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Der Liedersänger Fischer-Dieskau

19451960198020002020

H. A. Fiechtner

Nach seinen drei Liederabenden, die der junge Berliner Bariton im Laufe einer Woche gab, wurde er von der Wiener Tagespresse mit den höchsten Qualifikationen bedacht, die eine so schöntim-brierte, in allen Registern gleichmäßig ausgebildete, vorbildlich gestützte und geführte jugendliche Stimme zu kennzeichnen vermögen. Und das Wiener Konzeitpublikum, in der Kunst des Liedgesanges von früher her sehr verwöhnt und zu höchsten Ansprüchen erzogen, bereitete dem jungen Orpheus ungewöhnliche Ovationen. Denn es war da noch etwas anderes als vollendete Technik und Fülle des Wohllauts. „Das ist das Geheimnis des Liedersingens“, schrieb 1915 der junge Alexander Berrsche: „Gleichmäßige innere Durchdringung zweier verschiedener künstlerischer Ausdrucksformen bei äußerer Unterordnung unter die Ausdrucksmittel einer einzigen Kunst.“ Und hier scheint die eigentliche Starke des jungen Sängers zu liegen: in der unmittelbaren und genauen, durch keine Reflexion gestörten Erfassung des Gehaltes, und der Stimmung der einzelnen Texte. Nach den Werten gefragt, aus denen er schöpfe, sagte Fischer-Dieskau, es sei „dieses stille, getroste, sterngläubige Vermächtnis unserer Kulturseele, das sich in den Namen und Werken der Dichter und Musiker spiegelt, diese Welt von Claudius, Goethe, Mörike und von Bach über Schubert bis Schumann und Brahms“. Von ihrem Ethos, von ihrer Ruhe und ihrem Lebensgefühl schwingt etwas mit in seinim Vortrag. Daß freilich der junge Künstler nicht nur den Balladenton Goethes in der Vertonung Schuberts ebenso sicher trifft wie die tra-jgisch-resignietende Stimmung der „Vier ersten Gesänge“ von Brahms und daß er auch in die geist-magische Sphäre von Goethes „Phänomen“ '(Hugo Wolf) einzudringen vermag, will uns fast wie ein Wunder erscheinen. Denn hier handelt es sich um Kunstwerke, die sich nur älteren, reiferen Interpreten zu erschließen pflegen — die dann freilich oft nicht mehr über die stimmlichen Mittel verfügen, das Erkannte — und Erlebte — musikalisch zu verwirklichen.

Sein Partner am Flügel war Jörg Demus, auch er dieser Welt durch Talent und Neigung innig verbunden, ein Klavierpoet, wie geschaffen, den Liedersänger zu unterstützen.

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1946

Die Situation der neuen Musik

Um die Jahrhundertwende kam, ähnlich wie bei ihren Schwenerkünsten Malerei, Tanz und Dichtung, Bewegung in das ver hältnismäßig stabile Gebäude der Musik. Nicht, als ob dies zum erstenmal oder plötzlich geschehen wäre: immer schon hat es Neuerungen und ' Revolutionen gegeben, in jeder Epoche wurden neue Räume entdeckt und erschlossen. Diesmal aber wurden die Fundamente erschüttert und verändert. Wir sagen dies nicht, nachdem wir neue Partituren studiert oder in musiktheoretischen Werken nachgelesen haben, was denn eigent lieh geschehen sei, sondern wir gehen von dem Eindruck und dem

Gustav Mahler und unsere Zeit

Vor 35 Jahren starb in Wien Gustav Mahler. Das bedeutet: wir blicken heute, da unser Gefühl und unser inneres Ohr geschärft sind für das wahrhaft Große und Wertvolle, aus dem Abstand einer Generation auf das Werk und die menschliche Person Mahlers. Sein Werk: zehn gewaltige Symphonien und eine große Zahl beglückend schöner Lieder, die sieben Jahre lang verboten waren und für immer ausgelöscht sein sollten, gilt es, als unverlierbaren Besitz zu erwerben, indem wir sie wieder hören. Mahlers faszinierende Persönlichkeit, der geniale Dirigent und Hofoperndirektor, wirkt lebendig fort in

Evangelische Kirchenmusik

Anläßlich der kürzlich stattgefundenen Evangelischen Kirchenmusikalischen Woche in Wien geben wir nachfolgender Darstellung Raum. „Die Furche“Ungezählten Menschen ist Johann Sebastian Bachs „Matthäus-Passion“ seit ihrem Entstehen zu einem Quell seelischer Kraft und Erbauung geworden. In ihren Chören, Arien, Rezitativen und Chorälen ist sie geradezu eine Summa musicae evangelicae und zeugt damit für künstlerische Kräfte, die dieser Kirchenmusik innewohnen.Es kann aufschlußreich sein, einmal Wesen und Bedeutung dieser jüngeren Schwester der geistlichen, kirchlichen Musik

Wiener Kirchenmusik — Erstarrung oder Leben?

In der ausführlichen Besprechung von Josef Lechthalers jüngstem sakralen Tonwerk, der „Missa Gaudens gaudebo“, gab Universitätsprofessor Dr. Leopold Nowak in Nr. 30 der „Furche“ gewissen kritischen Vorbehalten gegenüber den kühnen Vorstößen moderner Kirchenmusik „in unbekanntes Neuland“ Ausdruck, er sprach einer gewissen Problematik nicht die Daseinsberechtigung ab und anerkannte es als notwendig, daß ein Werk, das neue Wege weist, „auch den Mut hat, Ungewohntes zu sagen und darin liege ein Mut, der anerkannt werden muß“. — Das positive Element, das dem Aufbruch zu neuen Wegen der Kirchenmusik innewohnt, stellt in den nachstehenden Ausführungen der angesehene Praktiker der Wiener kirchenmusikalischen Kunst heraus. Wir halten es für unsere Aufgabe, auf diesem vornehmen Gebiete religiöser Kunst den lebendigen wissenschaftlich-empirischen Austausch der Argumente zu fördern.„Die Furche“

Das musikalische Antlitz der Salzburger Festspiele 1946

Wir haben in der kritischen Betrachtung über die Schauspiel- und Opernaufführungen der diesjährigen Salzburger Festspiele bereits darauf hingewiesen, daß es wohl meisterhafte Darbietungen gab, daß das Niveau trotz der außerordentlichen Schwierigkeiten, die sich im Kleinsten wie im Großen immer wieder entgegenstellten, erstaunlich hoch war und daß, trotzdem verschiedene zeitbedingte Schwächen aufschienen, der Gesamteindruck befriedigen konnte. Das gleiche läßt sich allgemein auch von den musikalischen Veranstaltungen sagen. Vieles trug festlichen Charakter, vieles ließ saubere,

Ein Künstlerleben

„Wenn ich nach Wien komme, führt mich einer meiner ersten Wege hinaus auf den Zentralfriedhof zur Grabstätte von Johannes Brahms. Bevor ich noch diesen riesigen Totenacker betrete, ergreift mich die Rührung bei der Erinnerung an den Meister, der mir Leitstern und Führer wurde für mein künstlerisches Schaffen. An der Stätte, die alles birgt, was an Brahms sterblich war, finde ich die innere Ruhe, aus der mein eigenes Schaffen neue Kraft zieht, wie seine Musik mein eigenes Gestalten immer und immer wieder befruchtet. Auch Heiligenstadt, dort wo Beethoven sein künstlerisches Testament

Spiel der Linien und der Farben

Schon nach dem ersten Weltkrieg war in der Musik die Tendenz spürbar, sich von der Gefühls- und Empfindungsweise des romantischen und nachromantischen Zeitalters zu lösen. Hand in Hand damit ging die Einschränkung der Aufführungsmittel: vom Riesenorchester eines Strauß und Mahler zur kammermusikalischen Besetzung, von der großen Ausstattungsoper zur „Kammeroper“, vom vielgliedrigen Apparat des Oratoriums zum „Kammeroratorium“. Gleichzeitig erfolgte ein Rückgriff auf vorklassische, zum Teil sogar vorbachische Formen und die Rückkehr zur linearen Schreibweise, die gegen die

Erneuerung der klassischen Formen

In dem Zyklus „Ausländische Meisterdirigenten“ interpretierte der englische Dirigent italienischer Abstammung John Barbirolli mit den Philharmonikern die „En i g rh a“ - Va r i a t i o n e n von Edward Elgar. 1857 geboren und 1934 gestorben, steht Elgar zwischen zwei musikalischen Epochen. Die vor allem während der Klassik und Romantik beliebte Form der Variation bereichert Elgar um ein sehr gepflegtes Stück, das allerdings, mehr durch die Qualität seiner Dar-stellungsmittcl als durch Ursprünglichkeit und Genialität der Eingebung fesselt. Neu an dem unter Hans Richter 1899. in

Musik der inneren Welt

Was der Kammermusik ihren edelsten Wert gibt, ist nicht nur, daß sich auf ihrem Feld der Meister in der Beschränkung der Mittel zeigt. Kammermusik, zu der in weiterem Sinn auch das Lied und manches Klavierwerk gehört, führt uns vor allem den Weg nach innen, in den reinsten Bezirk der Seele.Wie groß die Vielfältigkeit des Erlebens und der Darstellung sein kann, auch wo nur ein paar Streichinstrumente aufgeboten sind, das wird offenbar, wenn man im Laufe der Wochen verschiedene Quartettvereinigungen spielen hört. Sehr lehrreich, wie Mozart im Vortrag des C a 1 v e t-Quartetts nach der

Geistige Wandlungen bei Beethoven

Das Jahr 1792 verzeichnet die endgültige Ankunft des jugendlichen Fremdlings aus Bonn in “Wien. Mozart, aus dessen Herz die klassische Musik den Schmelz der letzten Vollendung empfangen hatte, war kurz zuvor in sein unbekanntes Wiener Grab gesunken. In den folgenden Jahren bereitete sich in der jungen Feuerseele Beethovens jenes Phänomen vor, das wie in einem elementaren Vorgang das Antlitz der Musik erneuern sollte. Nur iri bewußtem Abstand, um nicht zu sagen Gegensatz zu allem Vorgefundenen, also in revolutionärer Haltung, konnte die Energie zu einer solchen Neuschaffung, wie sie im

Unverlierbares Erbe

Während der vergangenen Wochen und Monate wurden an dieser Stelle zahlreiche Werke der neuen und neuesten Musik besprochen, und neben den Kompositionen der einheimis.chen Tondichter nahmen die der ausländischen einen' breiten Raum ein. Ausländische , Dirigenten, Solisten und Ensembles vermittelten uns das Schaffen ihrer Landsleute in authentischen Aufführungen, und es war für uns notwendig — und häufig auch erfreulich —.alles jene Neue kennenzulernen, das während der letzten Jahre außerhalb unserer Grenzen entstanden war und das man uns bisher vorenthalten hatte.Immer aber war

1947

Schuberts Arbeitsweise

Im Schatten des Titanen Beethoven fühlte sich und steht noch heute Franz Schubert. Mit den von ihm geliebten Dichte* Hölty und Novalis, mit Wackenroder, Kleist und Raffael, mit Pergolesi und Mozart sehen wir ihn in dem tragischen Kreise der Frühvollendeten: er starb im einunddreißigsten Jahre, und Grillparzers Grabschrift spricht von den „noch viel schöneren Hoffnungen“, die der reiche Besitz erweckt habe. Er selbst hatte, scheidend, die Hand auf eines großen Theoretikers Türklinke gelegt, um sich* für die hohen Pläne zu rüsten, die ihn beschäftigten, nachdem er ein

Virtuosen und Virtuosenkonzerte

„Eindrücke, starke, ijinerlich tiefeingreifende Eindrücke zu wecken„ das aber ist die Aufgabe und gleichzeitig der Lohn des reproduzierenden Künstlers, der in seiner höchsten Vollendung dann dem Sinn des Wortes gemäß den Beinamen Virtuose erhalten darf.“ Virtuosus, der Tugendreiche: in'der Tat eine ehrenvolle und verpflichtende Bezeichnung! Worin diese Verpflichtung des Virtuosen, des ausübenden Künstlers im allgemeinen, besteht, ist in dem zitierten Wort Hans v. Bülows mit aller Deutlichkeit ausgesprochen: er soll mit Hilfe seiner Technik die Erlebniswerte des Kunstwerkes zur

Interpretation und Wiedergabe

Das Gedächtniskonzert zum 50. Todestag von Johannes Brahms unter Hans Knapperts-busch und das Auftreten der französischen Geigerin Ginette Neveu in diesem und in zwei eigenen Konzerten geben Anlaß, uns mit der Frage der Wiedergabe und der Interpretation des musikalischen Kunstwerks zu befassen. Allein schon die Tatsache, daß nach diesen Veranstaltungen viel mehr von den reproduzierenden Künstlern (und unter diese zählt auch der Dirigent) gesprochen und geschrieben wurde als von den erhabenen Werken des großen Meisters, dessen Gedächtnis das Konzert gewidmet war, zeigt das Übel an

Von jungen Musikern

Eine bedeutende junge Geigerin, Pina Carmirelli, spielte in einem schlecht besuchten Saal ein sehr ernsthaftes Programm: Bach, Busoni, Szymanowski, de Falk. Sie spielte mit einer starken und doch gezügel-ten Leidenschaft, musikalisch und virtuos zugleich, doch herrschte das Musikalische; ja, sie mied gewohnte Wege, gab sich den Problemen von Busonis zweiter Sonate hin, die in ihrem großartigen Ansetzen und ihrem ergreifenden Versagen ein so zwingendes Selbstbildnis ihres Autors malt. Da war kein Versuch, zu blenden, kein Werben um Beifall. Die junge Italienerin ist eine von denen, die

Verheibung und Erfullung

Was wir gemeinhin „neue Musik“ nennen, ist nicht von heute und nidit von gestern. Sie beginnt für die meisten Hörer etwa mit Reger und Debussy, für die junge Generation mit jenen Werken, die nach dem ersten Weltkrieg entstanden So umfaßt die neue Musik eine Fülle von Namen und Kompositionen, die im Rahmen eines vierzehntägigen Musikfestes auch nicht annähernd vollständig vorgestellt werden können. Auch ein charakteristischer Querschnitt ist — wegen des fehlenden Notenmaterials und im Hinblick auf die Aufführungsschwierigkeiten — kaum möglich. Es waren Proben aus dem

Die Jugend und das Laienspiel

Die Jugend, die während des Krieges in den entscheidenden Jahren der Entwicklung stand, kannte keinen unbeschwerten Frohsinn, keine Feste; in einer Welt, die von Krieg, Todesqual,' Jammer und Haß beherrscht wurde, empfingen die jungen Menschen ihre Eindrücke. Ihnen wieder Freude zu geben, ihnen zu zeigen, wie sie selber ihre Feste feiern können, ist eine wichtige Forderung, deren Erfüllung allen am Herzen liegen muß, die an der geistigen Aufrichtung der neuen Generation teilhaben.Nach dem ersten Weltkrieg erstand aus dem Elend eine Jugend, die mit ihrem eminenten Spieltrieb an der

Romantik zwischen zwei Kriegen: Ferdinand Andergassen

Die in den weniger als zwei Jahrzehnten zwischen Bruckners Tod und dem Ausbruch des ersten Weltkrieges heranwachsenden Komponisten wurden Stiefkinder des Schicksals; sie hatten ein in seiner Vielfalt außerordentlich diffiziles musikalisches Weltbild erstudiert und fanden nach dem Kriege die Welt so verändert, daß sie mit dem Erworbenen nicht ausreichten. Vom Tristan-Erlebnis herkommend, hatten sie das Werk Bruckners und Brahms' in sich aufgenommen, waren von den großen Lebenden Gustav Mahler, Richard Strauß und Max Reger bereichert und von den Ausländern Debussy und Puccini stärker, als

Heimat und Welt

Der Genius des Landes zwischen Süden und Norden, Osten und Westen offenbart sich auf das Sublimste in der Musik Mozarts; die Melodie der Landschaft durch-klingt von der ersten bis zur letzten Note das Werk Schuberts; in Bruckners Symphonien erblicken wir die Monumentalisierung des österreichischen Barocks. In diesen drei Meistern prägt sich vor allen andern die ganze-Vielfalt und Eigenart der österreidii-schen Musik am entschiedensten aus. So empfinden wir selbst es, und so sieht uns die Welt. Das Werk dieser Meister zu pflegen wird immer eine der Hauptanliegen unserer Musiker und

1948

Die Etappen der zeitgenössischen Musik

Daß neues Kunstschaffen, besonders neue Musik, nicht ohne weiteres aufgenommen und verstanden wird, daß sie dem Nichtverstehen in allen Schattierungen von gutwilliger Ratlosigkeit bis zu leidenschaftlicher Anfeindung ausgesetzt ist, das ist eine altgewohnte Erscheinung, für die sich in der Musikgeschichte zahllose Belege finden. Wenn sich solche Umstände jedoch in neuerer Zeit, zum aber in der Gegenwart, immer nachdrücklicher, offensichtlicher und gehäufter bekunden, so hat das zunächst seinen Grund in der soziologischen Umwandlung des Musiklebens, durch welche die Diskussion auf eine

Musikerziehung im Konzertsaal

Das bildnerische, wenn man will, erzieherische Moment öffentli-her Vorfühtungen ist im Musikleben von größter Bedeutung und seine gelegentliche Betonung daher berechtigt. Ist es doch nie der Lernende allein, der lernt, vielmehr rückwirkend der Lehrende in gleichem Maße. Dieser Erkenntnis trägt, zunächst als hübsches Geschenk für unsere Kleinen, das Sammelwerk „Die Sonatine“ Rechnung, aus dessen drittem Band (Zeitgenössische Komponisten) der Mitherausgeber Erwin Christian Scholz in einem Hauskonzert des Verlages Döblinger einige Proben spielte. Die leichtfaßliche und

Im Spiegel der Temperamente

Wiederholt wurde an dieser Stelle ausgesprochen, daß der Maßstab einer reproduktiven künstlerischen Leistung in erster Linie das dargebotene Werk ist. Je mehr es dem Nachgestaltenden gelingt, den Gesamtstil und das Detail einer Komposition zu erfassen und je zwingender er diesen Eindruck auch dem Zuhörer zu vermitteln vermag, um so höher ist seine Leistung zu werten. Die Voraussetzung hiefür ist die einwandfreie Beherrschung alles Technischen. Die ideale Leistung kommt freilich erst dort zustande, wo eine gewisse — oft weitgehende — Ähnlichkeit oder Angleichung des Reproduzierenden

Interpreten und Gestalter

Als das pianistische Erlebnis dieses Jahres darf Wilhelm Backhaus’ Beethoven- Abend bezeichnet werden. Im Spiel dieses Meisters ist die Materie schlechthin überwunden. Ohne alle äußeren Attribute der Klavierlöwen — weder das gestische Pathos noch das genialische Wogen des Oberkörpers sind vorhanden —, mit ruhigsten Händen, aber bewegtestem Geist gestaltet, nicht interpretiert er Beethoven in drei gewaltigen Variationen seiner Sonatenkunst (op. 31, 57, 106) in ebensolcher Wahrheit des Ausdrucks als formaler Vollendung und unbetonter und doch um so stärker wirksamen

Meister der Töne und des Wortes

Audi in guten Zeiten gibt es magere Konzerte, Revuen des Durdischnitts, vom Glanz des Hauses stärker belebt als von !der eigenen Leistung. Nur daß sie in guten Zeiten eben versdimerzbar sind, künstlerisch und kommerziell in der Spesenrechnung aufgehen. Erst wenn sie überhand nehmen und die „großen Abende” selten werden, überlasten sie die Spesen und das Wort von der Krise wird zum Schlagwort. Das Publikum hat ein untrügliches Gefühl für die seelische Substanz der Musik, vermerkt deren Verdünnung, die Veräußerlichung des Kunstbetriebes auf der Debetseite und bleibt fern. Gebt

1949

Das III. Internationale Musikfest

Im Unterschied zu den letzten beiden Jahren standen auf den meisten Programmen des heurigen Musikfestes zeitgenössische und ältere, klassische Werke nebeneinander. Das gab oft harte Kontraste, bot aber auch interessante Vergleichsmöglichkeiten und trug dazu bei, die Basis dieser Veranstaltungen zu verbreitern, ein zahlreicheres Publikum anzulocken. Es ist vor allem der strenge Ausleseprozeß, der gegenwärtig das Gesicht des Musiklebens bestimmt, andererseits der Versuch zahlreicher moderner Komponisten zur Synthese, welche dazu beitragen, das Publikum von der Angst vor der neuen Musik zu

1950

Ersatz für Neues

Unter diesen Titel hätte man auch den Bericht der vergangenen Woche über die Premieren der Staatsoper stellen können, die in der vergangenen Saison „Martha“ statt „Mathis“ und in der gegenwärtigen die „Kathrin“ statt der „Klugen“ auf den Spielplan gesetzt hat. In den Konzertsälen, wo man dem Neuen nicht mehr in so weitem Bogen ausweisen kann, werden kunstvolle Haken geschlagen, indem man ab und zu zeitgenössische Werke spielt, die freilich eher au der Nachhut als von Vertretern der Avantgarde zu tammen scheinen. Diese Förderung des Mittelmaßes und desEpigonentums dient

1951

Abschied vom Schneiderhan-Quartctt

Durch ein vorbildlich ausgeglichene und edle Interpretation von Zoltan Kodälys 2. Streichquartett op. 10 zwischen Mozarts K. V. 590 und Beethovens op. 132 unterstrich das Schneiderhan-Quartett an •einem letzten Abend die Größe des Verlustes, der durch seine Auflösung auch dem zeitgenössischen Kammermusikschaffen erwächst, das, so untergeordnet es quantitativ an den Programmen beteiligt gewesen sein mochte, ebenso wie der traditionelle Musikschatz seinen besten heimischen Klangkörper verliert. Ein nicht geringerer Verlust erwächst dem Publikum, und die Gesellschaft der Musikfreunde

Chöre aus Dänemark und Amerika

Praetorius, Senfl und Melchior Frank, Schütz, Isaac und Leo Haßler: man kann es kaum glauben, daß ihre Kunst während der klassisch-romantischen Periode fast ganz in den Schatten verdrängt war und erst — von einzelnen früheren Wiederbelebungsversuchen abgesehen — durch die Jugendbewegung kurz vor und nach dem ersten Weltkrieg neu entdeckt wurde. Ihre Chöre, meist geistlichen oder volkstümlichen Charakters, bilden zusammen mit den Chorälen und Choralmotetten von J. S. Bach den Grundstock jedes ambitionierten Chorprogramms in der Gegenwart. Man mag manches an der zeitgenössischen

1952

Bewährung auf Wiener Boden

Die diffizilere Wirkung 6olistischer Kunst vor dem Ensemble beruht über verfeinertes und gesteigertes technisches Können hinaus auf subtileren seelischen Spannungen und der sie (und damit die Intensität des Erlebnisses) vermittelnden Persönlichkeit des Interpreten. Letztere allein vermag beispielsweise verstaubte, überlebte Verse in vollendeter Gesangskunst, die immer auch eine Kunst der Textgestaltung ist, wieder gegenwärtig zu machen, wie es Dietrich Fischer- Dieskąu in Schuberts Zyklus „Die schöne Müllerin“ so überzeugend gelang, daß man wieder einmal versucht war, Schubert

1953

Musik über den Rubriken

Die Reihentechnik der Konzertprogramme hat sich im Gegensatz zur kompositorischen bei uns rasch durchgesetzt. Sie versucht die Musik in eine „Viva“ und „Nova“ zu gliedern, „Klassisch-Romantisch-Modern“ gegeneinander abzuheben — und wirft damit einen belebenden Funken in die Programmbildung, auch wenn die Klassifikationen nicht immer genau stimmen, weil die Musik lebendiger ist als alle Rubriken.Im Zyklus „Klassisch-Romantisch-Modern“ der Ravag (Symphoniker unter Swarowsky) erlebte man die 2. Symphonie von Johannes Brahms in ihrer landschaftlichen Gebundenheit als klassisches

1954

Musikfest: Neue Chor- und Orchesterwerke

Im Chorgesang begegnet die neue Musik Schwierigkeiten technischer und klanglicher Natur, die, im Instrumentalen spielend überwindbar, hier bis an die Grundlagen rühren. Wir meinen zuvörderst das Intonationsproblem. Es geht beispielsweise an (und nicht selten über) die Grenzen des Kontrollierbaren, dissonante Hochspannungen wie Septen- und Nonenfortschreitungen oder Sekundenpar- allelen fortgesetzt einwandfrei sauber zu vokali- sieren. Der Sington kann nicht wie der des Instruments durch Griffe oder Klappen gesichert, gleichsam gesperrt werden, und die im Streben nach Lösung gespannte

Neue Werke von Trapp, Haba und Berger

Die Wiener Philharmoniker stellten an den Anfang ihres ersten, von Hans Knap- pertsbusch geleiteten Konzerts das „Konzert für Or ches ter Nr. 3" op. 50, von Max T r a p p, Jahrgang 1887 und Professor am Städtischen Konservatorium in Berlin. Das dreiteilige Werk bedient sich traditioneller Formen (1. Satz: freie Sonatenform, 2. Lentosatz mit lyrischem Thema und Trauermarsch, 3. Rondofinale). Das gediegene, die Linie Reger—Strauss kaum überschreitende, bläsergewaltige Stück erlebte vor kurzem in München seine Uraufführung unter dem gleichen Dirigenten und wurde auch vom

1957

Karajan, Krips und Hollreiser am Pult

Der Kreis der großen Bruckner-Dirigenten ist sehr klein. Ferdinand Loewe und Franz Schalk gehörten dazu, Andreae und Schuricht sind in der Gegenwart die Vertreter dieser Tradition. Karajan nähert sich dem Phänomen Bruckner von der technischen Seite — und kommt sehr weit, wenn auch nicht ganz bis ans Ziel. Aufbau, Dynamik und — worin er sich besonders auszeichnet — Klang lassen keinen Wunsch offen. Er führt das großartig spielende Orchester der Symphoniker so, daß auch für die Choralapotheose des Finale noch Kraft übrigbleibt. (Gespielt wurde die Originalfassung der 5. Symphonie,

Deutscher Madrigalchor und Ödipuslegende

Der aus Stuttgart kommende Süddeutsche Madrigalchor, aus 32 durchweg jungen Mitgliedern bestehend, sang im Mozart-Saal unter seinem ständigen Leiter Thomas Christian David (dem Sohn des bekannten Komponisten) vier Motetten von J. S. Bach: „Singet dem Herrn”, „Komm, Jesu, komm”, „Der Geist hilft unsrer Schwachheit auf” und „Jesu, meine Freude”, mit dem rührend naiven und tiefgläubigen Text von J. Franck. Das Ensemble besitzt alle Qualitäten eines deutschen Spitzenchores, Qualitäten, die das Resultat strengen Trainings und disziplinierter Kunstbegeisterung sind: vollkommene

Aus der Hexenküche der Musik

Hexenküche der Musik. Von Kurt Blaukopf. Verlag Arthur Niggli. Teuffen-St. Gallen- Wien. 176 Seiten. Preis 75 S.Gibt es eine musikalische Weltsprache? (Ist unser Tonsystem das einzig mögliche?) Wie laut war Mozarts Welt? Wie beeinflußt der Raum die Musik? (Klingt, zum Beispiel, im Großen Musikvereinssaal Brahms oder Strawinsky besser?) Was ist Schlagwort, was Wirklichkeit bei „High Fidelity“? Welcher Unter- chied besteht zwischen konkreter und elektronischer Musik? — Es geht dem Autor, wie man sieht, nicht um Stile und Richtungen, nicht um Fragen der Form oder der Komposition,

Ein neues Werk von Frank Martin

Nach jahrelanger Arbeit an seiner Shakespeare- Oper „Der Sturm”, die während der letzten Festwochen in Wien uraufgeführt wurde, verordnete sich Frank Martin eine Entwöhnungskur vom Genuß der Zauberexiliere und schrieb für Paul Sachers Basler Kammerensemble die „Et-üden für Streichorchester”. An Stelle des Dichterwortes und der magischen Verlockungen der Instrumentationseffekte treten die kargeren, aber vielleicht edleren Gegebenheiten des reinen Streichersatzes und die Erfindung technischer Aufgaben. — Nach einer kurzen dreiteiligen Ouvertüre bringt die 1. Etüde in

Primadonnen in Oper und Konzert

In der Staatsoper hörten wir — nach „Lucia di Lammermoor“ und „Othello“ — die dritte italienische Oper mit Gästen von der Mailänder Scala. Anto- nietta Stella in der Titelpartie der „A i d a“ war eine bildschöne äthiopische Königstochter und überzeugte vor allem in den lyrischen Partien. Giulietta S i m i o n a t o (Amneris) besitzt eine große Stimme, einen echten dramatischen Alt, und eine zuweilen etwas naturalistische Diktion. Sehr imposant; Franco Corelli als Radames; ein starkes, nicht immer vollendet schönes Organ, jeder Zoll ein Feldherr (auch vor dem Vorhang).

1958

Unerfüllte Hoffnung

Im Burgtheater in Wien fand einige Tage nach der Geburt des Thronfolgers eine Festvorstellung statt. Als sich der Vorhang gehoben hatte, schrieb Frau Julie Rettich, eine damals bekannte und beliebte Tragödin, als Muse der Geschichte mit goldenem Griffel auf einen Marmorstein das Datum „21. August 1858“ und deklamierte: „Hier steht das Jahr, der Tag hier eingegraben / Der Rest der Tafel aber bleibe leer / Denn ich muß Raum für seine Taten haben / Und Großes, ahn ich, schreib ich noch hierher.“Der Rest der Tafel blieb leer. Der Erbe der habsburgischen Länder verschwand von der

1959

Solistenparade

Das fünfte Konzert des Zyklus Die; große, Symphonie wurde vom ddm =Bukartstiften Constantin Silvestri geleitet: einem untersetzten Herrn in mittleren Jahren, der zunächst etwas schulmeisterlich wirkt. Aber das gewählte Programm hatte bereits für ihn gesprochen. Debussys klang- h zauberische „Nocturnes” wurden fein und mit großer Akkuratesse musiziert, und Dvofäks selten gespielte Vierte, ein vitales, melodietrfülltes, zuweilen etwas tumultöses Werk, fand in Silvestri und den Wiener Symphonikern virtuose Interpreten. Im Zentrum des Programms und der Aufmerksamkeit stand das recht

Neue Kirchenmusik in Deutschland

Die großen Entscheidungen der Kirchenmusik unseres Jahrhunderts fallen in dessen drittes Jahrzehnt. Hier entsteht aus der Dynamik der geistigen Strömungen eine neue Kunst. Den Geist, den manche Hymnen Werfels atmen, oder der in den späten Dichtungen Rilkes begegnet, könnte man säkularisierte Religiosität nennen. Aehnlich liegt es bei den bildenden Künsten: deutsche Maler, wie Nolde oder Dix, greifen religiöse Themen auf, ohne daß’ ihre Werke etwa in dem gleichen Sinne als religiöse Kunst bezeichnet werden könnten, wie dies wohl bei Rouault, für die Plastik oft bei Barlach

„Stabat mater“ und „Missa choralis“

'Wie sehr '’Franz ’4 PSi W4 un3’;hebeif’'äen ,rßfe-' Strebungen des Allgemeinen Deutschen Cäcilien-Ver- eines von sich aus eine Reform der Kirchenmusik anstrebte, beweist (weit mehr als seine großen Messen) seine Missa choralis für Chor und Orgel — 1865 komponiert —, die einem erhabenen Sakralstil zustrebt, der freilich durch die romantischen Chromatismen, sowie durch das Mißverhältnis zwischen diesen und den gregorianischen Themen nicht ganz erreicht wird, dennoch, soweit die nicht geringen Forderungen an Intonationssicherheit erfüllt werden, ein ebenso persönliches wie

Paris - München - Zürich - Rom

Es bedeutete ein Wagnis, an einem Abend zwei so bekannte und eigengesichtige Quartettvereinigungen wie die Pariser Loewenguths und die Münchner S t r o ß - Leute zusammenzuspannen. Aber das Mendelssohnsche Oktett in Es, selten genug zu hören, eine der schönsten Gaben des Komponisten, gewann gerade durch die Vereinigung der acht Künstlerpersönlichkeiten. Die polyphone Art des Werkes leuchtete bereits im ersten Satz auf, jede Stimme hatte ihren eigenen, wohlausgewogenen Wert, und vollends entzückte das Scherzo mit seinen virtuosen Streicherkünsten. Während das Stroß-Quarteti eine

Händel — Haydn — Mendelssohn

Die drei Großmeister des Jahres 1959 sind denkbar verschiedene Temperamente gewesen. Der 16jährige Studiosus juris Georg Friedrich Händel übte als „lutherisches Subjectum“ den Organistendienst in Halle, der 16jährige Haydn wurde als Mutant von den St.-Stephans-Chorknaben verwiesen und gelangte nach großer Not als Kammerdiener und Faktotum zum italienischen Sänger Porpora, der ihn statt eines Entgeltes für Domestikendienste in Theorie unterrichtete, der 17jährige Primaner Felix Mendelssohn schrieb die Sommernachtstraum-Ouvertüre, in der Reihe seiner Meisterwerke das Vollendetste

1960

Salzburger Festspiele 1960

Das moderne Werk der Salzburger Festspiele 1960 wird das „Mystere de la nati-viti“ vom Frank Martin sein, das am 23. Dezember 1959 in Genf zur konzertanten Uraufführung kam, im neuerbauten Salzburger Festspielhaus aber seine erste szenische Wiedergabe erfahren wird. *Seit etwa 15 Jahren hat der in der Nähe von Amsterdam lebende Schweizer Komponist Frank Martin wie kaum ein anderer Meister seiner Generation das österreichische Publikum in seine Fesseln geschlagen. Dieses Phänomen verdient Beachtung, hegt doch der österreichische Hörer, noch über seine allgemeine Vorsicht in der

UMGANG MIT ALTER MUSIK

Der Autor dieses Artikels, Nikolaus Har-noncourt, ist der Gründer und Leiter des CONCENTUS MUSICUS, eines Ensembles, das größtenteils aus Mitgliedern der Wiener Symphoniker besteht und das sich seit acht Jahren ausschließlich der Interpretation alter Musik (vom Beginn der Mehrstimmigkeit bis etwa 1S00) widmet.

Die Prager und die Warschauer Philharmonie

Gustav M a h I e r formte das Profil dieser Konzertwoche mit zwei seiner Riesensymphonien, Josef Krips interpretierte mit den Symphonikern und dem Singverein' (Solisten Theresa Stich-Randall und Ursula Boese) die Zweite, deren Name („Auferstehungssymphonie“) ihren geistigen Inhalt ausspricht: Ich werde sterben, um zu leben. Die Wiedergabe atmete die Liebe und Hingabe eines großen Dirigenten an den großen Komponisten, der vor 100 Jahren geboren und 1911 gestorben ist, seither einige Male vergessen und auferstanden, angefeindet und geliebt wurde. Heute streift sein Werk alles Zeitgebundene

ALTERNATIM UND COLLAPARTE

Das Wiederaufgreifen alter Formen ist eine der wichtigsten Quellen musikalischer Erneuerung. Nach der nahezu bis zur Auflösung reichenden Lockerung formaler Elemente, die seit den Tagen der Romantik und des Impressionismus sich immer mehr ausbreitete, sind seit geraumer Zeit gegenteilige Strömungen wirksam, die im energischen Zurückgreifen auf formale Strenge die Musik, die vor allem „tönend bewegte Form“ ist, wieder in ihrem eigentlichen Sinn erneuern, aus ihrem eigenen Wesen heraus beleben wollen.An diesem bewegten Leben einer nicht immer geradlinig verlaufenden Entwicklung hat die

1961

Saul und Salomo

Seitdem sich — es siptLfast gfcnailbaäerf zig Jahre her — der Göttinger Kunsthistoriker Hagen nachdrücklich für die Wiederbelebung der Opern Georg Friedrich Handels eingesetzt hat, sind auch die theatralisch-szenischen Aspekte und Erwägungen in den Oratorien Handels oft diskutiert worden. Sie drängten sich bei der konzertanten Aufführung des „S a u 1“ im Sendesaal des Österreichischen Rundfunks auf, sie sind auch beim „Salomo" im Großen Konzerthaussaal nicht von der Hand zu weisen gewesen, hier vielleicht weniger. Das Oratorium „Saul", in der kurzen Zeit von wenig mehr

VON DER HEITERKEIT NEUER MUSIK

TZ ennen Sie eine lustige Musik? Ich nicht." Das Wort Schuberts ist bezeichnend nicht nur für ihn, sondern auch für viele, für fast alle großen Musiker des 19. Jahrhunderts. Rufen wir uns in Erinnerung jene stattliche Reihe tragischpathetischer Symphonien, jene hundert „Großen Opern“, jene tausend Sonaten, Lieder und andere Kammermusikwerke … Sie stehen fast alle in der gleichen klassisch-romantischen Landschaft, aus der die Standbilder von Beethoven, Brahms, Bruckner, Verdi, Wagner, Tschaikowsky, Strauss und Pfitzner aufragen.Die Musik unserer Zeit, die der ersten Hälfte des 20.

„Rai buba“ und Kodäly-Symphonie

Zum 60. Geburtstag von Hanns Jelinek veranstaltete der Österreichische Rundfunk in seinem großen Sendesaal ein öffentliches Orchesterkonzert, das unter der Leitung des Komponisten vom Rundfunkorchester (Radio Wien) ausgeführt wurde. Bereits 1934 35 schrieb der Schönberg-Schüler Jelinek sein 2. Streichquartett in strenger Reihentechnik, dessen zweiten, dritten und vierten Satz er 1957 umarbeitete und für Streichorchester setzte. Auf ein Andante mit sechs kunstvollen Variationen folgt ein burleskes Scherzo, an das sich ein rhapsodischer Schlußteil anfügt. — Im Charakter ist von diesem

1962

ÖSTERREICHISCHE KOMPONISTEN

Es kann nicht geleugnet werden, daß Österreichs Musikleben — der natürlichen Wellenbewegung zufolge, die jeder Kunstentwicklung innewohnt — heute nicht auf der gleichen schöpferischen Leistungshöhe hält, von der die ersten zwei Jahrzehnte dieses Jahrhunderts gekennzeichnet waren. Dieses Phänomen ist aber keineswegs auf Österreich beschränkt: Vielmehr fließt in einer Zeit völliger Neuformierung der ästhetischen Ordnungen die künstlerische Produktion an sich und allerorten nur sparsam. Freilich entkräftet diese Tatsache den Vorwurf nicht, den Ernst Krenek vor einiger Zeit

Große Sänger und Marx-Feiern

In knapper Aufeinanderfolge gab es drei Liederabende berühmter Opernsänger. Ira Malaniuk begann mit einer Auswahl aus dem Spanischen Liederbuch Hugo Wolfs, wobei ihr die weltlichen Gesänge, insbesondere solche mit einem Schuß Humor, weitaus am besten gelangen. Die (impressionistischen) Lieder in ukrainischer Sprache zeigten ihre gefühlsmäßige Ausdrucksfähigkeit, während Gesänge von Othmar Schoeck und Hans Pfitzner mit jener Noblesse und leisen Kühle zur Geltung kamen, die der Sängerin eignet. Leider ist die große, schöne Stimme, an die Oper gewöhnt, im kleinen Saal und ebenso in

1963

EIN LEBEN MIT MUSIK

Ich bin in Ungarn geboren, in Deutschland erzogen —, soweit eine Heirat ein weibliches Wesen erziehen kann! — bin amerikanische Bürgerin und lebe in Italien. Aus solcher Mannigfaltigkeit der Umgebung ergibt sich auch meine, in meiner Heimat übrigens nicht seltene, Vielsprachigkeit. Wenn ich auf die häufige Frage: „Wieviel Sprachen sprechen Sie eigentlich?“ — antworte: „Fünf!“ — so erfolgt, kaum vermeidbar, die Rückfrage: „Was ist die fünfte?“ — denn die vier „westlichen“ Idiomebeherrscht wohl heutzutage jeder halbwegs herumgekommene Mensch. Dann antworte ich:

MUSIK IN FARBE UND FORM

„Musikalische Graphik“ — Eine neue Disziplin an der Wiener Staatsakademie

1964

Das Altern der neuen Musik

Die Musica nova von heute ist die Musica antiqua (oder incognita) von übermorgen, und die Moderne von gestern bekommt Runzeln. Sie zeigt sie in unserer Zeit — infolge der rasanten Entwicklung neuer musikalischer Techniken und Kompositionsverfahren während der letzten zehn Jahre — früher als zwischen 1900 und 1950. Zu solchen — und noch trüberen — Gedanken regte das letzte Konzert des Ensembles „die reihe“ im Mozartsaal an. Karlheinz Stockhausen, Jahrgang 1928, schrieb sein „Kreuzspiel“ 1951. Es war eine der ersten „punktuellen“ Kompositionen und beeindruckte damals

Parade der Sngerinnen

Gemeinsam mit ihrem Gatten, dem Bariton Thomas Stewart, konnte man Evelyn Lear in den Solopartien von Johannes Brahms' Deutschem Requiem hören. Während Stewart immerhin — bei aller Gepflegtheit der Stimme — etwas blaß blieb, war man von Stimme und Gestaltungskraft Evelyn Lears sehr beeindruckt, wenn auch das rein Lyrische (woran das Werk so reich ist) nicht so voll ausgeschöpft wurde als das zu dramatischeren Akzenten Neigende. Darin wurde sie allerdings durch die Auffassung des Dirigenten, Carl Melles, unterstützt, der dem ganzen Werk einen mehr tragischen als tröstenden Impetus

Maazel, Cherkassky, Sawallisch

Das 4. Abonnementkonzert der Philharmoniker leitete der immer noch sehr jugendlich wirkende Lorin Maazel, den wir seit vielen Jahren in Wien kennen und der vor kurzem zum Chefdirigenten der „Deutschen Oper Berlin“ sowie zum Leiter des RIAS-Symphonieorchesters ernannt wurde. Das Konzert hinterließ, vor allem wegen des schwachen ersten Teils, einen zwiespältigen Eindruck. Wer mit den Wiener Philharmonikern Bach spielen will, muß ein sehr klares Konzept haben — und auch dann steht es noch in Frage, ob und wie er sich durchsetzen wird. Da Maazel selbst keine klare Vorstellung von dem, was

DAS KÖNIGLICHE SPIEL

Es kommt bei historischen Betrachtungen stets darauf an, wo man anfängt, wo man die Geschichte beginnen läßt. Die der Orgelmusik müßten wir bis ins graue Altertum zurückverfolgen, das im Hinblick auf Dichtung und bildende Kunst keineswegs „grau“ war, wohl aber für den Musik-forscher infolge mangelhafter und fragwürdiger Quellen recht dunkel ist. Damals schon erklang Orgelmusik. Aber nicht beim Gottesdienst, sondern bei Gelagen und im Zirkus. Im Spätmittelalter drang Orgelmusik nur gegen Widerstände in die Kirche ein, und auf den Konzilien und Synoden mußte man sich immer wieder

1965

JUGEND IN HARMONIE

Die Frage nach dem Sinn und Wert der Musik ist in der Geschichte der Menschheit immer wieder gestellt worden. Mit der Musik und dem Musizieren war stets eine Sinnbeziehung verbunden, die das Wesen der Musik und den Sinn des Musizierens in eine höhere Wertordnung einfügte. Es ist heute nicht anders, und wir finden den Weg in unsere Gegenwart am besten, wenn gewisse Zusammenhänge in der Entwicklung der heutigen Musik mit der des „Musikmachens“ aufgezeigt werden.Die Sucht nach dem „Allerneuesten“ und die Suche nach immer neuen Ausdrucksmitteln, wie sie von musikalischen Organisationen

Passion, Rinat-Chor und Solisten

Ebenso schlicht als tiefgehend und daher im Sinne der geistigen Disposition von suggestiver Wirkung war die Wiedergabe der „Matthäuspassion“ von /. S. Bach durch den Wiener Madrigalchor, geleitet von datier Meyer. Die Unmittelbarkeit des Erlebens war bereits in den ersten Takten vorhanden. Mit dieser geistigen Einstellung verbinden die jungen Sänger stimmlichen Wohlklang und rhythmische Exaktheit, und ihr Dirigent die Fähigkeit, den großen Bogen über die einzelnen Nummern zu spannen und die monumentale Einheit nicht nur im stilistischen Sinn lebendig zu gestalten. In Annelies Hückl,

1966

WAS IST ZWÖLFTONMUSIK?

Für den „Laien”, aber auch für viele Musikfreunde — Konzertbesucher und Radiohörer — ist „Zwölftonmusik” identisch mit „atonal”, vor allem aber mit der Musik Schönbergs, der „Wiener Schule” und ihrer Nachkommen. Wir möchten daher zu Beginn dieser mehr theoretischen Betrachtung feststellen, daß Schönberg zwar mit vollem Recht als der Vater der Zwölftonmusik, auch Dodekaphonik genannt, bezeichnet werden kann, daß er selbst aber keineswegs nur Zwölftonmusik geschrieben hat. (Wir erinnern an die frühen Werke wie das Streichsextett „Verklärte Nacht” von 1899

Ernste und heitere Kantaten

Das traditionelle alljährliche Kompositionskonzert von Raimund Weissensteiner, von den Wiener Symphonikern unter der Leitung Kurt Rapfs ausgeführt, begann mit einem neuen Variationenwerk, das im Vorjahr beendet wurde. Es ist, wie seine Vorläufer (die Variationen über die die Ostersequenz, das „Dies irae” und andere) für großes Orchester gesetzt und von diesen technisch und strukturell wenig unterschieden. Auch daß der Komponist gerade nach der ersten pythischen Ode von Pindar griff, die in einem Codex des Klosters San Salvadore bei Messina aufgezeichnet wurde (und deren

Unbekannt, doch interessant

Die „Membra Jesu nostri” von Dietrich Buxtehude, eine Art Passionsmusik für Soli, fünfstimmigen gemischten Chor, Streichorchester und Orgel, 1680 entstanden, hörte man seit Buxtehudes Zeit im Großen Musikvereinssaal wahrscheinlich zum erstenmal wieder, ausgeführt vom Wiener Madrigalchor unter Xaver Meyer. Das Werk beeindruckt durch seine tiefe Gläubigkeit, seine musikalische Ausdruckstiefe, die knappe Formulierung der sieben Kantaten, jede von innerer Geschlossenheit und doch ein voll- kommendes Ganzes, dem allerdings der dramatische Charakter der großen Passionen fehlt. Auch die

Konzerte mit vier großen B

Das 5. Konzert im Zyktus „Bach und die Moderne“ wurde mit den 3. Brandenburgischen Konzert eingeleitet, das Hans Swarowsky von Cembalo aus leitete: energisch, abei ohne solistisch je hervorzutreter (ausgenommen in einer recht zahmen Kadenz), mit streng durchgehaltenem Tempo in den beiden Sätzen und auch dynamisch wenig differenzierend. „Wiener Bachakademie“ ist ein recht anspruchsvoller Titel füi das runde Dutzend junger Leute, die stehend die Streichinstrumente bedienten. — Alban Bergs 1935, im Todesjahr des Komponisten, entstandenes Violinkonzert ist während der letzten 20 Jahre

HANDSCHRIFTEN DER MEISTER

Die im Auftrag der Gesellschaft der Musikfreunde von Dr. Grasberger gestaltete Ausstellung „Handschriften der Meister“ ist eine den Wiener Festwochen wahrhaft würdige visuelle Gegenüberstellung von Partitur, autobiographischer Skizze und Konzert. „Den Besucher auf den Ursprung dessen hinzuweisen, was ihn im Konzertsaal berührt und begeistert“ und „die Ehrfurcht vor dem Schöpfer des Werkes“ wiederzuerwecken, so bezeichnet Minister Piffl- Perčevič in seinem Geleitwort für den Katalog die Idee und das Ziel dieser Ausstellung. Der Perfektion der Wiedergabe soll das Handwerk

Die Orchester der Bundesländer

Das Grazer Philharmonische Orchester unter Berislav Klobucar hinterließ sehr positive Eindrücke, zunächst dank des ambitionierten Programms, mit dem es zu den Wiener Festwochen gekommen war, aber auch durch die Ausführung. Alban Bergs überaus schwierigen Drei Orchesterstücke op. 6 von 1914 (deren Stimmaterial neulich von einem Wiener Orchester nicht entziffert werden konnte) wurden ebenso einwandfrei dargeboten wie Franz Schmidts IV. Symphonie von 1933. In beiden Werken erfreute der volle Klang des Blechbläserchores und das ausdrucksvolle Spiel der Streicher. Bel der Begleitung der 1948

WIE EIN PHÖNIX

In ehrfurchtsvoller Trauer um den am 18. November des vergangenen Jahres verstorbenen Stifter und Gründer der Forschungs- und Ausbildungsstätte „Accademia Chi- giana“ und der Musikwochen von Siena, Conte Guido Chigi Saracini, ist mit Konsequenz und Energie der künstlerische Leiter der „Chigiana“ und der „Settimane Musicali Senesi“, Prof. Dr. Mario Fabbri, an die schwere Aufgabe herangetreten, das kostbare Erbe des großen Mäzens zu bewahren und dieses in ständigem Kontakt mit dem Leben der Gegenwart zu halten. Immer wieder soll Neues aufgefunden und dem Leben wiedergeschenkt

Von Bach bis Ligeti

Zdenek Kosler dirigierte das 3. Konzert im Dvorak-Zyklus der Wiener Symphoniker. Blutvolles Musikantentum des Komponisten in der Ouvertüre „Carneval“ wurde fantastisch gut musiziert. Das Violinkonzert a-Moll, op. 53, das Dvoräk dem Geiger Joachim zuliebe, dem es gewidmet ist, zweimal gründlich umarbeitete, fand in Ricardo Odnopo- soff einen Solisten ersten Ranges, der sogleich die Führung übernahm und das Orchester beschwingte, das Zdenek Kosler behutsam führte. Die Abschließende 3. Symphonie die als Jugendwerk im Schatten der bekannten Meistersymphonien steht, ist trotz ihrer

1967

Rundfunkchor, Akademieorchester

Eine in jeder Hinsicht vorbildliche Wiedergabe der großen Messe in e-Moll für Chor und Blasorchester von Anton Bruckner hörten wir in einem öffentlichen Konzert des österreichischen Rundfunks, Radio Wien, ausgeführt von Chor und Orchester des österreichischen Rundfunks unter Leitung von Carl Melles. Die Strenge des (achtstimmigen) Chorsatzes, an der alten Vokalpoly-phonie geschult, wurde durch die Verhaltenheit der Bläserstimmen betont, Steigerungen erflossen mehr aus dem liturgischen Charakter als aus der Romantik des Klanges, demnach völlig in der Absicht des Komponisten. — Der

Konzerte mit neuer Musik

Der Zyklus „Musdca nova“ des österreichischen Rundfunks bringt in vier Konzerten neue Musik der älteren und jüngeren Generation zur Konfrontation mit dem Hörer; ein Unternehmen, doppelt verdienstvoll in unseren an zeitgenössischer Musik nicht sehr reichen Programmen. Die in diesen Konzerten zur Diskussion gestellten Werke sind naturgemäß in ihrer stilistischen und klanglichen Art ebenso wie in ihrer künstlerischen Wertigkeit verschieden. Im zweiten Konzert war zu hören „Pic-colo mondo“, Musik zu einem imaginären Ballett von Jürg Baur. Der tänzerische und gestische Charakter

1968

Bernstein am Flügel, Foss am Pult

Durch den einem Unfall des Sängers zufolge verhinderten Liederabend Dietrich Fischer-Dieskaus wurde man um ein künstlerisches Ereignis ärmer und um eines reicher. An jenem Abend sangen Christ a Ludwig und Walter Berry monologisch und dialogisch Lieder von Gustav Mahler, ihr Mitgestalter am Klavier war Leonard Bernstein. Im überfüllten großen Saal des Konzerthauses war Feststimmung wie vor einer Premiere, und eine Art Premiere war der Abend auch. Eine Folge von zwölf Mahler-Liedern, zum größeren Teil traurigen Inhalts, eine spröde, anspruchsvolle, dem Wiener Publikum durchaus nicht

Von Schütz bis Schostakowitsch

Die Musica Antiqua, das ständige Ensemble der Internationalen Gesellschaft für alte Musik, spielte im Brahms-Saal unter seinem neuen künstlerischen Leiter Bernhard Klebei zwei Konzerte, die diurch perfekt ausgewogene Programme und stilistisch überzeugende Wiedergaben beeindruckten: Die vorweihnachtliche Aufführung von Heinrich Schütz’ berühmter „Historia, der Freuden- und Gnadenreichen Ge- burth des Sohnes Gottes und Marien Sohnes, Jesu Christi..1644 in Dresden gedruckt, zählt zu den für die Entwicklung des barocken Oratoriums wichtigsten Werken. Vor allem die Behandlung der

1969

Von Händel bis Mahler

Warum der Concentus Musicus für sein sechstes Konzert im Händel-Zyklus im Mozart-Saal just den Organisten Horst Gehann aus Bukarest engagierte, ist ein Rätsel. Zumal der Künstler weder stilistisch noch technisch den Ansprüchen des A-Dur-Orgetfconzerts (op. 7/2) gerecht wurde. In rhythmischer Hinsicht wies seine Wiedergabe störende Ungenauigkeiten auf und die Phra-sierung wirkte überhaupt unregelmäßig. Im übrigen: ein etwas langweiliger Abend, an dem breit, nicht sehr elegant oder gar inspiriert musiziert wurde. Lediglich die d-Moll-Triosonate (Nr. 2) überzeugte. Die Concerti grossi

Von Schubert bis Prokofieff

Obwohl die Wiener Festwochen vor der Tür stehen, in deren Rahmen mehr als zwei Dutzend Konzerte stattfinden werden („Wiener Schule“ und acht Beethoven-Abende Friedrich Guldas) ist jetzt, in der ersten Maihälfte, keinerlei „Zäsur“ festzustellen. Aus der Fülle musikalischer Veranstaltungen haben wir die folgenden zur Besprechung ausgewählt:

Glanz der Renaissance

Zweimal war das Gebiet zwischen Maas, Rhein und Mosel ein Schwerpunkt der mächtigen Reiche der Merowinger und der Karolinger — und damit des Abendlandes. Während der Regierungszeit Karls V. schufen belgische Humanisten hier auch ein geistiges und wissenschaftliches Zentrum. Gotik und Barock brach ten nicht nur eine Blüte der bildenden Künste, sondern auch der Musik hervor, deren wichtigste Vertreter Dufay, Ockeghem, Josquin und Willaert waren. Brügge, im vierten Jahrhundert nahe einer römischen Brücke (flämisch „Brug“) gegründet, heute die Hauptstadt Westflanderns, war im zwölften Jahrhundert eine der bedeutendsten Handelsstädte Europas und Drehscheibe für den wirtschaftlichen Verkehr zwischen den westlichen und den baltischen Ländern. Später wurde es auch zum Umschlagplatz für den Handel mit Nischni Nowgorod. Im dreizehnten Jahrhundert hatte Brügge 150.000 Einwohner (heute etwa nur ein Drittel), von denen 50.000 Arbeiter und Handwerker in 52 Zünften organisiert waren. In seinem Hafen landeten Galeeren aus Genua und Venedig, spanische und portugiesische Galeassen sowie schwere deutsche Schiffe. 17 Nationen waren durch Konsuln vertreten... Von all dem ist heute nicht mehr viel übrig geblieben. Denn Brügge war stets von einer Gefahr bedroht: der Versandung seines Hafens. Der Plan des Malers und Architekten Lancelot Blondeel zur Rettung der Stadt kam nicht zur Ausführung. In dieser Zeit wurde die Konkurrentin Antwerpen mächtig, und der 10 km lange Kanal, der Brügge mit dem Meer verbindet (wo heute sich der Hafen Seebrügge ausgedehnt), wurde erst in den Jahren 1896 bis 1906 gebaut. Hier legen nicht rur Petroleumdampfer an, sondern auch amerikanische Touristenschiffe, die für Brügge heute ebenso wichtig sind.

1972

Aus dem Konzertsaal

„Nicht Bach sollte er heißen, sondern Strom!“ Dieses Wort geht einem besonders beim Anhören der Hohen Messe h-Moll durch den Kopf. 1733 begonnen und bis 1738 durch weitere Teile ergänzt, wurde das Werk zu Bachs Lebzeiten nie vollständig aufgeführt, obwohl es zu den größten Schöpfungen der deutschen Musik gehört. Zu der h-Moll-Messe hat Karl Richter, der sie am vergangenen Samstag und Sonntag im Großen Musikvereinssaal dirigierte, ein ganz unmittelbares Verhältnis, das ihn vor jeder Gewalttätigkeit oder Manier bewahrt. Als ehemaliger Angehöriger des Dresdener Kreuzchores,

Bernstein — Ludwig Melles und Turnowsky

Naoh den Ekstasen, die Maklers 3. und 5. Symphonie bei ihm ausgelöst hatte, zeigte sich Bernstein im letzten philharmonischen“ als zahmer Löwe und bescherte seinen zahlreichen Anhängern eine mit einigen extremen Temporückungen ausgestattete, aber sehr delikate, grazile Wiedergabe von Mahlers Vierter der „Liedersymphonie'“. Das groteske Scherzo — Solovioline Gerhart Hetzel — führte er nicht nur musikalisch, sondern auch gestisch im Tanzschritt vor, die himmlischen Freuden des Schlußsatzes ließ er das Orchester voll ausgenießen. Edith Mathis war eine prächtige, das Sopransolo

Philharmoniker, Liederabende

Das 8. Abonnementkonzert der Wiener Philharmoniker kann als „hauseigen“ — und trotzdem als außerordentlich bezeichnet werden. Unter Horst Steins Leitung spielte der Konzertmeister des Orchesters, Gerhart Hetzel, den musikalisch anspruchsvollen, mit Schwierigkeiten gespickten Solopart von Bartöks Violinkonzert aus den Jahren 1937/ 38, welches das letzte größere Werk ist, das Bartök in seiner ungarischen Heimat (vor seiner Emigration, aus der er nicht mehr zurückkehren sollte) geschrieben hat. Hier sind, in vollkommener Weise, jene Maximen verwirklicht, die immer schon Bartöks

„Hexameron“, „Aus der neuen Welt“

Im 3. Philharmonischen Abonnementkonzert wurde unter der Leitung von Horst Stein ein neues Werk Gottfried von Einems erstaufgeführt, das er für das Los Angeles Philharmonie Orchestra geschrieben hat. Die Uraufführung fand unter der Leitung von Zubin Mehta im Februar 1970 statt, und nun konnten wir es auch in Wien hören. Es klingt so, als hätte der Komponist auf Bestellung Einem-Musik geschrieben und fügt seiner Palette keine neuen Farben hinzu. Die sechs Sätzchen dauern 23 Minuten, sind nach dem Gesetz des Kontrastes gruppiert und unterhaltsam anzuhören. Der Sekundschritt spielt in

1973

Vollkommenes

Trotz der in letzter Minute notwendig gewordenen Programmumänderung infolge Erkrankung des Flötisten, wurde das Konzert des „Conceys musicus“ zu einem Sam-melpunKt hochwertiger musikalischer Genüsse. Die unter der Leitung von Nicolaus Harnoncourt stehende Spielgemeinschaft stellt wohl das profilierteste, auf musikwissenschaftliche Untermauerung gestützte und auf alten Originalinstrumenten musizierende Ensemble für Barockmusik dar, dessen Aufführungen qualitativ derzeit ohne Konkurrenz sein dürften. Neben Pergolesis „Concerto“ in f-Moll wies die Vortragsfolge Händeis „Concerto

Sängerinnen und Orchester

1956 wurde in London ein Kammermusikensemble gegründet, das von einer Kirche am Trafalgar Square den Namen Academy of St. Martin-in-the-Fields erhielt. Damals wie heute leitet es Neville Mar-riner als erster Geiger und Dirigent. Im Großen Konzerthaussaal spielte man ausschließlich Bach in kleiner Besetzung. Der Grundstock dieses Ensembles sind die Streicher, die sich durch einen bemerkenswert schönen und flexiblen Ton sowie durch klare Artikulation auszeichnen, und obwohl man im Jahr durchschnittlich 100 Konzerte gibt, hat man sich vor Routine zu bewahren verstanden und spielt mit

Aus dem Konzertsaal

Das fünfte Konzert im Zyklus „Die große Symphonie“ leitete Christoph von Dohnänyi, Generalmusikdirektor in Frankfurt mit ständigen Verpflichtungen in Köln, Berlin und München. Der erste Teil des Programms gehörte zur Gänze Ungarn. Zoltän Kodälys 1933 geschriebene „Tänze aus Galanta“ sind ein gefälliges, zügiges Stück, das sich sowohl als Ballettmusik wie im Konzertsaal immer wieder bewährt. Dohnänyi interpretierte es nicht gerade con fuoco, aber auch nicht langweilig. — In Bartöks genialem 2. Klavierkonzert, das zwei Jahre früher entstanden ist und dessen Solopart

Mit Stein und Milstein

Horst Stein, der trotz seiner Hamburger Tätigkeit glücklicherweise durch einen ausgedehnten Gastvertrag der Wiener Staatsoper und auch den Wiener Konzerten erhalten bleibt, konnte im letzten Orchesterkonzert der diesjährigen Wiener Festwochen, veranstaltet vom Konzerhaus mit den Wiener Symphonikern und der Singakademie, von seinen bedeutenden Dirigentenqualitäten erneut überzeugen. Das ausschließlich Mozart gewidmete Programm der Matinee begann mit der G-Dur-Symphonie, KV 318, die viele Merkmale der Mannheimer Schule mit ihren Zieraten und Crescendi der Bläserepisoden in sich trägt,

1974

Gäste auf dem Podium

Erinnerte man sich an ein ähnlich mit den drei großen „B“ gebautem MUstem-Programm mit Rudoli Buchbinder vor vier Jahren, sc mußte man diesmal enttäuscht sein, Der große Geiger begann mit der klassisch-einfachen „Frühlingssonate“ Beethovens in einer Art, als habe er die „Kreutzersonate“ vor sich, verwendete eigenwillige Stricharten und forcierte fallweise das Tempo unmotiviert heftig. Der arme Emanuel Ax am Bösendorfer konnte zusehen, daß er mitkam. Entschädigen konnte bloß der große Ton seines Meisters. Aber — war es eine Täuschung? — an diesem Abend schien es nur

Festwochenkonzerte

Noch einen Tag vor den Philharmonikern feierten die Symphoniker den Festwochenbeginn, und es wurde auch wirklich ein Fest, das sich in Hinkunft nur schwer von ihnen überbieten lassen dürfte. Das lag an der blendenden Form des Orchesters, das lag an seinem hervorragenden Dirigenten Carlo Maria Giulini und das dag am Solisten des Beethoven-Violinkonzertes, an David Oistrach. Zwar darf man sagen, daß er (zumindest) das Rondo zu langsam spielte, aber es ist das im allgemeinen die kleinere Sünde gegenüber einem zu schnellen Spiel, und außerdem blieb der Satz trotzdem leicht und

Kirchenmusik — heute

Anton Bruckner hat seine zweite Symphonie mit vielen Generalpausen ausgestattet, und die Musiker hatten bald das Epitheton „Pausensymphonie“ zur Hand, ohne zu wissen, daß es bei diesen Pausen um eine dynamische Sammlung für die explosive Entladung folgender musikalischer Ideen ging. Befindet sich auch die Kirche und die Kirchenmusik in einer solchen Phase schöpferischer Umgestaltung, um den auf sie zukommenden Anstoß des neuen Jahrtausends wagen und kontrapunktisch durchführen zu können?

Absage ans Klischee

Bei der Programmierung der Salzburger Festspielkonzerte zeichnen sich erfreuliche Tendenzen ab: Liederabende, Orchester-und Solistenkonzerte enthalten jetzt immer wieder selten gespielte Werke, die den oft schon erstarrt wirkenden Konzerten neue Impulse, ein neues Gesicht geben. Das wenig Gängige, Rare, ja sogar richtige Außenseiterwerke werden ins Programm integriert, und der Festspieldirektion ist damit endlich bewiesen, daß eine Janowitz, ein Abbado, ein Gedda oder Muti sich auch ohne die üblichen „Schlager“ im Programm zu Höchstpreisen verkaufen lassen. Ja sogar neue und neueste Musik wird bereits bejubelt, wie die Aufführung von Ligetis „Lontano“ mit den Wiener Philharmonikern unter Claudio Abbado zeigte.

Orchester und junge Solisten

Seit dem Zerfall des ertolgreichen Ensembles „Wiener Solisten“ hat das Wiener Kammerorchester die schwer lastende Erbschaft angetreten, in seinem Zyklus Hauptwerke der Wiener Klassik in Kammerorchesterbesetzung die wichtigsten Stücke, herauf von der Romantik bis zur Gegenwart, aufzuführen und obendrein „Entdeckungen“ zu präsentieren. Nach einer langen Phase ziel- und ergebnislosen Abonnementkonzer- tierens nun endlich ein Abend, der den richtigen Weg zeigte: Horst Stein leitete das Konzert im Großen Konzerthaussaal; und ein Programm, für die „Jeunesses“ besonders geschmackvoll

1975

Oratorium, Raritäten, Nachklänge

Was J. S. Bach 15 Jahre vor seinem Tode in Leipzig erstmals als „W eihnachtsoratorium” auf gef ührt hatte, war die Zusammenfassung von sechs Kantaten um die Geburt des Herrn. Günther Theuring wählte sie für seinen „Jeunesse-Chor”. Wer ihn zuletzt nach den Sommerferien in der WIG-Halle gehört hatte, mußte trotz der (noch) nicht sehr günstigen Akustik des Konzerthaussaales (Verbesserungen sind beabsichtigt!) über den deutlich gehobenen Leistungsstand des großen Chores staunen: Relativ ausgewogen in den Stimmen, sehr gut in der Tonbildung, folgte er präzise den Anweisungen

Klassik, Romantik und Moderne

Wer versteht vom Gesang mehr als Anton Dermota? Im Brahms-Saal legte dieser Großmeister teno-ralen Belkantos den praktischen Beweis vor: Zwar sang er mit wacher Vorsicht, aber es war alles „da“; Haydn gab ihm die Gelegenheit zum Einsingen, Mozart — seine stete Liebe und Zentrum seines künstlerischen Bemühens erfuhr die „leichte“ Wiedergabe , die so schwer ist, die „Abendempflndung“ ergriff durch Einfachheit und Tiefe; hier war die Vollendung eines künstlerischen Werdeganges zu erkennen; in fünf Schubert-Liedern sprach die Stimme nicht nur leicht und beweglich an, der

Eine Konzertfestwoche

Zunächst eine pädagogische Vorbemerkung: Dieses letzte Konzert der Wiener Symphoniker im Zyklus I der Konzerthausgesellschaft, das in einer Voraufführung auch der „musikalischen Jugend“ zugänglich gemacht wurde, war einfach zu lang und überforderte die Aufnahmefähigkeit auch des bestgewillten, ausgeruhtesten Zuhörers. Seit Jahren schon bemüht sich die in Wien residierende Internationale Gustav-Mahler-Gesellschaft (und bezieht in diese ihre Bemühungen auch Anton Bruckner mit ein), daß von den großen, den umfangreichsten Werken der beiden Meister nur jeweilseines aufs Programm

Einzelgänger auf dem „dritten Weg“

Vielen kritischen Beobachtern des Musikgeschehens, etwa während der letzten drei Jahrzehnte, mag es so scheinen, daß es zwischen Epigonentum und modischem Avantgardismus keinen „dritten Weg“ mehr gibt. Aber wir haben hier ein Exemplum anzubieten, das unserer Meinung nach viel zu wenig beachtet wurde und künftig größerer Aufmerksamkeit und Förderung empfohlen sei. Denn er ist wirklich ein kompositorisches Phänomen, eine Rara avis, dieser seit mehreren Jahrzehnten in Wien lebende, allerdings auch viel in der Welt umherreisende Theodor Berger.

1976

Triumph der Schlichtheit

Etwa in der Halbzeit: mehrere interpretatorische Höhepunkte.Nicht weniger als 24 Stücke, einschließlich des Liedes „Bist du bei mir“ und der drei Zugaben hat Peter Schreier am vergangenen Samstag abend im Großen Musikvereinssaal, von Karl Richter an der Orgel begleitet, gesungen. Die geistlichen Lieder stammen aus dem „Musikalischen Gesang-Buch, darin 954 geistreiche sowohl alte als neue Lieder und Arien von Johann George Christän Schemelli, Schloßcantore daselbst, anno 1736 in Leipzig herausgegeben wurden.“ Es handelt sich um Liedgut des Protestantismus von einem so eigenen und

1977

Wer kennt schon Schubert und sein ganzes Werk?

Am Brunnen vor dem Tore”, „Das Wandern ist des Müllers Lust” und die „Muntere Forelle”, möglich auch das „Heidenröslein”, diese Lieder weiß fast jedes Schulkind zu singen. In den 18 Jahren seines schöpferischen Wirkens aber hat Schubert an die 600 Lieder komponiert, in knapp zwei Dezennien seines Schaffens hat er sieben Messen, neun Symphonien, 80 Chorwerke, elf Ouvertüren, sieben Bühnenwerke, 30 Kammermusikwerke und 450 Klavierstücke geschrieben. Schuberts Arbeitseifer ist uns heute unfaßbar. Nach dem Zeugnis von Freunden komponierte er täglich von sechs Uhr morgens

1978

KONZERTE

Gidon Kremer wie Hans im Glück: Spielte der junge Geiger doch sein erstes Konzert, nachdem er von der UdSSR endlich einen unbefristeten Reisepaß ausgestellt bekommen hatte. Kremer wird in Hinkunft im Westen reisen und geigen können, wie es ihm beliebt. Und er mußte vor allem nicht die Kontakte zu seinem Heimatland abbrechen, wie dies vielen seiner Kollegen geschah. Man denke nur an Rostropowitsch. Kremer startete in Wien, im „Philharmonischen“ im Musikverein mit Brehms' Violinkonzert. Und einmal mehr durfte man das ungemein harmonische Spiel dieses jungen Geigers bewundern. Ein

1981

Ein Klassiker der modernen Musik

Wer heute den Namen Bartök hört, denkt zunächst einmal an den Komponisten. Aber Bartök war auch ein bedeutender Musikologe, ein Volksmusikforscher, ein angesehener Pädagoge und ein virtuoser Pianist. Jetzt eben erschienen acht Langspielplatten, auf denen alles gesammelt ist, was Bartök seinerzeit in aller Welt gespielt hat, nachdem schon früher 39 Platten mit seinem gesamten kompositorischen Werk heraus gekommen waren, das selbst den Bartök-Kenner durch seinen Umfang überraschte…

1997

Zwanghaftes Schaffen

Man hat mit ihm unendlich viel Schindluder getrieben: Von Rudolf Hans Rartschs „Schwammerl"-Ruch bis zur «unre-flektierten Lizitation eines Richard Heuberger, der Schubert leichthin als „größten Künstler aller Zeiten" apostrophierte, wurde an seiner Riografie bedenkenlos herumgebastelt. Ein Lebensbild, zurechtgezerrt von Generationen, die ihr schlechtes Gewissen dem „Fall Schubert" gegenüber beruhigten, indem sie Schuberts Armut und Naivität rosa verzuckerten, niedlich machten, verharmlosten. Vom Franzi vom Himmelpfortgrund über den gehätschelten Wuschelkopf vom

„Das Grab ist meine Freude”

Er ist heute ein Eckpfeiler unseres modernen Musikbetriebs wie der Musikgeschichte des 19. Jahrhunderts, ein bewundertes Denkmal der Wiener Musikkultur der Ringstraßenzeit. Eine Konzertsaison ohne seine vier Symphonien, ohne sein „Deutsches Requiem”, ohne seine Kammermusik- und Orgelwerke, ohne sein Liedschaffen ist undenkbar. Sein QLuvre, einst von den „Neutönern” als erzkonservativ abgekanzelt, wirkt heute wie eine Apotheose der Wiener Klassik. Und doch weist sie zugleich voraus bis zu Arnold Schönberg, der ihn als Vorbild musikalischer Satzkunst pries: Johannes Brahms, der

2004

"Vergangne Zeit, die mich verwirrt"

Gedanken über Eduard Mörike zum 200. Geburtstag.Eduard Mörike, der schwäbische Dichter und Pfarrer, erfuhr im Leben wenig von dem, was man unter Glück versteht. Als Dichter konnte er sich nur sehr allmählich im Bewusstsein festsetzen; stärkeren Erfolg zeitigte erst sein letztes Werk, die reife Novelle "Mozart auf der Reise nach Prag". Zeit seines Lebens begnügte er sich mit einer kleinen und recht stillen Gemeinde. Erst als sich das Grab über ihm geschlossen hatte, wuchs die Zahl seiner Leser, zumal allenthalben in den Konzertsälen Lieder nach seinen Texten erklangen, von Louis

2006

"Es wehet ein Schatten darin"

Skizzen zum Profil von Robert Schumann, dessen Todestag sich zum 150. Mal jährt.Im Mozartjahr 2006 ist das Rampenlicht der öffentlichen Aufmerksamkeit nicht ganz gerecht verteilt. Gegen das werbeträchtige Ausnahmegenie haben es alle anderen Jubilare schwer, ob sie der literarischen Gilde oder der Zunft des Musikers angehören. Von Robert Schumann, der am 29. Juli 1856 gestorben ist, war bislang recht wenig die Rede. Da wurde noch öfter an den 1906 geborenen Dimitri Schostakowitsch erinnert. Und der 1806 verewigte Michael Haydn findet zumindest in seinem regionalen Umfeld und in lokalen

von

H. A. Fiechtner

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H. A. Fiechtner