„Endspiel“ im Volkstheater: Der Sound von Beckett

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Der neue Volkstheaterleiter Kay Voges zeigt in Wien seine eigensinnige Fassung von Samuel Becketts „Endspiel“, die bereits 2012 in Dortmund ihre Premiere feierte.

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Der neue Volkstheaterleiter Kay Voges zeigt in Wien seine eigensinnige Fassung von Samuel Becketts „Endspiel“, die bereits 2012 in Dortmund ihre Premiere feierte.

Patric Blaser

Samuel Becketts (1906–1989) Dichtung steht vor dem Hintergrund der nicht abwendbaren Aussicht auf den eigenen Tod. Beckett weigerte sich trotz der Schwärze des radikalen Endes, dem Verschwinden von sich selbst, dem Unrecht des Todes zu entkommen, und entschlug sich auch jeder Hoffnung, wie der Möglichkeit der Rückkehr zur orthodoxen Glaubenserwartung von der Auferstehung zum ewigen Leben.

Anders ausgedrückt: Er verweigerte sich dem Gedanken der Transzendenz und stellte sich dem Entsetzen der Annahme, dass etwas endgültig aufhört. Dem Unausdenkbaren, das begrifflich kaum zu fassen ist, stellte sich Beckett durch sein lebenslanges dichterisches Bemühen, es wenigstens als Vorstellung darzustellen.

Minimalisierung und Verdichtung

So ist Beckett wohl jener Theaterautor geworden, bei dem wie kaum einem anderen, wie Adorno in seinem berühmten „Versuch, das Endspiel zu verstehen“ festgehalten hat, Reflexion mit der reinen Darstellung zusammenmontiert ist. Die Form hole bei ihm das Ausgedrückte ein und verändere es, was meint, dass eine Unterscheidung zwischen dramatischer und szenischer Ebene so radikalisiert ist, dass sie selbst haltlos wird.

Von „Warten auf Godot“ (1952) über „Endspiel“ (1957) oder „Glückliche Tage“ (1961) bis hin zu den radikalen späten Kurzstücken, den – wie Beckett sie nannte – „dramaticules“ wie „Atem“ (1969), „Not I“ (1972), oder den Stücken ohne Worte „Quadrat I + II“ (1981) führt er das Theater durch eine fortschreitende Minimalisierung und Verdichtung vom Literaturtheater mit interpersonalen Dialogen weg und bringt es schließlich in seinen äußersten Grenzbereich, bis es sich in seiner Zeitform der bildenden Kunst annähert, dem Stillstand.

Für Beckett, der bei seinen Stücken oft selbst Regie führte, war das Theater eine literarische Praxis, die Bühne ein Aufführungsort für eine Form von Literatur, die ohne das Theater nicht denkbar ist. Stets verweigerte Beckett Erklärungen und Interpretationen zu seinen Stücken und hoffte, dass die Lesart sich durch ihre präzise dramaturgische Struktur herausstellen würde. In diesem Sinne sind seine Stücke immer auch präzise Konstruktion eines Wahrnehmungsprozesses. Das macht sie so schwierig und Eingriffe so heikel.

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1957

Der Regisseur — Diener des Dichters

WOHL KAUM JE wurden Opern und Symphonien so vollendet wiedergegeben wie heute, ebenso hat die Darbietung der Sprechstücke sehr oft eine Reife erlangt, die früheren Zeiten unbekannt war. So kommt heute nicht nur dem Dirigenten, sondern auch dem Regisseur eine gesteigerte Bedeutung zu. Die Produktion lahmt, die Reproduktion setzt ungleich mehr an zielbewußter Arbeit und Anspannung, an Formkraft und Phantasie ein als vordem, sie erfreut ich somit gehöhter Wertschätzung.Welche Aufgabe kommt dem Regisseur zu? Er hat das Geistige des Bühnenwerks ins Sinnliche der Szene umzusetzen, die

WERKSTATTBERICHT

Eigentlich ist es der Verrat eines Geschäftsgeheimnisses, wenn ich als Autor über die Arbeitsweise des Dramatikers berichte. Und nur damit entschuldigt sich ein solches Unterfangen — daß jene Arbeit zumeist gar kein Geschäft ist, bestenfalls kein sehr gutes.Im Anfang ist der Drang, etwas zu schaffen, ein Drang, der sich ein Objekt sucht oder dank einer gnädigen Fügung von einem Objekt gesucht wird, das ihn wie ein Fieber befiel. Eine derartige „Ergriffenheit“ in des Wortes sinnlichster Bedeutung benötigt dazu nicht immer ein persönliches, auf sich übertragenes Erlebnis (wie etwa

GEISTIGES THEATER

Das Drama mit religiösen Aspekten war im Zeitalter des Fortschrittsglaubens sehr suspekt geworden. Auch eine große Kritikerpersönlichkeit wie Alfred Kerr hat dem Phänomen des religiösen Inhalts gegenüber völlig versagt. Die Ueberheblichkeit und der Uebereifer, mit dem man glaubte, die großen dichterischen Persönlichkeiten der Theatervergangenheit durch die Naturalisten ablösen zu können, hat sich bereits nach einer Generation ad absurdum geführt. Die ersten dreißig Jahre dieses Jahrhunderts waren eine große Theaterepoche, aber dem Theater des Geistes standen sie vergleichsweise

1959

Das religiöse Drama der Gegenwart

Das 19. Jahrhundert hat, wenn man von seinen romantischen Träumen und Süchten absieht, die Kluft zwischen Religion und Theater, die nach der Auflösung des barocken Weltbildes auf brach, noch vertieft. Die Schaubühne diente der Emanzipation des Menschen, ihr wurde seit Moliėre und Beaumarchais immer stärker eine gesellschaftliche Funktion zugewiesen. Die Psychologie trat an die Stelle des Glaubens. Der Künstler selbst isolierte sich im Aesthetischen. Daraus folgt die Situation des 20. Jahrhunderts: Keine Notwendigkeit mehr von Gott und Schicksal, die Deutung des Lebens ist subjektiver

1960

Groteske — Theater des Absurden

Absurd, widersinnig und ins Grotesk-Komische verzerrt ist die Gesprächssituation in Ionescos „Stühlen“. Ein seniles Hausmeisterehepaar plappert mit unsichtbaren Personen, die auf sichtbaren Stühlen Platz genommen haben. Der Zuschauer hört sinnlose Alltagsphrasen, die an wurmstichige Stühle gerichtet sind, hört ver-schliffene Wortklischees, die Holz, Abgestorbenem und Phantasmen gelten. Der Rumäne Ionesco führt in den „Stühlen“ eine Gesprächssituation rücksichtslos ad absurdum, eine Situation, die wir täglich frisch erleben können. Denn wer kennt nicht jene unverschämte

MAN LIEST WIEDER DRAMEN

Auch dem weniger aufmerksamen Beobachter des ständig einlaufenden Bücherangebotes wird es nicht entgangen sein, daß in den letzten Jahren die Diskussion um das Theater nicht mehr allein von der Bühne her geführt wird, sondern auch wieder vom Buch her, vom Drama. Unsere Zeiten haben sich soweit wieder normalisiert, daß die Frage um Wert und Bedeutung des Dramas nicht mehr ausschließlich vom Theaterbetrieb her aufgerollt wird, sondern eine intensivere Beschäftigung damit, auch von seilen des Publikums her, eingesetzt hat, wie sie nur durch den gedruckt vorliegenden Text ausgelöst werden

1961

Das moderne Bühnenbild

Dem bewegten Zeitgeist entsprechend löste zu Ende des 19.und Anfang des 20. Jahrhunderts eine literarische Revolution die andere ab. Was aber von allen Neuerungen am deutlichsten hervorsticht und noch bis heute seine Geltung hat, ist die Überwindung des Naturalismus, der, da er die Illusion des wirklichen Lebens geben wollte, als unkünstlerisch empfunden wurde. Kunst soll um der künstlerischen Aussage willen geschaffen werden, nicht zur Darstellung der Natur. Im Gegenteil, die Kunst schafft sich ihre eigene Natur. Eine gewisse Philosophie hat den Zweifel an der Wirklichkeit unserer Welt

1962

Der Nachholbedarf bleibt akut

NOTEN ZUR LITERATUR (II). Von Theodor W. A d o r n o. Bibliothek Suhrkamp, Frankfurt am Main. 235 Seiten. Preis 5.80 DM. - GRILLPARZERS DRAMATISCHER STIL. Von Joachim Kaiser. BRENTANOS POETIK. Von Hans Magnus Enzens-berger. BESCHREIBUNG EINER FORM (Versuch über Kafka). Von Martin Walser. Sämtliche in der Schriftenreihe „Literatur als Kunst“, Carl-Hanser-Verlag, München. Broschiert. Preis pro Band 10.50 DM. - E. T. A. HOFFMANN. Von Werner Bcrgengruen. SCHILLER. Eine Rede von Friedrich Dürrenmatt. Beide im Verlag „Die Arche“, Zürich. Preis 3.80 und 2.80 DM.Nicht allem der immer noch

1963

WEDER HOFFNUNG NOCH PRINZIP

Ceit nunmehr rund 20 Jahren weist das in seiner Vielfalt er-staunliche Theaterleben Österreichs eine Sonderform auf, der bisher eine größere Beachtung leider kaum zuteil wurde: das Studententheater. Dieser Begriff hat sich, wenn auch nur in Ausnahmen, als eine in bezug auf Stückzahl und Spielform ganz spezifische, soziologisch gesehen, einzigartige Gattung des Theaters unserer Zeit statuiert. Eine Gattung, deren Einfluß auf das Theater der „Professionals“ — bei entsprechender Anwendung von Mittel und Möglichkeiten — gewiß von Bedeutung wäre.Im Laufe dieser 20 Jahre hat sich,

Versuch einer Deutung

GLÜCKLICHE TAGE UND ANDERE STÜCKE. Von Samuel Beckett. Bibliothek Suhrkamp, 98. Frankfurt am Main, 1963. 150 Seiten. Preis 4.80 DM.Die schwere Aufgabe, Mensch zu sein, ist wohl in keiner Zeit so schwer zur Last und zum Problem geworden wie in der sogenannten Neuzeit. Denke wir zurück und betrachten wir die geistig-kulturelle Entwicklung der Selbstinterpretation des Menschen in unserer Tradition, so scheint auch hier, wie in vielen anderen, die große und gleichzeitig tragische Stärke des Menschen zu Anfang unserer Tradition, bei den Griechen, gelegen zu haben. Jedenfalls war nie die Angst

Literarische Ursprünge des Marxismus

FRANZÖSISCHES THEATER DER AVANTGARDE. Herausgegeben von Joachim Schondorff. Verlag Langen-Müller, München, 1963. 498 Seiten, Paperback, Preis 7.80 DM. - UND NEUES LEBEN BLÜHT AUS DEN KULISSEN. Von Manfred Vogel. Hans-Deutsch-Verlag, Wien-Stuttgart-Basel, 1963. 288 Seiten, Preis 160 S. — DRAMEN. Von Max Zweig. Hans-Deutsch-Verlag, Wien-Stuttgart-Basel. Band I, 362 Seiten, Band II, 312 Seiten. Preis 95 S je Band.

DER MENSCH WIRD GETESTET

Dieser Tage erklärte ein bekannter Berliner Theaterdirektor: „Man fragt sich als Bühnenleiter ,Wer spielt was?“, und setzt darnach die Stücke an.“ Damit ist der Generalzustand des deutschsprachigen Theaters gekennzeichnet. So sehr es aber gewiß notwendig ist, das anderswo Erfolgreiche nachzuspielen, so sehr erweckt nur die initiative Leistung überregionale Aufmerksamkeit.Doch betrachtet man die Aufführungen meist viel zu sehr als Einzelereignisse, während die Zusammenhänge, die das Zeitkennzeichnende erst so recht sichtbar machen, allzu unbeachtet bleiben. Nur selten werden sich

1965

T. S. ELIOT UND DAS DRAMA

}etzt, da Thomas Stearns Eliot, der zu England und Europa „konvertierte“ Amerikaner, die Welt der lebenden Literatur verlassen hat, ist die Zeit gekommen, sein erstaunliches Werk mit allen Widersprüchen als ein Ganzes zu begreifen. Es muß verlocken, die Beziehungen zwischen den Teilen, dem Frühen und Späten, dem Lyrischen, dem Essayistischen und Dramatischen sowie die Art, wie sie einander stützen, fördern und ergänzen, aufzuspüren. Eliot sah die höchste Möglichkeit und Würde der Dichtung darin, daß sie etwas von der Schöpfung, in die wir alle gestellt sind, gleichnishaft

THEATER ALS FORUM

Ein Gespräch mit Conny Hannes Mayer über „Die Komödianten“Ist die heutige Welt auf dem Theater noch abbildbar? Können die Probleme der Gegenwart auf die Bühne gebracht werden? Inwieweit ist das Theater gesellschaftliches Bedürfnis unserer Zeit? — „Die Komödianten“, sicherlich eine der originellsten Wiener Kleinbühnen, haben es sich zur Aufgabe gemacht, in diesen Komplex unbewältigter Probleme hineinzustechen. Was dabei getroffen wird, hat sich zu verantworten. Diskussionen nach den Vorstellungen sollen das Publikum daran interessieren. Conny Hannes Mayer — Lyriker,

OST UND WEST IM GESPRACH

Ist das realistische Theater noch zeitgemäß? Kann das heutige Drama Weltanschauung ausdrücken und trotzdem das Niveau eines Kunstwerkes haben? Hat das Theater des Absurden eine Zukunft? Ist abzusehen, wie sich das Theater weiterentwickeln wird? Kommt der Regie heute größere Bedeutung zu als früher? Kann das heutige Theater noch festlich sein? Wird das Theater durch das Fernsehen in seiner Wirkung beeinträchtigt? Beeinflußt das Fernsehen den Stil des Theaters? Diese sieben Fragen waren für Referate und Gespräche vorgeschlagen, die drei Vormittage lang von führenden Dramatikern,

NEUE JUGEND - NEUE SPIELE

Dieses Thema als Kennzeichen und Aufgabe eines Spielgruppentreffens ist das Symptom einer Entwicklung, die das österreichische Laienspielwesen in den letzten Jahren durchmacht und die in Deutschland zum Begriff „Amateurtheater“ geführt hat. Ob der neue Begriff auch eine neue Wirklichkeit meint, wird sich zeigen, geht diese Entwicklung doch organisch aus der Laienspielbewegung hervor. Also keine Revolution, sondern die Verdeutlichung gewisser Tendenzen, die wir hier aufzeigen wollen. Das Laienspiel der Jugendbewegung war vor allem Bekenntnis im Überschwang einer sich befreienden Jugend,

1966

ABSURDE FRAGEN UND SYNTHESEN

Was kommt nach der Absurden Welle? fraigt sich heute mancher nachdenklicher Theaterfreund. Besorgt der eine, weil er die kühnen, labyrinrthischen oder sich zumindest rätselvoll gebärdenden Spiele schätzt, mißtrauisch der andere, weil er ihre Vertracktheit vielfach als Bedrohung seiner eigenen Position empfindet, und mutmaßt, nur noch Schlimmeres müßte nachkommen. Zurecht steht bei der Frage, denn das „Theater des Absurden”, wie Martin Esslin es ‘benannt zu wissen wünscht (so auch der Titel seines Buches darüber), hat seine Höhepunkte ersichtlich hinter sich, ist von

DICHTER DER ABSURDEN WELT

Nichts trifft den phantasievollsten und eigenwilligsten unter den Avantgardisten des modernen Theaters, den Wahlfranzosen Eugene Ionesco (Jahrgang 1912), so empfind- lich wie die Behauptung, daB er absurde Stiicke schreibe, nur weil er gewisse Sinngebungen (Ideologien) der Existenz, die uns gelaufig sind, in Frage stellt. „Man hat mein Theater ein Theater des Absurden genannt. Das stimmt nicht. Mein Theater ist ein Theater, welches das Absurde denun- ziert (Theatre de la denonciation de 1’absurde). Ware ich ins Absurde vertieft, dem Absurden verfallen, konnte ich es gar nicht mehr

THEATER IN ZWÖLFFACHER SICHT

Manche Pariser Theater wirken mit ihren schmalen, winkeligen Gängen — nach rechts, nach links, hinauf, hinunter — wie verwunschene Schlösser. Das trifft auch auf das Théâtre de la Michaudière zu, in dem ich in einem kleinen, niederen Zimmer Felicien Marceau treffe, einen Autor dieses Hauses. Ein schlanker Mann sitzt mit gelassener Aufmerksamkeit vor mir.Ihm geht es in seinen Stücken spürbar darum, Wahrheiten so zu sagen, daß sie auch vom breiten Publikum aufgenommen werden, wodurch er den Gegensatz von Unterhaltungs- und Intellektuellentheater aufzuheben versucht. Felicien Marceau

BAROCK UND MODERN

Versuchen wir zunächst zu ordnen, was das Berliner Theater zu Saisonbeginn auf die Bretter stellte: „Dame Kobold“ (Calderön), „Der Menschenfeind“, „Troilus und Cressida“ hieß das Angebot der Barlog-Bühnen; auf den ersten Blick immerhin ein gezielt geplanter Überblick über europäisches Barock aus Spanien, Frankreich und England. Aber kein anderes Berliner Theater ließ sich von dem Fest wochenthema „Barock“ inspirieren. Ergänzungen brachten lediglich die Gastspiele: „Ein Sommemachtstraum“' (aus Hamburg, Schuh), „Der Bauer als Millionär“ (Wien, Steinboeck),

1967

Ionesco und Beckett in Salzburg

Natürlich sind „Die Nashörner“ von Eugene Ionesco gemeint Sieben Jahre haben sie gebraucht, um nach Salzburg zu kommen. Nim hatten Sie Im Salzburger Landestheater Premlere. Über das Erfolgsstück Eugene Ionescos ist genug geschrieben worden. Ich darf mich also damit begnügen, die Äußerung eines Salzbur-ger Tierfreundes und prominenten Tierschützers wiederzugeben; er warf nach der Vorstellung die Frage auf, was man hier eigentlich gegen die Nashörner habe und wie diese großartigen Tiere dazukämen, sich mit den Menschen vergleichen zu lassen. Das ist nicht von der Hand zu weisen.

1968

Der unbekannte Beckett

SAMVEL BECKETT. Auswahl in einem Band. Deutsch von Erika und Elmar T o p h o v e n. Suhrkamp-Verlag, Frankfurt am Main, 1967. 388 Seiten. DM 12.80.

Protest auf deutschen Bühnen

Ursprünglich wollte das Berliner Theatertreffen die „besten deutschsprachigen Inszenierungen jeder Spielzeit In Berlin versammeln; im Vorjahr ersetzte Friedrich Torberg das wertende Adjektiv durch „interessantesten ; in diesem Jahr sprach Henning Rischbieter für die Jury von den „wichtigsten" Aufführungen; deutliches Zeichen dafür, dafj sich weit mehr als die Kunst der Schauspieler, Bühnenbildner und Regisseure die Art des Zuschauens verändert hat. Sie ist politischer geworden; manchmal sogar schlechthin politisch. Die veränderte Aufnahme geht bis zum Grob-Handgreiflichen, so, als junge Leute während einer Aufführung in das Schillertheater gehen wollten, um aus dem Theaterstück gegen den Willen der meisten Besucher eine Hotstandsdiskussion zu machen. Von der Polizei wurden sie abgehalten, einige Scheiben der Eingangstüren gingen In Scherben. Politisierung aber auch während der Aufführungen durch Buh- und Zwischenrufe.

JENSEITS DES NATURALISMUS

Die Stücke, die nach dem letzten Krieg entstanden sind, versuchten vorwiegend Bereiche jenseits der äußeren Wirklichkeit darzustellen, um so ins Wesenhafte unseres Daseins vorzustoßen. Die französische Avantgarde — Beckett, Ionesco, Genet, Audiberti — war es vor allem, die sich hierin ausprägte. Doch seither ist eine Umkehr erfolgt, es gelangen mehr und mehr realistische, ja, naturalistische Stücke auf die Bretter, die keineswegs von Konventions- und Konfektionsschreibern stammen. Die Welle der antirealistischen Bühnenwerke ebbte ab.Doch ehe man diese Stücke dem Realismus oder

Ionesco als Regisseur

Die Theaterwelt war mit Recht gespannt: Ionescos Repiedebüt im Zürcher Theater am Neumarkt erregte schon Wochen vor dem eigentlichen Ereignis die Gemüter. Kaum eine Zeitung oder Rundfunkanstalt der Schweiz, die nicht im voraus bereitwillig Vorschußlorbeeren verteilt hätte. In diese Vorfreude mischte sich zuversichtlich die Erinnerung an Samuel Becketts „Endspiel“-Regie- triumph bei den letztjährigen Berliner Festwochen. Was Beckett gelang, sollte Ionesco doch auch zustande bringen!Die Optimisten sollten recht behalten: Ionesco erwies sich als Mei- sterregisseur. Dabei begann alles

KANN MAN HEUTE NOCH KLASSIKER SPIELEN?

Vor dem ersten Weltkrieg erstarrte die Wiedergabe der klassischen Dramen mehr und mehr in Routine. Erst Max Reinhardt gab diesen Stücken einen überraschenden Auftrieb. Das wirkte sich in unzähligen Inszenierungen, in einer völligen Umgestaltung der Spielpläne bis in die Gegenwart aus, so daß die Frage, Ob man heute noch Klassiker spielen kann, zweifellos provokant erscheint. Aber sie wird vielfach gestellt.Was sind Klassiker? Seit Gellius im zweiten Jahrhundert n. Chr. Schriftsteller ersten Ranges. Doch das Vorzügliche, Mustergülige umgrenzt nicht völlig, was wir unter dem Begriff

1969

Ist das Theater tot?

MACHT UND OHNMACHT DES THEATERS. Reden, Regeln, Rechenschaft. Ausgewählte Werke, Band VI. Von Ernst Lothar. Paul-Zsolnay-Verlag, Wien, Hamburg. 332 Seiten. S 130.—. . . .Es gibt kaum einen Theaterkritiker, der für diesen Beruf dermaßen vielseitige Voraussetzungen besitzt wie Ernst Lothar. Der heute Acht-undsiebzigjährige war elf Jahre lang Staatsanwalt, wurde Hofrat, er führte zehn Jahre hindurch die Literaturredaktion der „Neuen Freien Presse“, er schrieb zahlreiche, sehr beachtete Romane, er leitete zwei Jahre hindurch das Theater in der Josefstadt, sprach in den USA über

Avantgarde und Boulevard

Junge Autoren sind selten in Paris. Von Roland Dubülard koninte man ein neues Stück sehen: wiederum klein Leute, die sich mit einem undurchschaubaren Geschick herumschlagen. Im „Jardin aux betteraves“ (im „Rübenacker“ also) sind es die Mitglieder eines Streichquartettes; in einer eigenartigen Volkshochschule sollen sie sich zurechtfinden. Zu geplanter Auseinandersetzung mit dem Außen, dem Oben sind sie nicht fähig; sie zerstreuen sich in kleinlichen Streitereien nach innen, die sie nicht einmal zu ihrer Arbeit, der Probe, kommen lassen. Trotzdem klingt aus dem Stück so etwas

Mancherlei Ehen

Marguerite Duraserklärte, ein Bruch um des Bruches willen interessiere sie nicht. Handlung führe aber stets einen Bruch herbei. Nun, in ihrem Stück „La Musica“, das derzeit im Kleinen Theater der Josef- stadt aufgeführt wird, hat der Bruch zwischen zwei Eheleuten schon stattgefunden, sie treffen sich nach der Scheidungsverhandlung zufällig im gleichen Hotel. Ihr Gespräch ergibt das Stück.Mögen beide Teile auch neue Verbindungen eingegangen sein, so steht doch die Vergangenheit mit beiderseitiger Untreue, mit Selbstmordversuch und geplantem, aber nicht ausgeführtem Mord wieder auf,

1971

Arten, zu verstummen

Eines der größten Probleme der gegenwärtigen Kunstschaffenden ist die Verständigung. Noch niemals beispielsweise war die Kluft zwischen der Sprache der Dichtung und der der Kommunikation dienenden Sprache so groß, und vielen Autoren erscheint als die einzige Autgabe das Durchbrechen eines sich Entwicklungen mehr und mehr verschließenden riesenhaften Sprachfossils.

1973

Nicht nur regional denken!

Seit dem Zweiten Weltkrieg hat sich erstmals ein Wandel in den Spielplänen vollzogen. Der „Klassikersturz“ der letzten Zeit verursachte ihn. Besonders zeigt sich dies bei den Stücken Schillers. Die Zahl ihrer Inszenierungen ging von 50 in der Spielzeit 1966/67 vier Jahre später auf die Hälfte zurück. In der Zahl der Aufführungen wurde 1970/71 gegenüber 1959/60 nur noch ein Viertel erreicht. — Das läßt sich erklären: Die Neuinterpretationen der Klassiker aus der Sicht einer durch die Katastrophen unserer Zeit veränderten Welt haben sich erschöpft, Regieeingriffe zwecks Umfunk-tionierungen führten sich zum Großteil durch ihre Gewaltsamkeit ad absurdum. Da auch die in der NS-Zeit nicht gespielten ausländischen Bühnenwerke längst über die Bretter gegangen waren, mußte eine Fülle neuer Stücke herausgestellt werden, die aus anderen Herkunftsbereichen stammten.

1975

österreichische Dramatik: Situation 1975

Es gibt zwar in Österreich im Bühnensehaffen immer wieder vorzügliche Regieleistungen, aber sie haben nur regionale, kaum je überregionale Bedeutung. Sehr bezeichnend ist es da, daß die aufsehenerregenden Inszenierungen des^ Österreichers Hans Hollmann nicht in Wien oder in den Bundesländern, sondern in Deutschland und in der Schweiz entstanden. Auch die vielen ausländischen Regisseure am Burgtheater erreichen an dieser Bühne keine weiter reichende Wirkung. Überraschenderweise wurden aber von Österreichern erhebliche überregionale Erfolge auf einem Gebiet erzielt, auf dem man es noch vor zehn Jahren kaum vermutet hätte: in der Dramatik. Es sei deshalb von den Bühnenwerken gesprochen, die eben in diesem letzten Jahrzehntentstanden sind.

1981

Apotheose der Einsamkeit

„Kunst ist die Apotheose der Einsamkeit. Es gibt keine Kommunikation, weil es keine Mittel der Kommunikation gibt.“ Diese vor nahezu fünfzig Jahren in einem Essay über Proust formulierte Aussage könnte als prophetische Vorwegnahme des gesamten Werkes von Samuel Beckett gelten, der dieser Tage seinen 75. Geburtstag feiert.Galt in den fünfziger Jahren Becketts wohl bekanntestes dramatisches Werk „Warten auf Godot“ als Musterbeispiel des absurden Theaters, mannigfach gedeutet, interpretiert und ausgeleuchtet, erregten immerhin noch „Endspiel“ oder „Play“ in den sechziger

1992

Peter Handke oder Die Aura des Bleistifts

„Das Individuum ist Schauplatz eines ständigen Umfüllprozesses, eines Umfüllens aus dem Gefäß, das die träge, blasse und monochrome Flüssigkeit der zukünftigen Zeit enthält, in das Gefäß, das die Flüssigkeit der vergangenen Zeit enthält, bewegt und vielfarbig durch die Erscheinungen ihrer Stunden."

1996

Intellektuelles Puzzle

„Oh, dies ist ein glücklicher Tag, dies wird wieder ein glücklicher Tag gewesen sein." Diesen Satz Winnies aus Samuel Becketts „Glückliche Tage" /Stellt der alte Mann (Hans-Peter Mi-netti) in den Baum. Ihm gegenüber, sitzt Krapps Alter ego (Edwin Hirsch-mann), aus Becketts „Krapp oder Das letzte Band". Was dem alten Mann Leben ist, bedeutet für ihn Tod, was Wärme erfüllt ihn mit Ekel. Robert Quittas Inszenierung von „Beckett im Altersheim" konzentriert sich nur auf diese beiden Hauptfiguren. Assoziationen zu Beckett sind zulässig. Doch was die, über weite

2003

Machen Sie das Buch zu!

Sinn und Unsinn des Endes in der heutigen Literatur. von klaus kastbergerEs steht außer Frage und lässt sich in jeder individuellen Lektüre mühelos nachvollziehen, dass der Akt der Sinngebung am Ende von Büchern eine besondere Zuspitzung erfährt. Auf den letzten Seiten verdichten sich unsere Erwartungen nach einem Zusammenhang, und in den letzten Sätzen spitzt sich die Frage zu, ob uns das Werk am Ende doch noch als ein Ganzes erscheint.Am Ende der Lektüre spielen sich kleine Dramen ab: Die Ambivalenz des Aufhörens, Nicht-Aufhören-Könnens oder Aufhören-Müssens strahlen auf den

Sah vogelhaft aus

Annäherungen an Samuel Beckett.Im Jahr 1959 traf die junge amerikanische Lyrikerin Anne Atik in Paris zum erste Mal den irischen Dramatiker und Romancier Samuel Beckett. Er war der väterliche Freund ihres späteren Ehemanns, des israelischen Malers Avigdor Arikha. Bis zu seinem Tod 1989 blieb Beckett dem Ehepaar und seinen beiden Töchtern in inniger Freundschaft verbunden."Von Anfang an war mir klar - wie wohl jedem, der mit ihm zusammentraf -, dass dieser eigenwillige, unbeirrbare, hochgebildete, leidenschaftliche und zutiefst wahrheitsliebende Mann mit der eindrucksvollen Physiognomie

2006

"Keine Interviews geben"

Zum 100. Geburtstag von Samuel Beckett: Zwei unveröffentlichte Briefe und ihr Kontext.Auf den 28. Oktober 1960, einen Freitag, war im Pariser Théâtre de Lutèce die Frankreich-Premiere von Max Frischs "Monsieur Bonhomme et les Incendiaires" angesetzt. Das bewog Siegfried Unseld, der damals gerade etwas mehr als ein Jahr lang den Suhrkamp Verlag leitete, zu einem Parisaufenthalt, um einige Vorhaben voranzutreiben. Er konnte Samuel Beckett einige Projekte vortragen, ihn mit dem anderen Suhrkamp-Autor, Max Frisch, bekanntmachen und prospektive Autoren des Verlags (etwa den

2014

Radikale Skepsis gegenüber seinem Werk

Vor 25 Jahren, am 22. Dezember 1989, starb der Schriftsteller Samuel Beckett in Paris. In den Briefen, die er von 1941 bis 1956 schrieb, diskutiert er leidenschaftlich ästhetische Positionen der Kunst und erweist sich als genauer und sensibler Beobachter der Natur.

2016

Beckett und Mayröcker in Salzburg

Als mit Samuel Beckett der Existenzialismus absurd wurde, stand die Politik in der Krise. Jederzeit musste man damit rechnen, dass der finale Todesschlag gegen die Menschheit geführt würde. Der Zweite Weltkrieg war vorbei, der Schock von Auschwitz und Hiroshima saß den Menschen tief in den Knochen. In dieser Zeit der latenten Bedrohung und weggeschobenen Ängste, die für die Fünfzigerjahre so charakteristisch sind, schrieb Beckett das heute unvermindert beklemmend wirkende Drama "Endspiel", das nun bei den Salzburger Festspielen zu sehen ist.Vier Menschen warten - nicht auf Godot, von

2019

Patric Blaser

Minimalisierung und Verdichtung

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Patric Blaser