungen und kurze Zwischentexte. Da in der Frage nach dem innersten Wesen der Musik immer auch die nach dem Wesen des Menschen mitschwingt, spiegelt sich in diesen

Musica nova aus osterreich

Das letzte öffentliche Rundfunkkonzert machte der Reihe „Musica nova“ alle Ehre. Unter der Leitung von Michael Gielen spielten die Wiener Symphoniker Kompositionen von Arnold Schönberg und Hanns j e 1 i n e k, deren enormer Schwierigkeit leider das angekündigte dritte Werk von Luigi Nono zum Opfer fiel. Das streng auf einer „Reihe“ basierende. .1936 in Amerika komponierte dreisätzige Violinkonzert bezeichnet der Schönberg-Biograph H. H. Stuckenschmidt als ein trotz seiner musikalischen Rücksichtslosigkeit dankbares Stück von starkem, nahezu dämonischem Effekt. , Von

Musik und Musiker unserer Zeit

Musiker Uber Musik. Aus Briefen, Tagebüchern und Aufzeichnungen. Ausgewählt und kommentiert von Josef Rufer. Im Stichnote-Verlag, Darmstadt. 320 Seiten. Preis 87 S.Der Umschlag dieser Sammlung stammt von Raoul Dufy. So modern wie das Gewand ist auch der Inhalt. Die zeitgenössischen Komponisten sind nicht, wie meist in solchen Sammelwerken, als lästiges Anhängsel im Schlußteil zusammengepfercht, sondern nehmen den breitesten Raum ein. Für die — oftmals gesammelten und edierten — Zeugnisse der Klassiker und Romantiker von Haydn bis Brahms begnügt sich der Herausgeber mit 66 Seiten.

1956

Der Komponist Frank Martin

Vor etwa fünf Jahren zitierte Frank Martin in einem Essay über die „Erfahrung des Schöpferischen“* ein Wort Paul Valerys: „Was nur für einen allein Wert hat, ist nichts wert.“ Damals schon war eine ganze Reihe Martinscher Werke, etwa das weltbekannte Oratorium „Der Zaubertrank“, seine Vertonung der „Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke“, die „Petite Symphonie Concertante“ oder die geistlichen Oratorien „In Terra Pax“ und „Golgotha“ für viele Menschen von Wert. Diese Erfolge in den Konzertsälen vieler Länder sind um so erfreulicher, da Martin

Von Musik und Musikern

Diesem Standardwerk gebührt der Adelstitel „der Georgii“, so wie man sagt: „der Duden“ oder „der Riemann“. Erfreulich, daß sich auch der äußere Erfolg eingestellt hat: das 1941 (man bedenke den Zeitpunkt!) erstmals erschienene Werk kann bereits in 3. Auflage herausgegeben werden. Der Autor nennt sein Werk im Untertitel: Geschichte der Musik zu zwei und vier Händen von den Anfängen bis zur Gegenwart. In einem „Anhang“ behandelt er die Musik für eine Hand, drei, fünf und sechs Hände (das gibt es!). Geboten wird nicht nur ein chronologischer und kommentierter Katalog,

Von Musik und Musikern

Wesen und Einheit der Musik. Von Ferruccio B u s o n i. Max-Hesses-Verlag, Berlin-Halensee und Wunsiedel. 288 Seiten.Diese Neuausgabe der Schriften und Aufzeichnungen Busonis durch Joachim Herrmann gehört für alle, die sich nicht nur für Mozart und Beethoven, sondern für das Gesamtphänomen „Musik“ interessieren, zu den wichtigsten und anregendsten Neuerscheinungen. Der Deutschitaliener Busoni (1866 bis 1924), dessen „typisch deutsche“ Spekulationen durch- den romanischen KtmstaWtat*nos toi ,*#kühnsten Bahnen gelenkt wurden,“besitzt die Fähigkeit, die Gesamterscheihung

1957

Aus der Hexenküche der Musik

Hexenküche der Musik. Von Kurt Blaukopf. Verlag Arthur Niggli. Teuffen-St. Gallen- Wien. 176 Seiten. Preis 75 S.Gibt es eine musikalische Weltsprache? (Ist unser Tonsystem das einzig mögliche?) Wie laut war Mozarts Welt? Wie beeinflußt der Raum die Musik? (Klingt, zum Beispiel, im Großen Musikvereinssaal Brahms oder Strawinsky besser?) Was ist Schlagwort, was Wirklichkeit bei „High Fidelity“? Welcher Unter- chied besteht zwischen konkreter und elektronischer Musik? — Es geht dem Autor, wie man sieht, nicht um Stile und Richtungen, nicht um Fragen der Form oder der Komposition,

1958

Von „Akustik“ bis „Zwölftonmusik“

Das Fischer-Lexikon: Musik. Herausgegeben von Dr. Rudolf S t e p h a n. Fischer-Bücherei. 383 Seiten. Preis 22.45 S.Dieses Bändchen, das, in normalem Druck und mit entsprechendem Illustrationsmaterial versehen, ein stattliches Buch abgeben würde, enthält eine durchaus kompetente und brauchbare Entwicklungsgeschichte der abendländischen Musik nach Stichworten. Da es in erster Linie um das musikalische Material geht, liegt der Schwerpunkt auf der Geschichte und Beschreibung der Gattungen und der Begriffe, während auf das Biographische verzichtet wurde. Die Namen der Komponisten, auch der

1959

ALEXANDER SPITZMÜLLER

jjCoNCERT DANS L’ĖSPRIT LATIN” heißt eines der Werke Alexander Spitzmüllers; und „in lateinisch-romanischem Geist” könnte als Motto über einem Großteil des Schaffens von Spitzmüller stehen, einem kompositorischen Opus, einer Werkreihe, die im Jahre 1922 beginnt und heute, da Spitzmüller seinen 65. Geburtstag begeht, rund 50 Nummern umfaßt.Alexander Spitzmüller wurde 1894 als Sohn des ehemaligen österreichischen Finanzministers Spitzmüller-Harmersbach in Wien geboren. Er entstammt einem Hause, in dem nicht nur, wie so häufig in Wien, viel musiziert wurde, sondern seine

Monolog und Plakat in der Musik

Knapp vor dem Ende der Musikspielzeit gab es noch einige interessante Konzerte mit neuerer Musik, die nicht nur der Musikkritiker, sondern auch der Chronist mit Befriedigung vermerkt. Im Großen Musikvereinssaal leitete Heinrich H o 11 r e i s e r ein außerordentliches Konzert der Wiener Sympho- n i k e r, auf dessen Programm Werke von Schönberg, Berg und Honegger standen. Der „Tanz um das goldene Kalb" ist die dritte und markanteste Szene des 2. Aktes aus der von Arnold Schönberg bereits 1925 begonnenen, unvollendet hinterlassenen Oper „Moses und Aron“, die durch die konzertante

Das Neueste kam aus Deutschland

Mit seinem großen Orchester, einem Frauen- und einem gemischten Chor, seinen Solisten und Hauskomponisten gastierte der Westdeutsche Rundfunk, Köln, beim Internationalen Musikfest der Wiener Konzerthausgesellschaft. Die deutschen Gäste brachten das Neueste vom Neuen mit, und sie interpretierten diese überaus schwierigen Werke musterhaft. Karlheinz Stockhausens „Gruppen für Orchester“, 1955 begonnen, 1957 beendet und im vorigen Jahr in Donaueschingen uraufgeführt, sind — nach dem für fünf Lautsprechergruppen komponierten (elektronischen) Oratorium „Gesang der Jünglinge im

Der Komponist Hans Erich Apostel

Im Gesamtbild der österreichischen Musik der Gegenwart spielt der Name Hans Erich Apostel eine wichtige, nicht zu unterschätzende Rolle, als der eines Musikers, der im Rahmen seiner Abkunft von der „Wiener Schule“ Schönbergs, trotz seinem immer wieder betonten Streben nach neuem Ausdruck, nach Unkonventionalität, nach technischem Raffinement den Zusammenhang mit den Gesetzen einer musischen Tradition nicht verloren hat. Apostels zahlenmäßig nicht allzu reichhaltiges, aber dafür geistig um so gehaltvolleres Schaffen repräsentiert heute nicht mehr die Avantgarde — die derzeit

Acht Fragen an die Avantgarde

Heber das Thema „Wo hält die neue Musik“, veranstaltete die Internationale Gesellschaft für Neue Musik gemeinsam mit der Musikalischen Jugend Oesterreichs im Rahmen des Musikseminars des Europäischen Forums, Wien, ein Rundgespräch der Komponisten Boulez (Paris), Nono (Venedig) und Stockhausen (Köln) mit den Wiener Musikkritikern Fiechtner, Winter und Willnauer. Die acht als Diskussionsgrundlage dienenden Fragen wurden von Dr. Franz Willnauer formuliert.

Schöpfer der neuen Musik

PORTRAITS UND STUDIEN. Von H. H. Stuckenschmidt. Suhrkamp-Verlag. 300 Seiten. Preis 16.80 DM

1960

Die Prager und die Warschauer Philharmonie

Gustav M a h I e r formte das Profil dieser Konzertwoche mit zwei seiner Riesensymphonien, Josef Krips interpretierte mit den Symphonikern und dem Singverein' (Solisten Theresa Stich-Randall und Ursula Boese) die Zweite, deren Name („Auferstehungssymphonie“) ihren geistigen Inhalt ausspricht: Ich werde sterben, um zu leben. Die Wiedergabe atmete die Liebe und Hingabe eines großen Dirigenten an den großen Komponisten, der vor 100 Jahren geboren und 1911 gestorben ist, seither einige Male vergessen und auferstanden, angefeindet und geliebt wurde. Heute streift sein Werk alles Zeitgebundene

Festwochenausklang mit Mahler und Bruckner

„Das Lid von der Erde“ war auch im Festwochenprogramm trotz der Aufführungen der viel seltener gehörten 2., 5., 8. und 9. Symphonie das stärkste Mahler-Erlebnis, vielleicht, weil die Persönlichkeit des großen Komponisten sich hier in der uns heute verständlichsten Weise ausspricht. Die Wiedergabe unter Herbert von K a r a j a n und den Philharmonikern mit Hilde Rössel-Majdan und Fritz Wunderlichals Solisten war ein Musterbeispiel an innerer Konzentration, der Gesang Frau Rössel-Majd-ans deren vollkommenster Ausdruck. Als Gustav-Mahler-Feier der Staatsoper wurde das Werk im Haus am

1961

INT OLLER ANZA 1961

Zum ersten Mal fand heuer die berühmte Musikbiennale von “Venedig, die bereits zum 24. Mal abgehalten werden konnte und unter den großen Musikfesten nicht nur einen besonderen Ruf, sondern auch schon ihre Tradition hat, im Frühjahr statt. In früheren Jahren legte man die Veranstaltungen auf den Herbst. Das ist wie ein Symbol, denn bisher waren die Programme mehr dem Bewährten gewidmet —, obwohl hier in Venedig immer wieder auch wichtige Erst- und Uraufführungen bedeutender zeitgenössischer Werke stattgefunden haben. So zum Beispiel hat Strawinsky seine Alterswerke — die Oper:

„Lelio“ — eine romantische Phantasie

Man sollte sich, besonders in deutschei Land&t, in br mit Hectöt beiiioi ‘beschäf tigefi1’,—’Stnisetff„Römischen Carheval“ und den Rakoczi- Marsch aus „Fausts Verdammnis" spielen. Berlioz’ Instrumentationskünste wurden ja durch Richard Strauss bekannt gemacht. Aber wieviel Interessanteres, Wesentlicheres gibt es in seinen Partituren zu entdecken! In Wien hört man zwar ab und zu die vor 130 Jahren in Paris urauf- geführte „Symphonie phantastique“. Aber die 1832 geschriebene Fortsetzung, ihr zweiter Teil mit dem Titel „L e 1 i o oder Rückkehr ins Leben“, ist

„Rai buba“ und Kodäly-Symphonie

Zum 60. Geburtstag von Hanns Jelinek veranstaltete der Österreichische Rundfunk in seinem großen Sendesaal ein öffentliches Orchesterkonzert, das unter der Leitung des Komponisten vom Rundfunkorchester (Radio Wien) ausgeführt wurde. Bereits 1934 35 schrieb der Schönberg-Schüler Jelinek sein 2. Streichquartett in strenger Reihentechnik, dessen zweiten, dritten und vierten Satz er 1957 umarbeitete und für Streichorchester setzte. Auf ein Andante mit sechs kunstvollen Variationen folgt ein burleskes Scherzo, an das sich ein rhapsodischer Schlußteil anfügt. — Im Charakter ist von diesem

VON DER HEITERKEIT NEUER MUSIK

TZ ennen Sie eine lustige Musik? Ich nicht." Das Wort Schuberts ist bezeichnend nicht nur für ihn, sondern auch für viele, für fast alle großen Musiker des 19. Jahrhunderts. Rufen wir uns in Erinnerung jene stattliche Reihe tragischpathetischer Symphonien, jene hundert „Großen Opern“, jene tausend Sonaten, Lieder und andere Kammermusikwerke … Sie stehen fast alle in der gleichen klassisch-romantischen Landschaft, aus der die Standbilder von Beethoven, Brahms, Bruckner, Verdi, Wagner, Tschaikowsky, Strauss und Pfitzner aufragen.Die Musik unserer Zeit, die der ersten Hälfte des 20.

1962

ÖSTERREICHISCHE KOMPONISTEN

Es kann nicht geleugnet werden, daß Österreichs Musikleben — der natürlichen Wellenbewegung zufolge, die jeder Kunstentwicklung innewohnt — heute nicht auf der gleichen schöpferischen Leistungshöhe hält, von der die ersten zwei Jahrzehnte dieses Jahrhunderts gekennzeichnet waren. Dieses Phänomen ist aber keineswegs auf Österreich beschränkt: Vielmehr fließt in einer Zeit völliger Neuformierung der ästhetischen Ordnungen die künstlerische Produktion an sich und allerorten nur sparsam. Freilich entkräftet diese Tatsache den Vorwurf nicht, den Ernst Krenek vor einiger Zeit

Richter, Rostropovich, Schneiderhan

Der sowjetische Pianist Svatoslav Richter verdankt seinen Ruhm — man kann heute schon sagen: seinen Weltruhm — nicht zuletzt dem Umstand, daß er, der etwa 45jährige Deutschrusse, einen Künstlertypus vertritt, der im Aussterben ist. Richter gehört also nicht zu den allmählich langweilig werdenden modernen „Perfektio-nisten“, sondern ähnelt in Spiel, Gebärden und physischer Konstitution den großen Alten Sauer, Gieseking oder Eduard Erdmann (an letzteren erinnert er am meisten). Richter ist auch ein Virtuose, gewiß, ein bedeutender sogar. Aber vor allem kommt es ihm auf den

STRAWINSKY GIBT AUSKUNFT

Welchem Ihrer frühen Zeitgenossen verdanken Sie am meisten? Debussy? Glauben Sie, daß Debussys Stil durch den Kontakt mit Ihrer Musik beeinflußt worden ist?In meinen frühesten Jahren beeinträchtigten mich Einflüsse, die eine Entwicklung meiner eigenen kompositorischen Technik hemmten. Ich verweise auf den Akademismus des St. Petersburger Konservatoriums, von dem ich mich jedoch glücklicherweise bald frei machen konnte. Aber die Musiker meiner Generation und ich selbst verdanken Debussy am meisten. Ich glaube nicht, daß sich Debussys Kunst durch unsere Beziehung geändert hat. Im

1963

Mahler, Richter und ein leerer Saal

Auf dem Programm des 5. Konzertes im Mahler-Bruckner-Schubert-Zyklus der Konzerthausgesellschaft stand Gustav M a h 1 e r s sechssätzige Dritte Symphonie, mit der Aufführungsdauer von mehr als 90 Minuten wohl das mächtigste symphonische Gebilde überhaupt. Nach dem ersten (dreiviertelstündigen) Satz wurde eine längere Pause gemacht. Das war gut so, denn auch die folgenden fünf (kürzeren und leichteren) Teile verlangen einen aufmerksamen und konzentrierten Hörer. Wir können in diesem Rahmen auf das 1893 bis 1896 in Steinbach am Attersee entstandene Riesenwerk, sein Programm und seine

Musikalische Visionen

Im Mozart-Saal des Konzerthauses kon zertierte die aus zwölf Instrumentalsolistei bestehende „Musica Viva Prägen s i s“, ein, wie man nach den ersten Spiel minuten konstatieren konnte, in der Wie dergabe schwierigster moderner Werk; wohltrainiertes Ensemble. Der Autor de ersten Stückes — „Affekte", für dre Streicher, drei Holzbläser und Klavier — Zbynek Vos trak, Jahrgang 1920, be dient sich des heute zwischen Tokio un San Franzisko allgemein gebräuchliche! Esperanto, das durch die auf Weben fußende serielle Technik und das entspre chende Klangbild charakterisiert ist (Weite

VOLLENDET IM FRAGMENT

In seinem letzten Lebensjahr, nach zwei mißglückten Staroperationen fast völlig erblindet, schuf Johann Sebastian Bach sein kontrapunktisches Opus magnum „Die Kunst der Fuge“. Vierzehn fugierte und vier kanonische Stücke werden auf einem einfachen, fast unpersönlichen Thema aufgebaut und in immer freierem Fluß entwickelt: wahre Wunderwerke kompositorischer Kunst und zugleich ergreifende persönliche Aussage. Noch in Bachs Todesjahr (1750) wird „Die Kunst der Fuge“ von seinen Söhnen Philipp Emanuel und Wilhelm Friedemann herausgegeben. Nur die Anordnung der ersten elf Stücke

1964

Das Altern der neuen Musik

Die Musica nova von heute ist die Musica antiqua (oder incognita) von übermorgen, und die Moderne von gestern bekommt Runzeln. Sie zeigt sie in unserer Zeit — infolge der rasanten Entwicklung neuer musikalischer Techniken und Kompositionsverfahren während der letzten zehn Jahre — früher als zwischen 1900 und 1950. Zu solchen — und noch trüberen — Gedanken regte das letzte Konzert des Ensembles „die reihe“ im Mozartsaal an. Karlheinz Stockhausen, Jahrgang 1928, schrieb sein „Kreuzspiel“ 1951. Es war eine der ersten „punktuellen“ Kompositionen und beeindruckte damals

Parade der Sngerinnen

Gemeinsam mit ihrem Gatten, dem Bariton Thomas Stewart, konnte man Evelyn Lear in den Solopartien von Johannes Brahms' Deutschem Requiem hören. Während Stewart immerhin — bei aller Gepflegtheit der Stimme — etwas blaß blieb, war man von Stimme und Gestaltungskraft Evelyn Lears sehr beeindruckt, wenn auch das rein Lyrische (woran das Werk so reich ist) nicht so voll ausgeschöpft wurde als das zu dramatischeren Akzenten Neigende. Darin wurde sie allerdings durch die Auffassung des Dirigenten, Carl Melles, unterstützt, der dem ganzen Werk einen mehr tragischen als tröstenden Impetus

Vom Jugendstil zum Euro-Jazz

Als erstes trastorcnester traten im Großen Musikvereinssaal die Warschauer Philharmoniker unter Witold Rowicki, dem Pionier der neuen westlichen Musik in Polen, und Stanislaw Wislocki auf. Die Warschauer sind — das muß bei allem Wohlwollen, auf das unsere Gäste zählen...können, gesagt worden — zwar ein tüchtiges und ambitioniertes; aber Kein Spitzenorchester. Um das zu erkennen, braucht man aur die verschiedenen Aufnahmen, die es von Prokofieffs „Symphonie classique“ gibt, nach dem Konzert auf den Plattenteller zu legen. Mit diesem einfach scheinenden, iber überaus heiklen und

ABENTEURER DES KLANGS

Obwohl es gewiß falsch wäre, sich dem Glauben hinzugeben, man höre alljährlich in Darmstadt den Pulsschlag der zeitgenössischen Musik, obwohl dort seit nun bereits achtzehn Jahren Dada und seine letzten Ausläufer beziehungsweise Auswüchse Orgien feiern, war es doch in Darmstadt, bei den 1946 von Wolfgang Steinecke ins Leben gerufenen Ferienkursen, daß die junge Generation zum ersten Male zu Worte kam, daß Musiker und Fachleute wie Messiaen und Leibowitz, Adorno und Krenek die Jugend entscheidend orientierten, dort auch, daß die Begegnung mit Cage und der übrigen amerikanischen

Aus dem Konzertsaal

Das erste Abonnementkonzert der Wiener Kulturgesellschaft bot — neben Cesar Francks „Symphonischen Variationen“ für Klavier und Orchester und Anton Bruckners 1. Symphonie — eine Uraufführung: Karl Haidmayers IV. Symphonie, beim Kompositionswettbewerb der Wiener Kulturgesellschaft, für den sie eigens geschrieben wurde, preisgekrönt. Haidmayer, dessen erste Symphonie und dessen Flötenkonzert bereits durch das Orchester der Kulturgesellschaft uraufgeführt wurden, ist Grazer. Erklärungen zu seinem Werk hält der Professor für Komposition an der Musikakademie nicht für notwendig.

1965

JUGEND IN HARMONIE

Die Frage nach dem Sinn und Wert der Musik ist in der Geschichte der Menschheit immer wieder gestellt worden. Mit der Musik und dem Musizieren war stets eine Sinnbeziehung verbunden, die das Wesen der Musik und den Sinn des Musizierens in eine höhere Wertordnung einfügte. Es ist heute nicht anders, und wir finden den Weg in unsere Gegenwart am besten, wenn gewisse Zusammenhänge in der Entwicklung der heutigen Musik mit der des „Musikmachens“ aufgezeigt werden.Die Sucht nach dem „Allerneuesten“ und die Suche nach immer neuen Ausdrucksmitteln, wie sie von musikalischen Organisationen

Passion, Rinat-Chor und Solisten

Ebenso schlicht als tiefgehend und daher im Sinne der geistigen Disposition von suggestiver Wirkung war die Wiedergabe der „Matthäuspassion“ von /. S. Bach durch den Wiener Madrigalchor, geleitet von datier Meyer. Die Unmittelbarkeit des Erlebens war bereits in den ersten Takten vorhanden. Mit dieser geistigen Einstellung verbinden die jungen Sänger stimmlichen Wohlklang und rhythmische Exaktheit, und ihr Dirigent die Fähigkeit, den großen Bogen über die einzelnen Nummern zu spannen und die monumentale Einheit nicht nur im stilistischen Sinn lebendig zu gestalten. In Annelies Hückl,

Große Dirigentenparade

Der 82jährige Ernest Ansermet, der das berühmte Orchester de la Suisse Romande gründete und seit 1918 ununterbrochen leitet, dirigierte im Großen Musikvereinssaal das dritte Konzert im Zyklus „Die große Symphonie“. Der Sohn eines Geometers und ehemaliger Mathematikprofessor in Lausanne nimmt bei den Proben die Partitur wie einen alten Wecker auseinander, um dann erst im Konzert nicht nur einen tickenden, sondern einen lebenden, formvollendeten Organismus zu präsentieren. Dies Verfahren kam — für uns recht überraschend — auch der eingangs gespielten 3. Symphonie von Brahms sehr

WENN MAN TROTZDEM LACHT

Wir wollen unsere Plauderei über den Humor der Musiker nicht mit einer wissenschaftlichen Definition des Begriffes „Humor“ beginnen, sondern mit der Feststellung einleiten, daß viele, ja die meisten großen Komponisten, Humor besaßen. Dies bezeugen die vielen in Briefen, in Erinnerungen ihrer Freunde und in den Biographien aufgezeichneten Aussprüche, die, wenn man sie sammeln würde (und man hat es getan) ganze Bände füllen könnten. Interessanter wäre schon eine Untersuchung der Ursachen, welche viele große Musiker speziell für den Wortwitz, das Wortspiel, den Kalauer so

1966

WAS IST ZWÖLFTONMUSIK?

Für den „Laien”, aber auch für viele Musikfreunde — Konzertbesucher und Radiohörer — ist „Zwölftonmusik” identisch mit „atonal”, vor allem aber mit der Musik Schönbergs, der „Wiener Schule” und ihrer Nachkommen. Wir möchten daher zu Beginn dieser mehr theoretischen Betrachtung feststellen, daß Schönberg zwar mit vollem Recht als der Vater der Zwölftonmusik, auch Dodekaphonik genannt, bezeichnet werden kann, daß er selbst aber keineswegs nur Zwölftonmusik geschrieben hat. (Wir erinnern an die frühen Werke wie das Streichsextett „Verklärte Nacht” von 1899

Unbekannt, doch interessant

Die „Membra Jesu nostri” von Dietrich Buxtehude, eine Art Passionsmusik für Soli, fünfstimmigen gemischten Chor, Streichorchester und Orgel, 1680 entstanden, hörte man seit Buxtehudes Zeit im Großen Musikvereinssaal wahrscheinlich zum erstenmal wieder, ausgeführt vom Wiener Madrigalchor unter Xaver Meyer. Das Werk beeindruckt durch seine tiefe Gläubigkeit, seine musikalische Ausdruckstiefe, die knappe Formulierung der sieben Kantaten, jede von innerer Geschlossenheit und doch ein voll- kommendes Ganzes, dem allerdings der dramatische Charakter der großen Passionen fehlt. Auch die

WIE EIN PHÖNIX

In ehrfurchtsvoller Trauer um den am 18. November des vergangenen Jahres verstorbenen Stifter und Gründer der Forschungs- und Ausbildungsstätte „Accademia Chi- giana“ und der Musikwochen von Siena, Conte Guido Chigi Saracini, ist mit Konsequenz und Energie der künstlerische Leiter der „Chigiana“ und der „Settimane Musicali Senesi“, Prof. Dr. Mario Fabbri, an die schwere Aufgabe herangetreten, das kostbare Erbe des großen Mäzens zu bewahren und dieses in ständigem Kontakt mit dem Leben der Gegenwart zu halten. Immer wieder soll Neues aufgefunden und dem Leben wiedergeschenkt

Von Bach bis Ligeti

Zdenek Kosler dirigierte das 3. Konzert im Dvorak-Zyklus der Wiener Symphoniker. Blutvolles Musikantentum des Komponisten in der Ouvertüre „Carneval“ wurde fantastisch gut musiziert. Das Violinkonzert a-Moll, op. 53, das Dvoräk dem Geiger Joachim zuliebe, dem es gewidmet ist, zweimal gründlich umarbeitete, fand in Ricardo Odnopo- soff einen Solisten ersten Ranges, der sogleich die Führung übernahm und das Orchester beschwingte, das Zdenek Kosler behutsam führte. Die Abschließende 3. Symphonie die als Jugendwerk im Schatten der bekannten Meistersymphonien steht, ist trotz ihrer

1967

Neues von 1911 bis 1966

Franz Allers dirigierte das 4. Kon-Bert des Symiphonikerzyfclus, mit einem Programm moderner Musik: Igor Strawinskys „Petruschka“ und Carl Orffs „Carmina Burana“. Die unverwüstliche Frische von „Petruschka“ mit ihren eigenartigen, bis zum Lanner-Walzer gehenden Karikaturismen wird freilich ohne Szene nie ganz verständlich, doch zieht die ungeheure Verve jeden Hörer in ihren prickelnden Bann, zumal die Konzertfassung einen Höhepunkt musikalischer Turbulenz an den Schluß setzt. — Ganz anderer Art sind die „(Irmina Burana“. Die lateinischen, französischen und deutschen

Konzerte mit neuer Musik

Der Zyklus „Musdca nova“ des österreichischen Rundfunks bringt in vier Konzerten neue Musik der älteren und jüngeren Generation zur Konfrontation mit dem Hörer; ein Unternehmen, doppelt verdienstvoll in unseren an zeitgenössischer Musik nicht sehr reichen Programmen. Die in diesen Konzerten zur Diskussion gestellten Werke sind naturgemäß in ihrer stilistischen und klanglichen Art ebenso wie in ihrer künstlerischen Wertigkeit verschieden. Im zweiten Konzert war zu hören „Pic-colo mondo“, Musik zu einem imaginären Ballett von Jürg Baur. Der tänzerische und gestische Charakter

1968

Aus den Konzertsälen

Aus dem reichen Schatz niederländischer Passionsmusik führt das Ensemble Musica Antiqua einige der kostbarsten Kyriesätze, Motetten, Hymnen der Großmeister Josquin, Binchois, Dufay, überdies Jacob Obrechts „Matthäuspassion im Brahms-Saal auf. Hervorragenden Eindruck machte vor allem der Contratenor Zeger Vandersteene, dessen geschmeidige, sanft timbrierte Stimme die anspruchsvollen Solo- nummern souverän meisterte. So elegant, voll Anmut manche Wiedergaben an diesem Abend erklangen, geriet doch auch vieles trocken, nicht sehr animiert. Der Leiter Renė Clemencic wird sich da

Bernstein am Flügel, Foss am Pult

Durch den einem Unfall des Sängers zufolge verhinderten Liederabend Dietrich Fischer-Dieskaus wurde man um ein künstlerisches Ereignis ärmer und um eines reicher. An jenem Abend sangen Christ a Ludwig und Walter Berry monologisch und dialogisch Lieder von Gustav Mahler, ihr Mitgestalter am Klavier war Leonard Bernstein. Im überfüllten großen Saal des Konzerthauses war Feststimmung wie vor einer Premiere, und eine Art Premiere war der Abend auch. Eine Folge von zwölf Mahler-Liedern, zum größeren Teil traurigen Inhalts, eine spröde, anspruchsvolle, dem Wiener Publikum durchaus nicht

Beinahe ein slawisches Fest

Selbst professionelle Konzertbesucher, die an neun Abenden 37 Werke zu prüfen hatten, darunter neun in Uraufführungen, zwei in europäischen, eine in deutschsprachiger und 16 in österreichischen Erstaufführungen — selbst die geplagten Rezensenten hatten am Ende in summa Eindrücke empfangen, die sie des Lebens und ihres Berufes durchaus froh sein ließen. Nicht alle Tage und nicht überall findet der Musikfreund solche Chancen vor, sich zu informieren; vergleichen, messen und ermessen zu können, wohin die Musik unserer Zeit sich dreht und wendet, welche Kapriolen sie schlägt, in welche

Was man in Wien nicht hört

Wien trägt seit den Tagen Brahms’, Bruckners, der Strauß- Dynastie, der Epoche der großen Operndirektoren Mahler, Schalk, Richard Strauss die Aura der Weltmusikstadt. Allerdings hat sich immer mehr der Ruf verfestigt, daß es ein Musikzentrum, eine Bastion des Konservativen ist, wo die Zahl der Uraufführungen neuer Werke, und erst recht der Auftragserteilung an Avantgardekomponisten (verglichen etwa mit den deutschen Städten, die Sitz einer Rundfunkstation sind), minimal ist. Da nützen uns alle Kunstfonds und die paar nach Maß und auf Bestellung geschriebenen Werke auch nur wenig. Das

1969

Provokationen nur am Rande

Den Künsten hat man sich in Venedig September über verschrieben, sich für sein fashionables internationales Publikum, die gehätschelten „settembrini” aus Harry’s Bar, Cipriani, Lido- Excelsior, Attraktionen einfallen lassen, bei denen wenigstens für kurz mit dabei zu sein nach wie vor en vogue ist. Und man hatte vor allem auch Europas Jugend gebeten, der heuer hier erstmals im Atheneum ein Diskussionsund Debattierforum für Fragen Neuer Musik und Neuen Theaters geboten wurde. Im ganzen: ein mit klangvollen Namen (Boulez, Bus- sotti, Maderna, Stockhausen, Hagel…) und Dutzenden Ur- und Erstaufführungen üppig bestücktes Festival Neuer Musik, ein mit an die 30 Ensembles nicht minder kostspielig aufgezogenes Theaterfest und etwa zehn große und kleinere Ausstellungen demonstrierten Venedigs Anspruch, wenigstens einen Monat lang im Sommer mehr zu sein als Touristenattraktion: alter Sendung gemäß die Kunstmetropole Italiens, ja des mittleren und südlichen Europa, eine lebensvolle Stadt, deren Atmosphäre neuerdings Publikum aller Gesellschaftsschichten und Kreise zu fruchtbarem, demokratischem Gespräch züsammenführt. Eine realistisch-zukunftsträchtige Idee, deren Tragfähigkeit schon in nächster Zukunft, längstens bei der Planung des Festivals 1970, nachgewiesen werden soll.

1970

Henze, Brouwer, Cerha, Ligeti...

Das erste Konzert im Rahmen der Reihe „Musik des 20. Jahrhunderts“ im Rahmen der Berliner Festwochen dirigierte Hans Werner Henze, der gemeinsam mit dem 31jährigen Kubaner Leo Brouwer dessen „Exae-dros II“ zur Uraufführung brachte. Die für Schlagzeugsolo und zwei Orchestergruppen komponierte Musik ist in zwei etwa einen Meter hohen Partituren aufgezeichnet, und zwar in graphischer Notation. Im Mittelpunkt des turbulenten, farbenreichen musikalischen Geschehens, das immer wieder von Rumbarhythmen aufgepeitscht wird, steht — nein bewegt sich, auf leisen Sohlen wie ein kleiner

1971

Dreißig Jahre neue Musik

Das Konzert am vergangenen Freitag im Großen Musikvereinssaal, das die Musikalische Jugend mit dem Jeunesse-Chor und der ORF mit seinem Chor und Orchester unter der Leitung von Milan Horvat gemeinsam veranstalteten, illustrierte auf eindringliche Weise, ohne jedoch didaktisch zu wirken, die Entwicklung der neuen Musik innerhalb der letzten dreißig Jahre.

Computermusik an der Themse

Merkwürdig, wie für die Empfänglichkeit für Kreationen zeitgenössischer Musik der Genius loci eine Rolle spielt! Das letztjährige Festival der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik (IGNM) fand in Basel statt. Dort, in der gemütlichen Stadt am Rheinknie, war man sozusagen „unter sich“; Kontakte, Fachgespräche mit Musikern, Komponisten, Kritikerkollegen waren möglich. Neue Musik beherrschte für eine Woche lang den Ort. Ganz anders beim diesjährigen Festival der IGNM, das heuer in London stattfand.In der heute elf Millionen zählenden Riesenstadt kam man sich, kam sich die

1972

Aus dem Konzertsaal

„Nicht Bach sollte er heißen, sondern Strom!“ Dieses Wort geht einem besonders beim Anhören der Hohen Messe h-Moll durch den Kopf. 1733 begonnen und bis 1738 durch weitere Teile ergänzt, wurde das Werk zu Bachs Lebzeiten nie vollständig aufgeführt, obwohl es zu den größten Schöpfungen der deutschen Musik gehört. Zu der h-Moll-Messe hat Karl Richter, der sie am vergangenen Samstag und Sonntag im Großen Musikvereinssaal dirigierte, ein ganz unmittelbares Verhältnis, das ihn vor jeder Gewalttätigkeit oder Manier bewahrt. Als ehemaliger Angehöriger des Dresdener Kreuzchores,

Wiener Konzerte

Das „Institute of European Stu-dies“ stellt einen Sängerknabenchor aus Phoenix, Arizona, vor. — In den nur wenig mehr als zwei Jahrzehnten, die nach dem Gründungs jähr des „The Phoenix Boys Choir“ verstrichen sind, haben sich die jungen Sänger einen festen Platz auf dem Sektor der nordamerikanischen Chormusik erobert. An ihrer Spitze steht seit zehn Jahren Harvey Smith, der zu seinem akademischen Grad „Masters of Music“ noch den eines „Doctor of Musical Arts“ zu erwerben im Begriff ist.Als ihr ausgezeichneter Lehrer, Dirigent und Leiter ihres Opera Workshop hat er die

Aus dem Konzertsaal

Lange Zeit haben die Leningrader Philharmoniker nicht in Wien gastiert. Aber nun, gleich nach der Aufführung von Schostakowitschs VI. Symphonie (op. 93) im „Orchester- und Chorzyklus“ im Musikverein, stand eines erneut fest: Dieses 1917 aus dem alten Petersburger Hoforchester hervorgegangeneEnsemble zählt trotz allen Eigenarten nach wie vor zu den internationalen Spitzenorchestern und kann nur mit den vollendetsten Klangkörpern verglichen werden. Dies nicht zuletzt dank der kontinuierlichen Arbeit mit seinem Chef Eugen Mrawinski, einem Grandsei-gneur des Taktstocks, der seine Musiker zu

1973

Aus dem Konzertsaal

Das fünfte Konzert im Zyklus „Die große Symphonie“ leitete Christoph von Dohnänyi, Generalmusikdirektor in Frankfurt mit ständigen Verpflichtungen in Köln, Berlin und München. Der erste Teil des Programms gehörte zur Gänze Ungarn. Zoltän Kodälys 1933 geschriebene „Tänze aus Galanta“ sind ein gefälliges, zügiges Stück, das sich sowohl als Ballettmusik wie im Konzertsaal immer wieder bewährt. Dohnänyi interpretierte es nicht gerade con fuoco, aber auch nicht langweilig. — In Bartöks genialem 2. Klavierkonzert, das zwei Jahre früher entstanden ist und dessen Solopart

Solistenparade

Dem neunten Abeonnementkon-zert der Philharmoniker am Pfingstmontag ging tags vorher mit dem gleichen Programm — als Beitrag der Wiener Festwochen — eine Aufführung im Konzerthaus voraus. Der Rezensent, welcher dieser beiwohnte, fragt sich nun, ob es Wahrheit oder Einbildung seinerseits ist, daß unser Meisterorchester das ihm eigene „philharmonische Fluidum“ erst in seinem angestammten „Goldenen Saal“ voll und ganz ausstrahlt, hier also noch besser musiziert als im Konzerthaus. Claudio Abbado, bei Publikum und Orchester gleich beliebt, hat (nicht zuletzt auf Grund der elitären

Mit Stein und Milstein

Horst Stein, der trotz seiner Hamburger Tätigkeit glücklicherweise durch einen ausgedehnten Gastvertrag der Wiener Staatsoper und auch den Wiener Konzerten erhalten bleibt, konnte im letzten Orchesterkonzert der diesjährigen Wiener Festwochen, veranstaltet vom Konzerhaus mit den Wiener Symphonikern und der Singakademie, von seinen bedeutenden Dirigentenqualitäten erneut überzeugen. Das ausschließlich Mozart gewidmete Programm der Matinee begann mit der G-Dur-Symphonie, KV 318, die viele Merkmale der Mannheimer Schule mit ihren Zieraten und Crescendi der Bläserepisoden in sich trägt,

Sakralmusik und Romantiker

Die letzte Textzeile, die Arnold Schönberg vertonte, lautete „Und trotzdem bete ich“. Sie findet sich im 85. Takt des „151. Psalms“, den der Komponist unvollendet hinterließ. Die Komposition beruht auf einer Zwölftonreihe, deren zweite Hälfte den Krebs der ersten bildet. Die komplizierten Verschränkungen, in denen die beiden 'Sechstongruppen aufscheinen, ergeben ein Klanggewebe von äußerster Dichte. — Man hörte das selten aufgeführte Werk dankenswerterweise in einem ORF-Konzert aus Anlaß des 9. Internationalen IMZ-Kongresses. Ihm zur Seite stand „Kol Nidre“ op. 39 für

1974

Mit tieferer Bedeutung

So uninteressant und routinemäßig die Konzertprogramme der vorletzten Woche waren, um so mehr Anregendes und sinnvoll Programmiertes gab es am vergangenen Wochenende.

Festwochenkonzerte

Noch einen Tag vor den Philharmonikern feierten die Symphoniker den Festwochenbeginn, und es wurde auch wirklich ein Fest, das sich in Hinkunft nur schwer von ihnen überbieten lassen dürfte. Das lag an der blendenden Form des Orchesters, das lag an seinem hervorragenden Dirigenten Carlo Maria Giulini und das dag am Solisten des Beethoven-Violinkonzertes, an David Oistrach. Zwar darf man sagen, daß er (zumindest) das Rondo zu langsam spielte, aber es ist das im allgemeinen die kleinere Sünde gegenüber einem zu schnellen Spiel, und außerdem blieb der Satz trotzdem leicht und

Wer wagt, gewinnt

Nicht immer 1st ein so glanzvoller tmd würdiger Anlaß wie die 1200-Jahr-Feier des Salzburger Domes für eine Uraufführung gegeben: Der ORF war der Mäzen, der an Krzysztof Penderecki vor einem Jahr einen Auftrag erteilte, den dieser zeitgerecht, von November 1973 bis Juli 1974 teils in Krakau, ieUs in den USA realisierte. Anfangs dachten die Salzburger Initiatoren an einen auf die Stadt oder den Dom bezüglichen Text, aber dann entschied man sich für das „Magnificat“ aus dem Lukasevangelium. Das erinnert uns an den ersten Kontakt Pendereckis mit Salzburg i“or vier Jahren: als im Dom seine „Lukaspassion“ aufgeführt wurde, mit der die Reihe der ORF-Konzerte mit neuer Musik im Rahmen der Festspiele begann.

Orchesterparade

Die Wiener Philharmoniker gehen mit der Programmgestaltung ihrer Abonnewjentkonzerte neue Wege. Gleich das erste Konzert dieser Saison im Musikverein, übrigens ein glanzvoller Start unter dem „Hauptdirigenten’ Claudio Abbado, hatte als ungeschriebenes Motto des überaus interessanten Programms ein Bekenntnis zum Ungewöhnlichen: „Jugendwerke der großen Komponisten’, Übungen, Studien, Versuche der Meister, sich einen Stil zu erarbeiten…Das war das Thema. Und das begeisterte Publikum bekam durchwegs Werke vorgesetzt, die Dokumente eines geistigen Rei fungsprozesses darstellen. So

Der Meister des Zaubertranks

Am vergangenen Wochenende ist Frank Martin, 84jährig, im holländischen Nadden gestorben, wo er sich seit 1946 niedergelassen hatte (Großmutter und Gattin des Komponisteif stammen aus den Niederlanden). Mit ihm ist einer der letzten großen Väter einer gemäßigten „Moderne“, die sich der Gunst weitester Publikumskreise erfreute, von uns gegangen. Und er war einer jener wenigen zeitgenössischen Komponisten, die man in Österreich, speziell in Wien, auch zu ihren Lebzeiten durch zahlreiche Aufführungen zu ehren nicht versäumte. — Die Liebe wär eine gegenseitige: „Le vin herbe“, eines seiner Hauptwerke, das ihm zu Weltruhm verhalf, wurde nicht nur bald nach dem Krieg konzertant in Wien, sondern auch szenisch im Rahmen der Salzburger Festspiele 1948 aulgeführt; für die neuaufgebaute Wiener Staatsoper schrieb er in den Jahren 1952 bis 1955 die Oper „Der Sturm“ nach Shakespeare und für die Salzburger Festspiele des Jahres 1960 das im Neuen Festspielhaus uraufgeführte „Mysterium von der Geburt des Herrn“. — Bereits 1943 hatte Martin sechs Monologe aus Hofmannsthals „Jedermann“ für Bariton und Klavier vertont, Irmgard Seefried und Wolfgang Schneiderhan widmete er das „Maria-Triptychon“ und Paul Badura-Skoda, anläßlich der Hundertjahrfeier des Musikvereins, ein Klavierkonzert. — Das erst 1973 in Lausanne uraufgeführte „Requiem“ war Martins letztes Werk. Aber auch als Vortragender trat er bei uns auf, wobei der Verfasser dieses Kurzporträts zweimal in Wien und .einmal in Graz die Ehre hatte, Martin als Übersetzer zu dienen. F.

1975

Eine Konzertfestwoche

Zunächst eine pädagogische Vorbemerkung: Dieses letzte Konzert der Wiener Symphoniker im Zyklus I der Konzerthausgesellschaft, das in einer Voraufführung auch der „musikalischen Jugend“ zugänglich gemacht wurde, war einfach zu lang und überforderte die Aufnahmefähigkeit auch des bestgewillten, ausgeruhtesten Zuhörers. Seit Jahren schon bemüht sich die in Wien residierende Internationale Gustav-Mahler-Gesellschaft (und bezieht in diese ihre Bemühungen auch Anton Bruckner mit ein), daß von den großen, den umfangreichsten Werken der beiden Meister nur jeweilseines aufs Programm

Echte Festwochenkonzerte

Zu den Festwochen hat man natürlich ein besonders breit aufgefächertes Angebot von guter Musik. In der hochbarock bewegten Jesuitenkirche gab die leider mit großen finanziellen Schwierigkeiten kämpfende Gesellschaft für alte Musik einen klingenden Beweis ihrer Subventionswürdigkeit:. Der Wiener Motettenchor und das Ensemble Mu-sica antiqua mit seinen bewährten Solisten vermittelte einen wertvollen Einblick in geistliche Musik von Las-sus bis Viadana. Bernhard Klebel sorgte für Niveau und Stilgerechtigkeit. Besonders interessant war die hochromantische Musik des nahezu unbekannten

Mit gemischten Gefühlen

Das Konzert des ORF-Chores und Symphonieorchesters hat man schon zwei Tage vor der Wiener Aufführung in Graz oder auch zu Hause im Radio hören können. Wer also vorbereitet die drei originellen Werke hörte, konnte Luigi Nonas skeptische Einstellung zu der Aufführung nicht teilen. Sicherlich, neue Musik kann immer noch mehr Proben vertragen, aber ist das Publikum auch bereit, die Kosten zu tragen?Nonos Per Bastiana Tai-Yang Cheng bezieht sich auf eine rotchinesische Weise über den Tagesanbruch, geschrieben für die Tochter Bastiana. Über einer bewußt diffus gehaltenen Klanggrundschicht

1990

Mehr als nur der Zeitgeist

Skeptiker hatten den Publi-kumserfolg, den die Veranstalter des ersten Festivals "Wien modern" im Jahr 1988 verbuchen konnten, zur Mode abzuwerten versucht. Claudio Abbado, die Wiener Philharmoniker und eine Reihe glanzvoller internationaler Namen als Zugpferde hätten dem gewagten Unternehmen den Anstrich des "Schicken", "Mondänen", "Zeit-geistigen" gegeben und die Kon-zertszene so "modisch maßgestylt".Nun laden Wiener Konzerthaus und Musikverein, Staatsoper, Ver-einigte Bühnen Wien, Volksoper, Hochschule für Musik, Odeon, der Kunstverein Alte Schmiede und viele andere Veranstalter

1998

Kein Hahn kräht danach

Zeitgenössische E-Musik in der Krise: Das Publikum reagiert mit gelangweiltem Desinteresse auf einen Betrieb, von dem keine Impulse mehr ausgehen.

2003

Klang-Ikonen

Eine Konzertreihe von Graz 2003 widmet sich ausschließlich der Musik des 20. Jahrhunderts.V ielgestaltigkeit prägte die Kunstmusik des 20. Jahrhunderts, die bis heute einer breiteren Öffentlichkeit großteils unbekannt geblieben ist. Die Konzertreihe Ikonen des 20. Jahrhunderts, kuratiert von Peter Oswald, hat sich zum Ziel gesetzt, zentrale Positionen der Moderne zu Gehör zu bringen, schmackhaft gemacht durch herausragende Interpreten und einen neuen, architektonisch reizvollen Veranstaltungsort: die Helmut List-Halle am westlichen Murufer. Ein Konzept, das angesichts des ungebrochenen

2004

Spuren der Stille

Wege der neuen Musik am Beginn des 21. Jahrhunderts.Das Neue ist die Sehnsucht nach dem Neuen." Die Tragweite dieses Satzes, den Theodor W. Adorno Ende der sechziger Jahre in seiner Ästhetischen Theorie niederschrieb, zeigt sich heute noch deutlicher als vor 30 Jahren. Im Rückblick ist die gesamte Kultur des 20. Jahrhunderts vom Gedanken umfassender Innovation geprägt. Zunehmende Spezialisierung und eine Vielzahl von Brüchen war die Folge bis hin zur emotionsgeladenen Postmoderne-Diskussion. Dass die Moderne nicht abdanken will, ist letzte Konsequenz ihrer engen Bindung an das

2007

"Ein Klang von sehr weit her"

Als Leiter von "Zeitfluss", der Avantgardeschiene des Festivals, hat Markus Hinterhäuser in den 1990er Jahren erste Salzburger Festspiel-Erfahrung gesammelt. Heuer zeichnet der Pianist mit einer Vorliebe für Lied und zeitgenössische Musik erstmals für das gesamte Musikprogramm der Festspiele verantwortlich.Die Furche: Herr Hinterhäuser, Sie sind als Sohn eines Romanisten in Italien geboren. Spräche das nicht mehr für einen italienischen Sänger als einen klassischen Pianisten mit avantgardistischen Ambitionen?Markus Hinterhäuser: Dass ich dort geboren bin, hat familiäre Grunde, die

2009

Das Bessere als ewige Sehnsucht

Ingo Metzmacher und Katie Mitchell machen in der Felsenreitschule Luigi Nonos „Al gran sole carico d’amore“ – „Unter der großen Sonne, von Liebe erfüllt“ – zum akklamierten und bedenkenswerten Ereignis.Grenzen ausloten, dabei das Wahre suchen, um zu einer besseren Welt zu finden: So ließe sich das Credo von Luigi Nono umschreiben. Nicht dem Experiment als solchem gehörte die Leidenschaft dieses viel zu früh verstorbenen italienischen Komponisten, sondern der mit höchster Passion vorgetragenen Botschaft. Wobei er verstand, diese gleichermaßen in klangliche Eruptionen wie in

„Zwischen Groteske und tiefem Ernst“

Der Dirigent Ingo Metzmacher über die nächste Staatsopernpremiere, Dmitri Schostakowitschs „Lady Macbeth von Mzensk“, Politik und Musik und musikalische Facetten von Versuchung. Das Gespräch führte Walter DobnerEs ist die erste Premiere der Abschiedssaison von Staatsoperndirektor Holender. Statt des ursprünglich vorgesehenen Kirill Petrenko, der krankheitshalber absagte, konnte Ingo Metzmacher für die musikalische Leitung gewonnen werden.Die Furche: Herr Metzmacher, waren Sie überrascht über die Einladung der Staatsoper, die Neuproduktion von Dmitri Schostakowitschs „Lady Macbeth

2018

Auch Säulenheilige wollen gefeiert werden

"Fast erweckt es den Eindruck, als wollte man diesmal Gedenkjahre bewusst außen vor lassen, nachdem man sie zuletzt stets ausführlich begangen hat."Componist" hatte er als Berufsbezeichnung in seinem Pass stehen. Musik wollte er schreiben, nicht "Misuk", wie er mehrfach betonte. Dennoch wäre es so einseitig wie falsch, Gottfried von Einem als Konservativen abzustempeln. Er war eine eigenständige Persönlichkeit. Geprägt von seinem von ihm verehrten Lehrer Gottfried Blacher und zahlreichen intensiven Studien, die er zeitlebens betrieb und woraus er zahlreiche Anregungen empfing. In jungen

von

Susanne Kogler

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Susanne Kogler