„Der Raub der Sabinerinnen“: Gegen den Strich gebürstet

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Mit Lust am Spiel, der richtigen Balance zwischen komödiantischem Feinsinn und schriller Überzeichnung und einer Inszenierung, die Gesellschaftsnormen umkehrt, überzeugt „Der Raub der Sabinerinnen“ in der Regie von Anita Vulesica im Akademietheater.

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Christine Ehardt

Schwere Zeiten verlangen nach leichter (Theater-)Kost: Das mag ein Allgemeinplatz sein, doch ist die Lust am Lustspiel in dieser Theatersaison unübersehbar. Komödiantisches, Fantasievolles und Heiteres beherrschen derzeit die Wiener Bühnen und finden großen Anklang bei einem Publikum, das erst langsam wieder in die Theaterhäuser zurückkehrt. Am Burgtheater konnten zuletzt Herbert Fritsch (mit Ferdinand Raimunds „Die gefesselte Phantasie“), Tina Lanik (mit William Shakespeares „Wie es euch gefällt“) und Rieke Süßkow (mit Peter Handkes „Zwiegespräch“ im Akademietheater) durch leichtfüßige Inszenierungen reüssieren. Ebenso beschwingt und humorvoll gibt sich nun die jüngste Premiere von „Der Raub der Sabinerinnen“ am Akademietheater.

Der absurde Schwank in vier Akten aus dem Jahr 1883 zählte lange Zeit zu den meistgespielten Stücken, wurde vielfach verfilmt und als Musical adaptiert. In der Regie der Nestroypreisträgerin Anita Vulesica knüpft der Bühnenklassiker des österreichischen Brüderpaars Franz und Paul von Schönthan mit seinem grandiosen Dialogwitz und verschmitzten Verwechslungsgeschichten an die Blütezeit deutschsprachiger Komödien an. Mit seinen gegen den Strich gebürsteten Gesellschaftsnormen und absurden Slapstickeinlagen erinnert Vulesica aber auch an Filmarbeiten der Farrelly-Brüder, deren US-Blockbuster wie „Verrückt nach Mary“ oder „Dumm und Dümmer“ ebenfalls keinen derben Gag auslassen und doch auf liebevolle Weise den magischen Zauber leichter Unterhaltung versprühen.

Renaissance eines Bühnenklassikers

Star des Abends über die Nöte einer maroden Wandertheatertruppe, die für reichlich Wirbel in einer kleinstädtischen Familie sorgt, ist Birgit Minichmayr als formidabler Theaterdirektor Emanuel Striese. Minichmayr (zuletzt mit dem deutschen Shakespeare-Preis ausgezeichnet) gibt einen clownesken Theatermann mit Bart und Hut, der irgendwo zwischen bayrischem Kleinganoven und Wiener Jesse-James-Verschnitt angesiedelt ist. Mit Verve überredet sie den verklemmten Professor Gollwitz (Sabine Haupt), ihr sein Theaterstück „Der Raub der Sabinerinnen“ zu überlassen. Ein heikles Unterfangen, ist doch die Dame des Hauses, Friederike (einfach wunderbar: Dietmar König im schimmernden Outfit), eine ausgewiesene Theaterhasserin. Zum Glück weilt die Ehefrau jedoch gerade auf Urlaub am Wolfgangsee oder vielleicht mit „Wolfgang am See“, wie einige diesbezügliche Versprecher nahelegen.

Wild gemischt sind nicht nur Kostüme und Handlung, sondern die gesamte Bühnenausstattung (Henrike Engel): Von vergilbtem Löwinger-Bühnen-Charme über heruntergekommenen Broadwayglitzer bis hin zu einer blinkenden Kinoleuchtreklame (mit der Aufschrift „Today Death and Glory. The Empress her Daughters“) ist an Deko alles dabei, und selbst der goldene Volantbühnenvorhang fehlt nicht. Vor diesem lugen gleich zu Beginn die Schauspieler der „Striese und Striese Company“ schamgebeugt hervor und beweinen von schrillen Pfiffen begleitet bitterlich die bevorstehende Blamage.

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1947

Alte Theaterzettel erzählen

Jeder Theaterzettel liefert einen Beitrag zur Theatergeschichte. Wo der Zettel fehlt, sieht sich die Theaterforschung ihrer wichtigsten und verläßlichsten Informationsquelle beraubt und gerät aufs trockene. Durch die entwickelte Methodik moderner Theaterforschung, welche die Erhaltung des Zettels jeder einzelnen Vorstellung an verschiedenen Stellen — in Bibliotheken vor allem — fünffach oder zehnfach für alle Zukunft sichert, ist diese Gefahr freilich schon seit geraumer Zeit gebannt. Aber je weiter wir zurückgehen in die Vergangenheit, desto häufigere und breitere Lücken ergeben

1948

Ibsen und Faschingsspiele

Das Volkstheater hat sich die achtbare Aufgabe gesteht, klassische Stücke der Vergangenheit mit einer besonderen gesell- schaftkritischen Note ins Rampenlicht der Gegenwart zu stellen, und hat dem’ Publikum dergestalt bereits zu überraschenden Neuentdeckungen verholfen. So kam da ein N c s t r o y zum Vorschein, der weit über Individual-, Zeit, und Situationskomik und -kritik hinaus sich als großartiger unbestechlicher Richter des ständischen Scheinkosmos seiner Epoche enthüllte — und nun folgt ein Ibsen, der, wie das Publikum aufs neue überrascht, feststellen muß, unserer Zeit

Sommerspiele

Die Hitze der Vorsommermonate mag im Verein mit der vielbesprochenen Theaterkrise die Wiener Bühnen dazu bestimmt haben, weithin ihre Zuflucht beim leichten und leichtesten Lustspiel zu suchen. Das Ergebnis bestätigt eine alte Erfahrung: nichts ist oft so schwer zu finden und zu spielen als ein „leichtes” Lustspiel! Wie schwer, wie einfältig- plump schleppen sich da doch so viele gute alte Komödien über die staubigen Bretter — ihr verschminktes Kalkgesicht wird zudem tödlich bedroht und in Frage gestellt durch die beschwingte Leichtigkeit, durch die ganz andere Agilität und

1949

Lebendiges, starkes Theater

Shakespeares „Julius Caesar“ im Burgtheater. Regie Josef Gielen. Dieses Stück erregt seit je das Entzücken der Schau-Spieler und sehr gemischte Gefühle bei den Freunden hoher Dichtung, hoher Kunst. Der Autor ist auf seine Weise und in seinem Fach ein mindestens ebenso gewalttätiger Herr wie sein Titelheld. Er kennt keine Rücksichten — der Dramaturgie, eines inneren einheitlichen Bauplans, logischer Konsequenz, psychologisch sauberer Motivierungen. Ist Caesar, ist Brutus der Held des Stückes? Oder vielleicht gar jener Falschmünzer und Geck Marc Anton, der, vielleicht sehr edel,

1950

Wiener Schauspiele

Es ist etwas Eigenes im deutschen Sprachraum um patriotische Festspiele, im höheren Auftrag bei Dichtern bestellt. Goethe mußte bereits mit „Des Epimenides Erwachen“ den Tadel nationalbewegter Köpfe einstecken, sein Stück sei so ganz und gar nicht hinreichend „patriotisch“. Gerhard Hauptmann ging es nicht besser. Als Schnitzler 1909 mit seinem Gedächtnisstück für die Schlacht bei Aspern „Der junge Medardus“ herauskam, brach bei vielen der Unmut los. Wie, ein vaterländisches Schauspiel zu Ehren Österreichs? Wie, und dieses minderwertige, ganz und gar unheldische Gesinde der

1953

vVie der Rauk der Sabinerinnen geschah

Paul von Schönthan, der große Wiener humoristische Schriftsteller (1853 bis 1905), wurde im Anfang seiner literarischen Laufbahn in glücklichster Weise ermutigt durch das Vorbild seines um vier Jahre älteren Bruders Franz, der, ebenso wie er selbst, von den Eltern für den Offiziersberuf bestimmt, schon vor ihm „das Schwert mit der Feder vertauscht“ und sich mit einigen dramatischen Versuchen den Weg zur deutschen Bühne gebahnt hatte, die er in den folgenden zwei Jahrzehnten als einer der erfolgreichsten Lustspieldichter vollends zu erobern vermocht hat. Während also der ältere

Entfesselte Phantasie

Die Wiener Festwochen haben uns noch kurz vor Torschluß einige Premierenabende geschenkt, die Klassisches und Modernes mit Geschick und Phantasie in Szene setzten. Das Burgtheater brachte Shakespeares „Viel Lärm um Nichts“ in der Uebertragung von Wolf Graf Baudissin, mit der Musik von Henry Purcell. Wenn Shakespeare Messina auf die Bühne stellt, so ist, was wir sehen, im Grunde nur Kulisse. Unser Zuschauerdasein aber wird zu einem Nichts vor dem Nichts auf der Bühne, das Dasein, Ereignis, Theater wird. Theater, das dem Zuschauer gibt, was ihm gefällt und was er nur will, und doch des

Dreimal Politik

Die Politik, die sich wie ein Ariadnefaden durch die Premieren dieser Woche zieht, beginnt schon im Burgtheater, das Bernard Shaws Komödie „Der Kaiser von Amerika“ (The Apple Cart) spielt. Die Geschichte von König Magnus, dem Sich zu Ende unseres Jahrhunderts die Chance bietet, Kaiser von Amerika und dem „angeschlossenen“ England zu werden, ist heute, ein Vierteljahrhundert nach ihrer Entstehung, und einige Jahrzehnte vor ihrer „Realisierung“ keineswegs unaktuell. Die Pointen haben ihren Glanz nicht verloren, und die langen Gespräche über Demokratie, Plutokratie und Königtum

1956

Dreimal klassisches Nationaltheater

Zu einem Zeitpunkt, da die Festwochen schon im Abflauen begriffen waren, fast schon vorüber und gar nicht mehr so festlich, rückte das Burgtheater mit drei großen Ereignissen heraus, die dem ausklingenden Festwochenprogramm zu einem nahezu unvermutet glanzvollen Abschluß verhalfen.Das erste Ereignis war eine prächtige Aufführung von Nestroys „Einen Jux will er sich machen“. Freilich ist die Meisterposse ein sicherer Griff in die Schatztruhe des Wiener Theaters, aber Leopold Lindtberg fügte es, daß Melchior, der vazierende Hausknecht im Hause Zangler und unsterbliche Herold der

1958

Theaterpremieren um Ostern

Unsere oft verlästerte Zeit ist, wie wenige, eine Zeit der Dichter: Versuchung und Verführung, die Not auszudrücken und alles das zusammenzureimen, was ungereimt ist im Lauf der Welt, im Wechsel der Jahre und des Herzens. Der Walliser Dylan Thomas, der da im November 1953 dahinstarb, ist einer der großen Dichter unserer Zeit. Pulsschlag eines stürmisch pochenden Herzens, das sich selbst vernimmt in allen „Geräuschen“ der Zeit und der Dinge: im Tropfen am Gras, im Weinen kleiner Kinder und alter Männer. „Deaths and Entrances“, englisch und deutsch in einer zweisprachigen Ausgabe

THEATERSTADT HAMBURG

Die Vorstellung von Hamburg verbindet sich in aller Welt mit Schiffen, Werften, Kaufmannshäusern — schlechthin mit dem Welthandel. Die kulturellen Werte dieser Stadt treten nach außen hin kaum in Erscheinung, was letzten Endes auch daran liegt, daß ihre Einwohner wenig Aufhebens von der kulturellen Seite ihres Daseins machen. Hamburg ist aber nicht nur die größte Hafen- und Industriestadt Deutschlands, sondern beherbergt in seinen Mauern auch mehr Bühnen — unter denen sich die älteste deutsche Oper befindet — als jede andere deutsche Stadt. Die zehn Sprechbühnen bieten ein

THEATER IN ENGLAND

Den Engländern, einem zweifellos musikliebenden Volke, wird häufig vorgeworfen, daß sie zwar Opernkomponisten, aber keine Nationaloper besitzen. Keine „Meistersinger“, keine „Verkaufte Braut“, keinen „Troubadour“, keinen „Rosenkavalier“ — nichts also, was ihre Wesensart in vielen Abwandlungen kristallisiert und von Generation zu Generation mit neuem Leben erfüllt wird. Nun, das ist nicht ganz richtig. Denn die Engländer haben eine Nationaloper - Shakespeares „Hamlet“. Seit Jahrhunderten berauschen sie sich an der Musik seiner Poesie, erkennen sie ihre eigenen

Tragödien...

Thomas Wolfe, der im deutschsprachigen Raum früh durch Rowohlt bekanntgeworde amerikanische Dichter, hat seine Romane als Fragmente seines Lebens aus sich geschleudert. Wut und Trauer, Haßliebe zu seiner engeren Heimat und Familie, ein berserkerhafter Zorn; diese und andere schwarzgallige Elemente werden versöhnt, und versöhnen den Leser, weil der Grundton ein einziges Liebeslied ist: Erde, wie bist du schön, Amerika, Kontinent des Menschen, wie bist du groß, gerade weil du eine neue Welt neuer Schmerzen bist. Wolfes amerikanischer Freund und Verleger hatte bereits große Mühe, aus den

Lustspiele wie im Sommer

Glückliche Zeiten“ von Samuel Taylor, nach einer Prosaerzählung von Robert Fontaine, in der J o s e f s t a d t, gehört in das Genre jener Stücke, die meist für die Hochsommertage von den privaten Bühnen gewählt werden, um eben zu übersommern. Die staatlichen Bühnen haben es da besser: sie schließen einfach. Nun macht uns ein gewiegter Theaterfachmann darauf aufmerksam, daß solche Sommerspiele auch für die Weihnachtszeit passen, kommerziell, da zu den „Feiertagen“ eben vielerlei Publikum mit Anverwandten von nah und fern, der Unterhaltung halber, das Theater besuche. Das uns

Weihnachtspremieren

Die Josefstadt bringt als Weihnachtspremiere Franz W e r f e 1 s Lourdei-Buch, dramatisiert von Richard Miller (wohl ein Pseudonym): „Das Lied von Bernadett e.“ Dieses Stück ist . formal nicht schlechter gebaut als hundert andere, die sich die Bühne erobert haben. Die Schauspieler sind mit Hingebung bei der Sache: Helene Thimig, Anton Edthofer, Chariklia Baxevanos. Wenn dennoch ein so angreifbarer Eindruck dieser Aufführung entsteht, dann wohl aus zwei Gründen. Seit dem Scheitern des Barocks und der Entsakralisierung des Auges ist es in unseren Zonen unmöglich, spirituelle

1959

Von Katzen und blechernen Hasen

Tennessee Williams’ Psychologismus hebt sich scharf von O’Neills und Wilders Expressionismus ab. Williams, heute 45 Jahre alt, ist ein Frühtalent. In den Slums von St. Louis erfährt er an Leib und Seele die sozialen Spannungen Amerikas — er wird sie nie mehr vergessen, wenn auch seine acht Dramen (1944 bis 1955) das Problem dramatisch verdecken und vorwiegend in das Scheitern des Individuums umgießen. Seine Stücke sind, wie alle modernen Amerikaner, sexuell stark angeheizt — vielleicht kommt es unter anderem auch daher, daß die meisten von ihnen verfilmt wurden. Wir sehen in Wien

SCHATTENSPIELE

Immer wenn irgendwo hinter der Bühne, in den Direktionen oder in den Dramaturgien der Wiener Theater etwas schiefgegangen ist, stellt man mit jener halb resignierten, halb beruhigenden Geste des Alles-Entschuldbaren fest, daß Wien doch eigentlich vor allem eine Schauspielerstadt ist. Eine Theaterstadt, in der das Publikum („ohnehin”) nicht so sehr an den Dramatikern und Spielplänen interessiert ist, sondern vielmehr an der Besetzung. Man fragt erst in zweiter Linie darnach, ob in einer Saison die Stücke im literarischen Sinn gut oder interessant waren oder nur mittelmäßig — oder

DIE JUNGE GENERATION

Jugend am Theater: Nicht zu verwechseln mit Anfängern und Debütanten und dem allerorts zitierten sozial-kulturpolitischen Begriff „Nachwuchs“. Nicht zu verwechseln mit der am Theaterzettel aufscheinenden Besetzung jugendlicher Fächer, für die man zwangsläufig Schauspieler unter dreißig braucht. Nicht zu verwechseln mit dem jeweils modernen Spielstil, den der juvenile Feuergeist inthronisiert Jugend am Theater: das sind die jungen Leute auf der Bühne, die mit ihrer im Parkett ansässigen Generation gemeinsam altern werden. Das ist das Wesentliche. Das ist das kontinuierliche Theater

SCHAUSPIELER IM KELLER

Von den elf Wiener Sprechbühnen sind nicht weniger als sechs in Souterrainräumen etabliert. Der Fassungsraum dieser Kellerbühnen ist zwar äußerst beschränkt, doch werden hier immerhin für etwa 70.000 Zuschauer jährlich 30 bis 40 Stücke inszeniert und an-die 150 Schauspieler beschäftigt. Mit anderen Worten: nahezu ein Drittel aller in Wien lebenden Schauspieler spielt im Keller. Die Umstände sind nicht gerade rosig.In den ersten Nachkriegsjahren, als das Schauspiel unter dem Bürgersteigniveau im flammenden Zeichen des Experiments und der Avantgarde mittlerweile längst eroberte

Klassiker im Herbst

Das Akademietheater eröffnet die neue Spielzeit mit Luigi Pirandello: „Sechs Personen suchen einen Autor.“ Hinter dieser grotesken Komödie liegen hundert Jahre des Konflikts zwischen „Kunst“ und „Wirklichkeit", Künstler und Realität des Tages. Dieser typische Konfliktstoff des 19. Jahrhunderts hat von der Romantik bis zu Thomas Mann faszinierend gewirkt. Ganz nachempfinden kann ihn heute vielleicht nur, wer auf der Bühne des Lebens und der Kunst in einer existentiell verwandten Situation steht. Die Zauberwirkung dieses Stückes auf eine theaterbesessene Zeit ist an sich heute

Dämonen und kleine Teufel

Ein frühes Weihnachtsgeschenk, edel, groß geartet: „Die B e s e s s e n e n“, ein Schauspiel von Albert Camus, nach dem Roman „Die Dämonen" von F. M. Dostojewsky: ins Deutsche übertragen von Guido G. Meister. Regie im Akademietheater führt vorzüglich Leopold Lindtberg. Bühnenbilder und Kostüme: Ita Maximowna. Die vierstündige Aufführung entfaltet das Drama: Blüte eines Baumes des Bösen, bis er im Sturm alle seine Früchte abwirft, ins Verderben. Mörder, Selbstmörder, Nihilisten, Anarchisten: dazu die kleine närrische, eitle, selbstverliebte Welt altrussischer Provinz,

1960

Dramen als Qual

Am Aschermittwoch fand im Volkstheater die Premiere eines älteren Stückes von Tennessee Williams, „Orpheus steigt hera b“, statt. Eine überaus quälende Angelegenheit, vom Regisseur unbarmherzig in die Länge gezogen. Nur Musik, die innere Musik der Poesie, und ein feinst abgestimmtes Zusammenspiel erlesener Schauspieler vermag grausame Geschichten dieser Art auf der Bühne erträglich zu machen, sie zur Vision zu erheben. Williams schlachtet in diesem Drama unbarmherzig die Menschen des „tiefen Südens“ aus: eine unerlöste Welt, in der Nigger geteert, gefedert, gelyncht,

Klagenfurter Theaterjahr

Man ist nur zu gern geneigt, den Bestand einer Provinzbüihne leicht zu nehmen, vergißt aber, daß gerade ihr Aufgaben übertragen sind, die oft schwerer ins Gewicht fallen als das Repräsentieren und Herausstellen großer Leistungen. Sie, die mit der oft mehr als kärglichen Hilfe ihr Auslangen zu finden hat, ist sozusagen Baumschule für jene Schößlinge, die später in den Himmel der Staatstheater wachsen. Auf der Szene der kleinen Landestheater bildet sich heran, was seinen Weg machen wird; Namen könnten dies zur Genüge beweisen, doch gilt es hier nur mit wenigen Zeilen zu zeigen, wie

Herbstzeitlosen

„M Order ohne Bezahlun g“, ein Stück von Eugene ] o n e s c o, im Volkstheater. Ein bedeutsames Stück, eine sehr gute Aufführung, in der Regie Leon E p p s. Nicht zu übersehen vom ersten Augenblick an die Bühnenbilder Kurt Möldo-vans. Mit dem Burgtheater hat das Volkstheater begonnen, erstrangige Künstler zur Mitarbeit zu gewinnen. Das gilt hier übrigens auch für das Klangbild von Paul Kont, ausgeführt von Friedrich Cerha und Hans Kann. Moldovans Bühnenbilder stellen vom ersten Augen-Blick klar, daß djeses Stück, ein echter Jonesco, 1959 in Paris uraufgeführt, nur nach seinen

1961

USA, Österreich und Griechenland…

The Theatre Guild American Repertory Company gal mit einer Truppe, die eben für eine große Überseetournee zusammengestellt wurde, ein dreitägiges Gastspiel im Burgtheater. Der erste Abend wat Thornton Wilders „The Skin ol ou r Teeth“ gewidmet, Wien unvergeßlich in Erinnerung durch die Aufführung in der Josefstadt 1946. „Wir sind noch einmal davongekommen“, das war damals, im Frühlicht über den Gräbern, eine apokalyptische Ballade, voll Poesie, Grauen und Ergriffenheit. Wobei die Kunst der Schauspieler, um die Geß- ner und Attila Hörbiger, die Ergriffenheit weckte, die damals

1962

Ist das Publikum durchgefallen?

Nach vielen Jahren einer erfreulichen Theaterentwicklung A ~ mehren sich plötzlich in Hamburg zur Mitte der Spielzeit Stimmen der Kritik. Dabei hat sich nichts ereignet, was als Grund für die Auslösung dieser Vorwürfe angesehen werden könnte. Die Spielpläne der wichtigsten Bühnen sahen für die Spielzeit 1961/62 in ihrer Grundstruktur nicht anders aus als in den Vorjahren. Es wurde eine bunte Mischung von Klassikern und Modernen, von heiteren und ernsten Stücken programmiert, und beim Ensemble der einzelnen Häuser gab es kaum einen nennenswerten Wechsel. Trotzdem war man plötzlich

OPERETTE UND MYSTERIENSPIEL

Den Platz begrenzen schönbrunnergelbe Bürgerhäuser aus der Kaiser-Franz-Zeit. In der Mitte der Bau des Theaters, in noblem, blassem Steingrau. Die Fassade säulengeziert, dezente Andeutung eines hehren „Musentempels“. Die Herren Fellner und Hellmer, die das „Kaiser-Jubiläums-Stadttheater Baden“ bauten (Grundstein 1908, Eröffnung 1909), verstanden ihr Metier. (Aus ihrem Architektenbüro stammten die Entwürfe und Pläne für etwa dreißig Theater im ganzen deutschsprachigen Raum.) Im Bereich der Baukunst waren sie ungefähr das, was die Operettenlibrettisten im Bereich der

Dramma buffo und Musikkomödie

Gaetano D o n i z e 11 i schrieb eine komische Oper „Don Pasqua 1 e“, die um 1750 in Rom spielt und im Jänner 1843 an der Pariser Oper uraufgeführt wurde, innerhalb von knapp 14 Tagen. Bereit im Mai desselben Jahres könnt der Komponist sein Werk am Kämtner-tor-Theater dirigieren. Seither erlebte es allein in Wien sieben Neuinszenierungen. Die letzte, von Paul Hager, sahen wir — als Vorweihnachtspremiere — im Theater an der Wien, das für diesen Publikumsliebling unten den komischen Opern wie geschaffen ist. — Gegen die Verständlichkeit des witzigen und poin-tenreichfcn Texte

1963

DAS FEST FAND NICHT STATT

T*Ver Europäischen Festspielvereinigung in Genf ist seinerzeit *“ eine geradezu klassische Definition des Begriffes „Festspiele“ gelungen: Darnach seien sie „eins festliche Begebenheit, eine Gesamtheit künstlerischer Darbietungen, die sich über das Niveau der täglichen Programme erheben, um das Niveau der außerordentlichen Feierlichkeit in einem dazu auserwählten Ort zu erreichen. Daher stellen sie sich in einem intensiven Glanz dar, der sich nur während einer begrenzten Dauer durchhalten läßt.“ Bundespräsident Dr. Körner nannte einmal die Wiener Festwochen — eingedenk

Das Fest des Burgtheaters

Über Tradition und Aufgaben des Wiener Burgtheaters ist mehr geschrieben und geredet worden als über irgendein anderes deutschsprachiges Theater. Andere berühmte Theater mögen sich öfter und intensiver um die Parabel des modernen Menschen bemühen — in einem stehen alle dem Burgtheater nach: in der immer noch wirksamen Gelassenheit und Einheitlichkeit der Tradition, in dem, was Anton Wildgans in seiner berühmten Rede auf Österreich „die edle Heiterkeit und die starkmütige Ergriffenheit menschlicher Herzen" nannte. Mit diesen Worten, die alles Häßliche und Krasse ausgeschlossen

DER MENSCH WIRD GETESTET

Dieser Tage erklärte ein bekannter Berliner Theaterdirektor: „Man fragt sich als Bühnenleiter ,Wer spielt was?“, und setzt darnach die Stücke an.“ Damit ist der Generalzustand des deutschsprachigen Theaters gekennzeichnet. So sehr es aber gewiß notwendig ist, das anderswo Erfolgreiche nachzuspielen, so sehr erweckt nur die initiative Leistung überregionale Aufmerksamkeit.Doch betrachtet man die Aufführungen meist viel zu sehr als Einzelereignisse, während die Zusammenhänge, die das Zeitkennzeichnende erst so recht sichtbar machen, allzu unbeachtet bleiben. Nur selten werden sich

Altmodisches Theater

Henry James, dessen hintergründiger Realismus und feinnervige Erzählkunst im Stil der Jahrhundertwende ihn mit Recht berühmt gemacht haben, schrieb eine Novelle „The Aspern Papers“, in der er eine Byron-Anekdote zum thematischen Vorwurf nahm. Ein passionierter amerikanischer Literaturforscher geht den Lebensfährten eines Dichters nach und spürt als letzte Spur in einem halbverfallenen venezianischen Palazzo ein Bündel Liebesbriefe im Besitz einer alten Dame, der ehemaligen Muse und verehrten Göttin des Dichters, auf, die, von ihrer Nichte betreut, in einem gespenstischen Dasein

Raimunds naive Märchenwelt

Zweimal Raimund in einer Woche, das fordert förmlich zu einem Vergleich heraus, in welchem Stil das Raimundsche Zaubertheater in seiner Mischung aus kindlicher Einfalt und schlichter Weisheit, aus witziger Allegorie und humorvoller Realität uns Heutigen vergegenwärtigt werden kann. Zum 70jährigen Jubiläum des Wiener Raimundtheaters gastierte das Salzburger Landestheater mit dem Zauberspiel „Der Diamant des Geisterkönigs“ in der Inszenierung des aus Wien kommenden Intendanten Doktor Helmuth Matiasek. Auch dieses Stück stellt, wie so oft bei Raimund, eine ins Bildliche, Märchenhafte

Gewalttäter und Illusionisten

Maxwell Anderson (1888 bis 1959) zählt in Amerika zu jener Gruppe Dramatiker, die als erste das „ernste Theater“ gepflegt und damit die Entwicklung zum Drama und zur Tragödie durchgesetzt haben. Sein beachtlicher Ruf gründete sich auf seine häufig gespielten gesellschaftskritischen Stücke mit naturalistischer und bisweilen auch romantischer Färbung. Schwerer hatten es seine Dramen um die englischen Königinnen Elisabeth, Maria Stuart und Anne Boleyn, die Bühne zu gewinnen. In seinem Schauspiel „Königin für tausend Tage“ greift er ein im Drama, Film und Roman oft behandeltes

1964

Ist so das Leben?

Frank Wedekind, dessen hundertstem Geburtstag wir uns nähern, hat als „Moralist mit umgekehrten Vorzeichen“ in seinen Werken mit leidenschaftlichem Ungestüm die Konventionen unter der Decke der bürgerlichen Moralität berannt. Mit Fug hat er sich einen Moralisten genannt, insofern er geheuchelte Tugenden und nicht gelebte Moral bloßstellte. Es war ein entscheidender Antrieb seines Dichtens, eine mit dem Ersten Weltkrieg auch äußerlich zu Ende gehende Welt zu überwinden. Die kühne Illusionsfeindlichkeit seiner Szenenführung, die Peitschenschläge seiner von allem Schmuck befreiten

Faust, Lustige Weiber, Europa-Studio

In der Idee der Salzburger Festspiele, wie sie Hofmannsthal, Richard Strauss und Max Reinhardt vorschwebte, hielten Oper und Schauspiel, Musik und Wort einander die Waage. Der Sinnenhaftig- keit der Oper war ein geistiges Widerspiel aus der Welt der großen Dichtung zugedacht, wodurch der Rang des Festivals gesichert, ein Absinken auf das Niveau eines gesellschaftlichen Ereignisses verhindert werden sollte. Aber mit der Zeit verschob sich der Schwerpunkt immer weiter in Richtung der Musik und des Musiktheaters, und erst in der jüngeren Vergangenheit machte sich die Tendenz geltend, auf das

Innsbruck und Graz zu Gast

Austauschgastspiele zwischen Theatern aus den Bundesländern und Wiener Theatern sind nicht hoch genug zu schät- len, sollten sie doch anregen und zu Vergleichen herausfordern. Voraussetzung dazu wäre, Begegnungen dieser Art regelmäßiger zu gestalten und sorgfältig vorzubereiten, um so mit überzeugenden Leistungen aufzuwarten. Die letzten Gastspiele der Innsbrucker und der Grazer Bühnen kamen allerdings mehr zufällig zustande, weil das Burgtheater in Helsinki gastierte und so das Akademietheater für Gäste zur Verfügung stand.Die Innsbrucker Kammerspiele servierten ihre

Enttäuschende Zwiesprachen

Die beiden in der Vorwoche aufgeführ- ten Dramen von Fritz Kortner und Arthur Miller haben etwas gemeinsam: ein Eheprivatissimum wird abgehandelt, bei Kortner als „dialogisierter“, bei Miller als ein sich als Zwiesprache mit einem unsichtbaren Partner tarnender Monolog. Es geht um Gott und die Welt, um Liebe und Tod, um Fragen des Gewissens, der mißbrauchten Macht, der Lüge und des Hasses, um den neuerlichen Versuch, die Vergangenheit zu bewältigen. Bei Kortner nicht nur die jüngste, auch die vergangenen zweitausend Jahre der Christen und Juden.In seinem Drama „Die Zwiesprache“

1965

Großes Welttheater

Erstaunlich, wie, ungeachtet aller Rationalisierung unseres Lebens, der Bühnenvorgang in dem relativ frühen Stück (von 1635) „Der Traum ist Leben“ des erst 35jährigen Calderon unser Herz anrührt. Dabei wimmelt es in diesem der Tradition der spanischen Mantel- und Degenstücke verhafteten Schauspiel von halbverschlüsselten Symbolen und von Diskussionen transzendenter, abstrakter Probleme. Aber schon Goethe rühmte an Calderon, daß er „unendlich groß im Technischen und Theatralischen“ gewesen sei, „dasjenige Genie, was zugleich den größten Verstand hätte“. Darum sind seine

Zerbrechliche Welt

„Spiel der Erinnerung“ nennt Tennessee Williams seine amerikanische Elegie „Glasmenagerie“. Es ist Tom, der Sohn (in dem der Dichter selber auftritt), der hier als Ansager und Betroffener verklärenden Rückblick hält auf die Jahre der Jugend, seine Flucht aus der Enge der mütterlichen Wohnung in die Ferne der farbigen Abenteuer. Es geschieht so gut wie nichts in diesem Stück, und es kann auch gar nichts geschehen. Mutter, Sohn und Tochter sind eingesponnen in ihre Träume; denn die Zeit ist ihnen abhanden gekommen, wie sie der Zeit abhanden gekommen sind. Höchste Steigerung ist

Dostojewski) und Shakespeare

Mit zwei großen Abenden im Burgtheater von je vierstündiger Spieldauer endeten die heurigen Festspiele der Wiener Sprechbühnen. Walter Liebleins (Jahrgang 1890) ur-aufgeführte Dramatisierung von Do-stojewskijs gewaltigem Prosaepos „Die Brüder Karamasow“ läßt ungeachtet einiger merkwürdiger Ereignisse — zurückgelegte Regie, fremde Eingriffe in das Dramenoriginal, Verärgerung des Autors — daran erinnern, daß Dostojewskij die Frage, ob man seine Romane dramatisieren könne, kategorisch verneint hat. Seine Romane — schon Thomas Mann nannte sie „kolossale Dramen“ — sind

MODERNES MUSIKTHEATER

Nach den positiven Erfahrungen, die man mit der szenischen Darbietung von „Moses und Aron“ machte, lag der Versuch nahe, auch die drei frühen Einakter Schönbergs auf die Bühne zu stellen. „Erwartung“, „Die glückliche Hand“ und „Von heute auf morgen“ wurden erstmals gemeinsam 1963 im Landestheater Hannover gegeben, im vergangenen Frühjahr folgte Florenz (im Rahmen des Maggio musicale) — und nun die Intendanz der Wiener Festwochen, die die drei Einakter an einem denkwürdigen Abend als Eigenproduktion zeigte.„Erwartung“, auf eine „Dichtung“ der Dilettantin Ilse

VORHANG ZU!

Weil der Abschluß der Saison in das allgemeine Jubeljahr einmündete, weil sich aus den Feiern zum 600. Geburtstag der Wiener Alma mater, zur 20jährigen Selbständigkeit und zur 10jährigen Unabhängigkeit Österreichs mit fortschreitendem Mai die Wiener Festwochen entwickelten, beginnt unser Rückblick auf das verflossene Theaterjahr vom Ende her. Nach den Intentionen des neuen Intendanten der Festspiele sollten die Amerikaner, Engländer Franzosen und Sowjets dem diesjährigen „Vienna Festival“ als einem „kulturellem Unikum“ das Motto liefern. Im Zeichen eines „allgemein

Experiment an der Peripherie

Das Europa-Studio quittierte die-Nachricht von seiner geplanten Eingliederung in das Salzburger Festspielprogramm mit einer Produktion, an der die Fragwürdigkeit dieser Maßnahme offenbar wird. Der ständige Seitenblick auf die Fernsehaufzeichnung als den eigentlichen Zweck der Unternehmung scheint, zumindest diesmal, die Veranstalter sowohl bei der Stückwah] wie auch teilweise bei der Inszenierung irritiert zu haben, und das Theater ist zu kurz gekommen. Als Experimentierfeld ist das Europa-Studio durchaus gerechtfertigt und gutzuheißen; man wird auch hinnehmen, daß Experimente das eine

Salzburger Dilemma

Seit dem vergangenen Jahr werden die Salzburger Festspiele mit der Ansprache eines Dichters, Philosophen oder Kulturhistorikers von internationalem Rang eröffnet. Nach Salvador de Madariaga hatte man heuer Gabriel Marcel um ein „Geleitwort“ gebeten. Seine sehr bedeutende, sehr persönliche Ansprache kulminierte in dem Gedankengang: die Musik sei in gewisser Hinsicht die Heimat der Seele, und es sei die höchste Mission der Salzburger Festspiele, diese dem Auge und dem Ohr zugänglich zu machen. Ist doch diese „Heimat“ nur ein tröstlicher Widerschein jener anderen, jenseitigen Heimat,

Spielbeginn ohne Ereignis

Da sitzen sie nun wieder an den Stätten der gewerbsmäßigen Täuschung, nachdem sie ein paar Wochen lang Wald-, See- oder Meeresluft geatmet und verdrossen diesen Sommer der vielen Tiefs und Zwischenhochs über sich haben ergehen lassen, sitzen im verdunkelten Zuschauerraum, bereit, sich ergreifen und verzaubern zu lassen. Nach der langen Ferienpause ist mehr Theaterkraft denn je dazu nötig; die Sinne sind geschärfter, die Erwartungen größer: Laßt sehen, was ihr uns bereitet habt!Vom Thema her wäre das Schauspiel „Der Tag es Zorns“ des Polen Roman Brandstaetter, eines zum

Phantasten, Snobs, Sadisten

In „Peer Gynt“, seinem letzten Versdrama, hielt Henrik Ibsen Abrechnung mit der zur schalen Schwärmerei entarteten Romantik, die sich einen Reichtum des Lebens vorlügt. Der Phantast und Tagedieb Peer Gynt, zufrieden mit den unverbindlichen Scheingebilden seiner Selbstsucht, flüchtet aus der konkreten Endlichkeit seiner Umwelt, deren Grenze er durch verantwortliches Handeln erweitern sollte, in die vage Unendlichkeit seines Ichs. Der Grundsatz des prahlerisch-vitalen Peer „Sei ganz du selbst“ wandelt sich in der Höhle des Dovrealten unmerklich in den ähnlich klingenden, puren

1966

Grillparzer, Moliėre, Kotzebue

Grillparzer soll die Geschichte gefaßt haben, und doch hörte er nie iiuf, in ihr zu leben, und las dauernd n Chroniken, deren einer er die Jnterlagen für sein Trauerspiel König Ottokars Glück und Ende” ntnommen hat. Den Umriß lieferten lie eigene Vision und die von wei- em an Sheakespeare gemahnende Historische Situation des Böhmen- :önis. Ein zielbewußter, tatkröfti- ;er Emporkömmling, lechzt er auf Lern Gipfel seines allzu mühelosen llücks nach Macht. Der Untergang st in seinem zwiespältigen Wesen gründet, „in dem ein Zug gewalt- amen Willens, unbändiger, über jeles

Irrgärten der Liebe

Shakespeare hat in „Viel Lärm um nichts” mehr und logischere Prosa geschrieben als in den praktisch gleichzeitig entstandenen Meisterlustspielen „Was ihr wollt” und „Wie es euch gefällt”. Die Paare sind hier eher Märchenflguren, die dem Herzen näherstehen als den Sinnen; dort dagegen sind die Herrschaften aus Messina trotz der konstruierten und einfältigen Handlung Menschen aus Fleisch und Blut. Was aber allein die Begegnung von Benedikt und Beatrice zu unsterblichem Theater werden läßt, ist das köstliche Gewebe wunderbarer Worte, die Shakespeare über die Dialoge der

Ein Fest der Bühne

Nirgends in der „Italienischen Reise“ ist so viel vom Theater die Rede wie hier vom venezianischen, nirgends so ausführlich von einem Theaterstück wie von Goldonis „Le Baruffe Chizzotte“, das Goethe im Oktober 1786 zu sehen bekam, „Rauf- und Schreihändel von Chiozza“ übersetzte er den Titel der Komödie, weit anschaulicher als das nüchterne moderne „Skandal in Chioggia“. „Ein Gelächter und Ge- jauchze von Anfang bis zum Ende“ notierte er als Wirkung der Aufführung auf das Publikum in Venedig. Eine Komödie ist dieses so gut wie unübersetzbare Volksstück aus dem

Von Liebe, Leben und Tod

Arthur Schnitzlers Alterswerk „Komödie der Verführung“, 1924 im Burgtheater uraufgeführt, mutet im Titel wie im Dreiklang von der tödlichen Liebe im Spiel zwischen Leben und Tod wie ein Epilog, wie eine melancholische Rückschau auf die Welt seiner Dramen an. Da ist der Freiherr von Falkenir, der von Aurelie, der Schlüsselflgur des Stückes, dem Prinzen und dem Dichter als Bewerber vorgezogen wird, die Entscheidung der schönen Frau aber aus bestem Gefühl ab- lehnt: ein geistiger Bruder des todessüchtigen Herrn von Sala aus dem „Einsamen Weg“. Da ist Max, der geborene

ZWISCHEN DEN SAISONEN

Erfüllt das Theater von heute seine Funktion? Zunächst: „Immer scheint dias Theater dm letzten Akt angelangt zu sein“, heißt es im Klageruf eines Theaterleiters. „Es stolpert von einer Not in die andere. Leichen liegen auf seinem Wege, aber die Institution bleibt.“ Denn es geht nicht ohne Theater, Theater auch als Instrument der Deutung, Erklärung oder Veränderung unserer äußeren und inneren Wirklichkeit. Wie dies zu geschehen hat, darauf geben die echten Theaterpraktiker freilich einander widersprechende Antworten. Alle sind sich jedoch einig über das Maß an Unvorhersehbarem,

DUBROVNIKS FREILICHTSTIL

“Cafe Größenwahn“ in Dubrovnik? Da die internationalen Festspiele, begonnen im Jahre 1950, zum siebzehnten Male über die sechsundzwanzig Spielplätze der laut Shaw paradiesischen Stadt erklingen, verwundert solche Etablierung nicht. Kaum haben Desdemona und ihre Gouvernante Emilia unter sternglitzemdem Himmel Freud und Leid ausgeseufzt, kaum sind Roderigo und Montano unter heimtückischen Florettstößen verblichen, kaum hat sich Othello zu Tode geröhrt, kaum ist eben und endlich der schurkische Jago ins Messer gerannt, treffen sie, den guten, nur verwundeten Cassio in der Mitte, in

Sieben auf einen Streich

GRAZSieben Premieren an fünf Tagen: so begann die Theatersaison in Graz. Das entspricht durchaus dem spektakulären Plakatstil der Intendanz Haberland, die solcherart ihr zweites Grazer Jahr eimleitete. In Wirklichkeit war dieser massive Beschuß für den Premierenbesucher weniger sensationell als strapaziös.Hatte die vorige Spielzeit sich in recht beengender Weise Schriftstellern und Komponisten des Ostens verschrieben, so sind nun die Tore nach dem Westen geöffnet; leider nicht allzu weit, denn es fehlen im Programm dieses Jahres nicht nur wichtige Namen, sondern zumindest auch ein ganzes

Mit klassischen Tragödien

Die Eröffnungsvorstellung für das Schauspiel im großen Haus des Linzer Landestheaters ist mit Glanz vor sich gegangen. Direktor Alfred Stögmüller verstand es als Regisseur, durch überlegte Kürzungen und vertretbare Umstellungen die 29 Szenen der Shakespeare-Tragödie „König Lear“ in zehn Bilder zusammenzudrängen. Am Erfolg mitbeteiligt sind Heinz Köttel durch ein Bühnenbild, das an Monumentalität der Tragödie gerecht wird, und Prof. Helmut Eder durch eine elektronische Bühnenmusik, die in der Gewitterszene ihren Höhepunkt hat. Von den Darstellern muß in erster Linie Albert

BAROCK UND MODERN

Versuchen wir zunächst zu ordnen, was das Berliner Theater zu Saisonbeginn auf die Bretter stellte: „Dame Kobold“ (Calderön), „Der Menschenfeind“, „Troilus und Cressida“ hieß das Angebot der Barlog-Bühnen; auf den ersten Blick immerhin ein gezielt geplanter Überblick über europäisches Barock aus Spanien, Frankreich und England. Aber kein anderes Berliner Theater ließ sich von dem Fest wochenthema „Barock“ inspirieren. Ergänzungen brachten lediglich die Gastspiele: „Ein Sommemachtstraum“' (aus Hamburg, Schuh), „Der Bauer als Millionär“ (Wien, Steinboeck),

1967

Smetana, Janacek, Martinü

„Vor genau 75 Jahren stellte das Ensemble des Prager Nationaltheaters dem Wiener Publikum eine in Österreich noch unbekannte Oper vor: ,Die verkaufte Braut' von Friedrich Smetana. Die Wiener Premiere gab den Anstoß für den Siegeszug dieser Oper über die Bühnen der Welt. Wien war die erste Stadt außerhalb von Smetanas Heimat, die den Wert dieses Werkes voll erkannte.“ (Miloslav Maly im Programmheft der Festwochenaufführung durch das Prager Nationaltheater im Theater an der Wien.)Ein Lob für Wien, das wir heute den Prager Darstellern dankbar erwidern. Sie werden es gespürt haben,

KEINE ERSCHÜTTERUNGEN

Beginnen wir mit Statistik: Der Berliner Theaterwett-J-J bewerb ist inzwischen robust genug, daß er einen solch groben Zugriff verträgt, und er ist so gewichtig geworden, daß Zahlen nützlich sind. 1964 wurde er als Teil der herbstlichen Festwochen offiziell begründet, nachdem deutschsprachige Gastspiele auch in früheren Jahren schon immer zu sehen waren. 1965 gab es bereits den Maitermin und eine eigenständige Einrichtung; dieses Jahr sah also die vierteWiederholung. Insgesamt 37 Stücke wurden bisher eingeladen.Wettbewerb: das heißt nicht, daß die eingeladenen Bühnen sich zum Kampf

Dreimal unbeschwert

Es gibt zwei Urteile von Schauspielern über den Dramatiker Nestroy, ihren einstigen Berufskollegen: Egon Frieden nannte ihn einen „sokratischen Dialektiker und kantisch analysierenden Geist von höchster Freiheit und Schärfe“, Alexander Girardi meinte, man müsse ihm bei einer Aufführung „ins Herz schauen können wie jedem echten Dichter“. Beides ist richtig, die Bedeutung Nestroys liegt in der Verbindung dieser polaren Gegensätze, des manchmal infernalisch Dialektischen mit der Wärme des Herzens. In Nestroys Posse „Einen Jux will er sich machen“, die derzeit nach elf Jahren

Der Liebe Leid und Lustigkeit

Auf der Tristan-Premiere der Wiener Staatsoper am vergangenen Sonntag lastete eine doppelte Hypothek: Die letzte Neuinszenierung fand hier während der Wiener Juni-Festwochen 1959 statt, wurde von Karajan geleitet und war von Emil Preetorius mit Bühnenbildern ausgestattet, die zum Besten und Eindruckvollsten gehörten, das wir von der Hand dieses Künstlers seit 1945 gesehen haben. Die zweite Hypothek heißt „Wieland Wagner“. Sein Schatten, riesengroß, fällt auf jede neue Wagner-Inszenierung, die an seinem Modell gemessen wird. — Man muß, das sei vorweggenommen, dem Münchner

1968

Theater von vorgestern, gestern und heute

Ungeheuerliches begab sich eben an unseren Grenzen, Ungeheuerliches begibt sich auch sonst täglich in der Welt, aber das Wiener Theater verharrt fast ausschließlich in Bereichen, die davon unberührt sind. In bemerkenswertem Gegensatz zur deutschen Bundesrepublik.

Sex, Politik und Weltanschauung

In den Wiener Sprechtheatern gab es an vier Tagen nacheinander Premieren. Der neue Direktor des Burgtheaters, der Düsseldorfer Paul Hoffmann, setzte an den Beginn der Spielzeit in beiden Häusern Werke der zwei bedeutendsten österreichischen Dramatiker, Grillparzer und Nestroy. Stücke lebender Autoren, des Ungarn Hau und des Österreichers Krendlesberger, wurden vom Theater in der Josef stadt im Haupthaus und in der Lothringerstraße aufgeführt.

KANN MAN HEUTE NOCH KLASSIKER SPIELEN?

Vor dem ersten Weltkrieg erstarrte die Wiedergabe der klassischen Dramen mehr und mehr in Routine. Erst Max Reinhardt gab diesen Stücken einen überraschenden Auftrieb. Das wirkte sich in unzähligen Inszenierungen, in einer völligen Umgestaltung der Spielpläne bis in die Gegenwart aus, so daß die Frage, Ob man heute noch Klassiker spielen kann, zweifellos provokant erscheint. Aber sie wird vielfach gestellt.Was sind Klassiker? Seit Gellius im zweiten Jahrhundert n. Chr. Schriftsteller ersten Ranges. Doch das Vorzügliche, Mustergülige umgrenzt nicht völlig, was wir unter dem Begriff

1969

Von Strindberg bis Pinter

Was sich im Wiener Sprechtheater eben ereignete, hat es in den beiden letzten Jahrzehnten nieht gegeben: In acht Tagen sieben Premieren mit lehn Stücken. Dabei zeigte es sich, daß nicht ein einziges Werk der früheren Meisterdramatiker aufgeführt wurde, alle stammen aus unserem Jahrhundert, und zwar zum größten Teil von lebenden Autoren. Fehlen zweifellos in dieser Zufallsreihe die Spitzendramen dieser sieben Jahrzehnte, so ergibt sich doch ein einigermaßen gutes Bild dessen, was für unsere Zeit dem Gehalt und den Ausdrucksformen nach als kennzeichnend zu erachten ist

Pole des Menschlichen

Wenig gespielte Stücke aufzuführen, ist zweifellos dann ein Verdienst, wenn Werte sichtbar werden, die man früher verkannte. Bei dem Lustspiel „Zwei aus Verona“ freilich, das derzeit im Theater in der Josefstadt zu sehen ist, wurde schon vor zweihundert Jahren bezweifelt, daß mehr als einige eingestreute Stellen von Shakespeare stammen. Viel weiter ist man in dieser Frage seither nicht gekommen.

Avantgarde und Boulevard

Junge Autoren sind selten in Paris. Von Roland Dubülard koninte man ein neues Stück sehen: wiederum klein Leute, die sich mit einem undurchschaubaren Geschick herumschlagen. Im „Jardin aux betteraves“ (im „Rübenacker“ also) sind es die Mitglieder eines Streichquartettes; in einer eigenartigen Volkshochschule sollen sie sich zurechtfinden. Zu geplanter Auseinandersetzung mit dem Außen, dem Oben sind sie nicht fähig; sie zerstreuen sich in kleinlichen Streitereien nach innen, die sie nicht einmal zu ihrer Arbeit, der Probe, kommen lassen. Trotzdem klingt aus dem Stück so etwas

1970

Probleme von gestern

Generation steht gegen Generation. Seit je. Eine Kluft hat es immer wieder zwischen Vätern und Söhnen gegeben, eine jeweils neue Art, das Leben zu leben, eine neue Weltsicht ist die Ursache. Gerhart Hauptmann hat vor siebzig Jahren ein Drama geschrieben, das diesen Gegensatz vorführt: „Michael Krämer.“ Gerade aus den Erfahrungen unserer Zeit mit der weltweit rebellierenden Jugend ist es bei der neuerlichen Wiedergabe — Aufführung im Akademietheater — fesselnd zu sehen, wie sich in diesem Stück das Nichtverstehen der beiden Generationen ausprägt. Bezeichnenderweise bleibt da der Sohn ein Einzelfall, der Widerstand beschränkt sich auf ihn.

Ein Schauspielfestival

Neben bedeutenden musikalischen Ereignissen rückt bei den heurigen Wiener Festwochen erstmals das Schauspiel ins Zentrum der Veranstaltungen. Zu den Eigenproduktionen kommen zahlreiche Gastspiele ausländischer Truppen, die einen internationalen Überblick über wesentliche Aufführungen zwischen New York und Tokio, Stockholm und Tunis zu bieten versprechen. Die Einrichtung einer Rundbühne „Arena 70“ im Museum des 20. Jahrhunderts für Stücke und Darbietungen mehr experimenteller Art ist sehr zu begrüßen. Daß sich unter dem Gebotenen auch Uraufführungen und eine deutschsprachige Erstaufführung befinden, hat vor allem für die Auslandswirkung des Wiener Theaters Bedeutung.

Komödiantisch bis höllisch

Klabund meinte, Christopher Marlowe reiche Shakespeare bis mindestens an die Schulter. Das erweist die Szenenfolge „Die tragische Historie vom Dr. Faustus“, die derzeit vor Prandtauers großartiger Fassade der Melker Stiftskirche gespielt wird, keineswegs. Dieser Faust, der eingangs ungeheuren Machtwillen bekundet, setzt die ihm durch den Teufelspakt verliehene magische Kraft ausschließlich für szenisch sehr wirksamen, aber reichlich läppischen Klamauk ein. Die Gestalt schrumpft im Verlauf der Begebenheiten mehr und mehr. Doch gibt es Stellen, die nicht nur den Szeniker, sondern auch

1971

Gestern, heute, einst

Wer schätzt heute das alte Österreich? Nur noch einige jener, die es miterlebt haben? Ist es endgültig versunken? Im Volkstheater ersteht es überaus lebendig in dem vor fast siebzig Jahren entstandenen Volksstück von Felix Salten „Der Gemeine“, im Aspekt Wien mit den feschen Offizieren und ihren Amouren, mit den Volkssängern und den Strizzis.

1972

Drehbühne im Rampenlicht

„Eine Jury aus zehn Theaterkritikern zeichnet verantwortlich für die Auswahl der Inszenierungen, die zum Theatertreffen nach Berlin eingeladen werden ... Auszuwählen sind nicht Stücke, die Jury fällt keine literarischen Entscheidungen. Es gilt auch nicht voneinander isolierte theatralische Einzelleistungen zu prämieren, ein Bühnenbild, eine Regie oder eine Rolle. Auszuwählen sind Aufführungen, und zwar solche, bei denen die vielfältigen Komponenten, die einen Theaterabend ausmachen, eine Verbindung eingegangen sind, die als Ganzes überzeugt...“ Wer an dieses ausschnittweise wiedergegebene Rechtfertigungsschreiben, dem Rezensenten vorsorglich in die Hand gegeben, kühnste Hoffnugen knüpfte, wurde zunächst arg enttäuscht.

Thema: Der Mensch

Werden Stücke wiederaufgeführt, die früher gewaltigen Erfolg hatten, kann es Enttäuschungen geben. Das ist bei dem Schauspiel „Haben“ von Julius Hay der Fall, das derzeit im Burgtheater zu sehen isfc Dieses 'Stückt' auf Grund faktischer Vorkommnisse, die sich in Ungarn ereigneten, im Jahr 1936 geschrieben, galt als sozialkritisches Dynamit gegen eine nunmehr versunkene Gesellschaftsordnung. So wurde es interpretiert, so will es der Autor aufgefaßt wissen. Aber diese Deutung stimmt nicht.

Perfektes Theater

Es gibt nicht mehr viele Boulevardiers. Begreiflich, die Zeiten schlagen ihnen die Kugelschreiber aus der Hand. Was sich täglich Grauenhaftes in aller Welt ereignet, läßt sich nicht leicht verdrängen. Und doch gibt es nach wie vor Lebensbereiche, die davon unberührt sind, die, vorgeführt, zwar nicht als signifikant, aber keineswegs als unwahr wirken. Das zeigt sich derzeit im Theater in der Josefstadt bei den vier Einaktern mit dem Sammeltitel „Vier Zimmer zum Garten“ von Pierre Barillet und Jean-Pierre Gredy, die mit Erfolg gespielt werden.

Endspurt der Theaterfestwochen

Was Wirklichkeit ist, darüber rätselten die Menschen seit Jahrtausenden. Darf das uns unmittelbar als wirklich Erscheinende als das eigentlich Wirkliche gelten? Was ist das Leben, was der Tod, was der Traum? Dichtung jedenfalls gibt es nur, wenn die Schichte unmittelbarer Realität durchbrochen wird. In diesem Fragenbereich siedelte Harold Pinter sein neuestes Stück „Alte Zeiten" an, das im Akademietheater gegeben wird.

1973

Kontraste der Sicht

Im Burgtheater wurde das Stück eines Österreichers abgelehnt, weil sich die Aufführung, wie man lesen konnte, mit der Würde des Hauses nicht vereinbaren lasse. Dieses Stück hieß „Ein Fest für Boris" von Thomas Bernhard. Es kam dann, mit großem Erfolg bei allen maßgeblichen Kritikern, in Hamburg heraus. Eine Besprechung der Fernsehaufzeichnung brachte die FURCHE bereits. Nun, nach zweieinhalb Jahren, spielt es das Burgtheater doch in seiner zweiten, dem Haupthaus an „Würde" gleichgestellten Bühne. Nach zweieinhalb Jahren, ein für Wien typischer Fall.

Alte und junge Burg

Was rechtfertigt es, an Bühnen von Rang ein Stück auf den Spielplan zu setzen? Das kann eine geistige Sicht sein, die zeitbedingt relevant ist, das können aufgeworfene Probleme sein, aber auch besondere szenische Entfaltung, Komödiantisches, Schauspielerisches. Nichts davon trifft leider auf die derzeitige Aufführung von Goethes „Götz von Berlichingen“ im Burgtheater zu.Die einstige Begeisterung für den Geist der Freiheit, der dieses Schauspiel „durchbraust“, können wir kaum teilen, denn Götz begehrt eine individualistische Freiheit, die sich in keine feste Ordnung fügt, nur

Nur wenig Faszinierendes

Zum 23. Male versuchten heuer die Verantwortlichen der Berliner Festwochen einen Monat lang die kulturelle Potenz der herbstlich gestimmten Stadt an der Spree einer Öffentlichkeit zu präsentieren, die eigentlich nur verhältnismäßig wenig von diesem Bemühen Notiz nimmt. Mit international besetzten Konzerten, Tanz- und Theateraufführungen, Literaturveranstaltungen unterschiedlichster Art sowie zahlreichen Ausstellungen ist man bemüht, ein aus der Vergangenheit, vor allem aus der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen stammendes Image möglichst progressiv-experimentell aufzumöbeln. Halbleere Theater und Konzertsäle — wenn es sich nicht gerade um ein Philharmonikerkonzert unter Karajan oder Böhm handelt — bezeugen dabei verhältnismäßig geringe Gegenliebe für das Bestreben der Kulturmanager, deren jüngster Sproß, Dr. Ulrich Eckhardt, heuer als Nachfolger des bisherigen Festspielleiters, Walther Schmieding, seine vieldiskutierte Feuertaufe erlebte.

1974

Griff ins Einst

Um Selbstsucht geht es in der phantastischen Parabel aus dem Venedig des Jahres 1765 „Der schöne grüne Vogel“ von Carlo Gozzi, einem philosophischen Märchen, das im Burgtheater zur deutschsprachigen Erstaufführung gelangte. Die Zwillinge Renzo und Barbarina halten sich, den Lehren des Zeitalters hörig, für Philosophen, werfen jenen, die ihnen Gutes taten vor, dies sei lediglich aus Selbstsucht geschehen. Ihnen setzt Gozzi ein warnendes optisches Symbol entgegen, Calmon, den König der Marmorbilder, der ebenfalls in allen Menschen nur Eigennutz zu finden glaubte, worauf sein Herz versteinerte, seine Glieder kalter Marmor wurden.

Ohne Beschönigung

Nachholkurs: Vor 43 Jahren kam das Volksstück „Geschichten aus dem Wienerwald“ des Österreichers ödon von Horväth in Berlin zur Uraufführung. Jetzt erst sieht man es im Burgtheater. Ein Versäumnis wird gutgemacht, nur eben fast ein halbes Jahrhundert später. Kommt es nun zu einer Wiedergabe, die das Spezifische dieses Dichters herausarbeitet?

Das Abartige triumphiert

Es begann so vielversprechend: Eine knappe Einführungsrede des Theaterkritikers und Jurymitglieds Friedrich Luft, dann — allerdings außer Programm — eine Proklamation des Volksbühnenpersonals für Finanzaufbesserung und danach der erste Diskussionsbeitrag „Die See“ von Edward Bond. Das Residenztheater München präsentierte unter der Regie des 25jährigen Luc Bondy ein beklemmend-groteskes Spiel zwischen den Elementen, die Wahnideen und Aufbegehren, Resignation und Bösartigkeit in den widersprüchlichsten Charakteren einer kleinen britischen Hafenstadt freilegen.

Von Venedig nach Damaskus

Die Berliner Festwochen unterscheiden sich von den meisten europäischen Festspielen durch Struktur, Eintrittspreise und Publikum. Weit weniger elitär als etwa Bayreuth, Salzburg, München oder Wien, bemühen sie sich doch um eine größere Breitenwirkung, indem sie nicht nur Konzerte und Bühnenwerke vorstellen, sondern auch wesentlichen künstlerischen Anlässen in Form von Gedächtnisausstellungen Rechnung tragen oder reizvolle Konfrontationen zwischen Vergangenheit und Gegenwart bieten. Die Eintrittspreise der Veranstaltungen werden nicht erhöht, die Konsumenten sind neben zahlreichen Gästen vor allem die Berliner selbst. Durch die Vielfalt der Darbietungen, die sowohl Neuinszenierungen als auch Repertoiretheater umfassen, Gastspiele, Sonderausstellungen und künstlerische Kongresse koordinieren, erhalten die Berliner Festspiele ein eigenes Profil.

Vorwiegend Optimismus

Kommt es zu einer Wende? Lassen die Autoren davon ab, kaum anderes als das Unheil unserer Zeit auf der Bühne vorzuführen? In der Komödie „Der Tag, an dem der Papst gekidnappt wurde” des vierzigjährigen brasilianischen, aus Ungarn stammenden Autors Joäo Bethencourt, die derzeit im Theater in der Josefstadt wiedergegeben wird, zwingt der Entführer in New York die Regierungen der ganzen Welt zu einem Tag des Friedens.

Theatralische Antipoden

Im Haupthaus des Burgtheaters gab es erst jetzt, mehr als zwei Monate nach Beginn der neuen Spielzeit, eine Premiere: „Die Trilogie der Sommerfrische“ von Carlo Goldoni. Giorgio Strehler hatte fiesem Werk eine Bühnenfassung für einen Abend gegeben und sie im Burgtheater bereits vor neunzehn Jahren mit der Truppe des Mailänder Piccolo Teatro dargeboten, nun inszenierte er sie mit hauseigenen Kräften als erste Regicarbeit in Wien. . /

1975

Aus vier Jahrhunderten

Selbst an den besten Dramen von früher gibt es nicht selten manches auszusetzen. Und doch schätzt man sie sehr hoch ein. findet sie kaum von späteren Werken in ihrer Prägnanz und geistigen Dichte übertroffen. Maßgeblich ist einzig, ob die Vorzüge die Schwächen erheblich überragen. Das trifft auf Shakespeares Lustspiel „Viel Lärmen um nichts“ zu, das derzeit in der Bearbeitung von Otto Schenk und Peter Weiser im Burgtheater gespielt wird.Das skandalöse Verhalten des Grafen Claudio vor dem Traualtar, wo er seine Braut Hero zutiefst beleidigt, wirkt ebenso völlig unglaubwürdig

Zusammengwürfelt

Es gibt mancherlei Gründe, weshalb so viele der heutigen Stücke nur wenig oder keine Handlung besitzen. Dennoch macht es Spaß, im Theater auch das Gegenteil zu erleben, etwa in einer der spanischen Mantel- und Degenkomödien ein Übermaß an Handlung. Besonders Lope de Vega versteht es meisterhaft, die Situationen wie Jonglierscheiben herumzuwirbeln.

österreichische Dramatik: Situation 1975

Es gibt zwar in Österreich im Bühnensehaffen immer wieder vorzügliche Regieleistungen, aber sie haben nur regionale, kaum je überregionale Bedeutung. Sehr bezeichnend ist es da, daß die aufsehenerregenden Inszenierungen des^ Österreichers Hans Hollmann nicht in Wien oder in den Bundesländern, sondern in Deutschland und in der Schweiz entstanden. Auch die vielen ausländischen Regisseure am Burgtheater erreichen an dieser Bühne keine weiter reichende Wirkung. Überraschenderweise wurden aber von Österreichern erhebliche überregionale Erfolge auf einem Gebiet erzielt, auf dem man es noch vor zehn Jahren kaum vermutet hätte: in der Dramatik. Es sei deshalb von den Bühnenwerken gesprochen, die eben in diesem letzten Jahrzehntentstanden sind.

Von Charme bis Brutalität

Haben wir noch eine Beziehung zur k. u. k. Monarchie? Steckt noch ein Stück von ihr in uns? Oder sehen wir darauf,wie auf einen Gespenstertanz zurück? Einen Gespenstertanz wie ihn Karl Kraus aufrührt oder einen! nun doch liebenswürdigeren in der Art, des Franz Molnar. Der Charme der Vergangenheit ersteht in Molnars Spiel „Der Schwan“, das derzeit im Theater in der Josef stadt zu sehen ist.

Italianita in Bregenz

Die 30. Bregenzer Festspiele standen zu Beginn ganz im Zeichen von Österreichs südlichem Nachbarn: Italien. Während im Theater am Kornmarkt der festliche Schauspielreigen mit dem „Verschwender“, einer unbekannten Komödie von Carlo Goldoni, eröffnet wurde, kehrte die komische Oper „Eine Nacht in Venedig“ von Johann Strauß zum vierten Mal auf die von Piloten getragene, weitausladende Raumbühne auf dem Bodensee zurück. Ist sie doch während der vergangenen drei Dezennien so etwas wie eine Jubiläumsveranstaltung dieser Festspiele geworden. 1948 erklang zum ersten Mal der

Heiter bis komisch

Schmierentheater mit hungernden Schauspielern gibt es nicht mehr, heute wird bei den zahlreichen Toürneeunterneh-men erheblich verdient. Dennoch erreicht der Schwank um den Schmierendirektor Emanuel Striese „Der Raub der Sabinerinnen'', den die beiden Wiener Franz und Paul von Schönthan vor mehr als neunzig Jahren schrieben, nach wie vor starke Wirkung, wie die derzeitige Aufführung im Akademietheater zeigt.

„Den guten Wein zuletzt...“

Es war ein Jubiläum von seltener Fülle und Breitenwirkung: Berliner Festwochen, zum 25. Male. Man präsentierte einen Querschnitt durch das Werk Kurt Weills, man veranstaltete einen Zyklus mit der Akademie der Künste, Thema: „Als der Krieg zu Ende war“ — Dokumentationen in Musik, Dichtung, Malerei und Film aus der Zeit zwischen 1945 und 1950 und man zeigte die Welt des Mittelmeeres als Zentrum der Kulturen zwischen Ost und West in dem musiktheatralischen Auftragswerk „Mare Nostrum“ von Mauricio Kagel. Traditionelle Tanz- und Wortgastspiele belebten das imponierende Panorama: New York (La Mama), Tokio (N6), Sevilla, Neapel, Mailand, Paris standen auf dem Programm. Den „guten Wein“ aber hatte man bis zuletzt aufgehoben.

1976

Die Herrschaft der Clownerie?

Das alljährlich stattfindende Berliner Theatertreffen ist kein Festival der Dichter und Interpreten, bietet kein Bühnenspektakel im großen Gesellschaftsrahmen, ist längst zu einer sozialkritischen Begegnung mit politischem Einschlag geworden und huldigt in wachsendem Maße dem neuen Star der Bühne, der diese, einem modernistischen Trend folgend, zur Manege umformt: dem Regisseur. Zwar wird der gesamte deutschsprachige Theaterraum großzügig zum Angebot, in der Auswahl beschränkt sich jedoch die zehnköpfige Jury fast ausschließlich auf Westdeutschland und Westberlin, mit einer diesjährigen Ausnahme: Zürichs „Theater am Neumarkt“. In dieser Beschränkung liegt immer wieder eine große Gefahr und eine gewisse Enttäuschung, denn die Preiswürdigkeit nur einer „bemerkenswerten Inszenierung allein rechtfertigt weder schwache Inhalte noch unzureichende darstellerische Leistungen, genügt nicht einmal als Attribut für zu Recht vorausgesetzte Akkuratesse, läßt sogar — gemessen an Vergleichen mit Darbietungen im österreichischen Raum, gelegentlich Kompetenzzweifel aufkommen.

1978

Krach am Weekend

Es gibt nur noch sehr wenige Boulevardautoren. Dazu gehört der 39jährige Engländer Alan Ayckbourn, von dem eines Tages in London gleichzeitig fünf verschiedene Stücke gespielt wurden, was sich dort bis dahin noch nie ereignet hatte. Großen Erfolg erreichten drei Komödien unter dem gemeinsamen Titel „Normans Eroberungen“, von denen die erste, „Tischmanieren“, jetzt im Theater in der Josefstadt zu sehen ist - der nächste Ayckbourn folgt aber auf dem Fuße.

1997

Die Abgründe der Zweisamkeit

Die Beziehungen zwischen Mann und Frau haben viele Gesichter. Wenn sich zwei im siebten Himmel der Liebe befinden, ist das nur eine Facette davon. Aber diese kommt in den Stücken, die bei den Berndorfer, Beichenauer und Laxenburger Sommerspielen zur Auswahl stehen, nicht vor. Es geht vielmehr um die Abgründe und Schattenseiten der Zweisamkeit, wo sich tragische Ereignisse manchmal in eine komische Form kleiden, die Vergeltung von Gleichem mit Gleichem befreiendes Lachen erzeugt oder ein melancholisches Augenzwinkern Schmunzeln hervorruft.In Berndorf sind es, von Felix Dvorak ausgewählt und

2004

Theaterstadt Wien

Keine Sensationen, keine Flaute, aber eine thematisch und künstlerisch reichhaltige Saison wie schon lange nicht mehr: Ein VorausblickSpektakuläre "Events" sind in der neuen Spielzeit auf Wiener Bühnen nicht zu erwarten, obwohl sich so manche strukturellen und personellen Veränderungen abzeichnen. Trotz des Fehlens vorprogrammierter Sensationen, die - man denke nur an Bambiland - oft hinter den hochgeschraubten Erwartungen zurückbleiben, droht keine Theaterflaute. Denn das Angebot ist thematisch so reichhaltig und künstlerisch vielfältig wie schon lange nicht mehr.Die Burg offeriert in

2006

Solides Wien

In der Bundeshauptstadt setzt man auf Nummer sicher.Der Jahresregent: Shakespeare.Wer sich von der nächsten Wiener Theatersaison spektakuläre, die darstellende Kunst revolutionierende Events in der Art von Christoph Schlingensiefs Aktionen, Hermann Nitschs OM-Theater oder postdramatische Experimente erwartet, wird enttäuscht sein. Die großen Wiener Bühnen setzen diesmal mit einer soliden Mischung aus klassischer und zeitgenössischer Dramatik in hochkarätiger Besetzung auf Nummer Sicher.Hoch-Burg der KlassikRigide wie nie zuvor wurden im Burgtheater in der kommenden Spielzeit die

2011

Der Intendant verdrängt den Regisseur

Am Bayerischen Staatsschauspiel in München hat mit Martin Kusˇej eine neue Ära begonnen. Die ersten Premieren konnten indes nicht den hochgesteckten Erwartungen entsprechen.Den Anfang des mehrtägigen Premierenreigens zur Spielzeiteröffnung besorgte der neue Hausherr gleich selbst. Die mit Spannung erwartete Inszenierung von Arthur Schnitzlers "Das weite Land“ war allerdings eine Enttäuschung. Denn was man am vergangenen Donnerstag zu sehen bekam, war keine Kusˇej-Inszenierung, wie man sie kennt und wie man sie erwartet hätte. Er, der mit Vorliebe Texte aufsprengt und in starke Bilder

Jede Menge Sand im Komödiengetriebe

Am Theater in der Josefstadt ist Georges Feydeaus Klassiker "Ein Klotz am Bein“ in der Regie von Michael Kreihsl zu sehen. Der Produktion mangelt es an Tempo und Leichtigkeit.Das Spiel mit Worten ist bei Vaudeville-Komödien Programm: "Das Glas Wasser“, "Die Katze im Sack“, "Der Fuß in der Schlinge“ - je rätselhafter dabei der Titel, desto größer der Spaß, der sich dahinter versteckt. "Ein Klotz am Bein“ von Georges Feydeau bildet da keine Ausnahme. Das Meisterwerk französischer Komödienkunst aus dem Jahr 1894 versteht es, gekonnt nach alter Vaudeville-Tradition musikalische

2012

Glühende Geisterwesen und fliegende Fahrräder

Woody Allens "Eine Mittsommernachts-Sex-Komödie“ zum Jahreswechsel am Burgtheater: Eine verpasste Gelegenheit - eher eine lauwarme Belanglosigkeit denn ein Feuerwerk.Seit seiner Direktionszeit in Bochum ist es Tradition, dass Matthias Hartmann am Silvesterabend auf die Bühne tritt und einen Witz erzählt. Heuer passt dieser zur unmittelbar anschließenden Premiere von Woody Allens "Eine Mittsommernachts-Sex-Komödie“, in der es um die Irrungen und Wirrungen von Liebe und Leidenschaft geht. Als besonders originell lässt sich Hartmanns Witz allerdings nicht verbuchen, geht er doch auf

2022

Wie_es_euch_gefällt- still - Erfrischend Virtuos werden Shakespeares Liebesschwüre mit Popsongzeilen und Ausdrücken im Dialekt gewürzt (im Bild: Nina Siewert, Christoph Luser, Dunja Sowinetz, Martin Reinke, Charlotte Schwab, Oskar Haag). - © Foto: © Matthias Horn

Pretty in Pink! – Shakespeare in der Burg

Verspielt und ungezwungen präsentiert das Burgtheater Shakespeares Verwechslungskomödie „Wie es euch gefällt“.

2023

Die gefesselte Phantasie - szene - © Foto: © Matthias Horn

Ein Bukett entfesselter Kreativität

Der Meister des Lachtheaters Herbert Fritsch inszeniert Ferdinand Raimunds Original-Zauberspiel „Die gefesselte Phantasie“ am Wiener Burgtheater.

von

Christine Ehardt

Renaissance eines Bühnenklassikers

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Christine Ehardt